Dans la longue histoire du cinéma, aucune décennie n’est peut-être aussi importante que les années 1980. Mais à une époque où des films inoubliables sortaient en salles pratiquement tous les week-ends, quels sont ceux qui méritent d’être reconnus comme les plus grands de tous ?
Pendant les deux mandats de Ronald Reagan, les années 80 ont été marquées par un consumérisme effréné, le matérialisme et la mondialisation grâce à l’évolution rapide de la technologie. Les films de l’époque ont eux aussi pris de multiples facettes. Alors que les adultes continuaient à apprécier les films adultes traitant de sujets qui les concernaient, depuis les nuances des relations amoureuses dans la trentaine et la quarantaine jusqu’au traumatisme générationnel provoqué par la guerre du Viêt Nam, les jeunes spectateurs commençaient à voir des films plus excitants qui répondaient à leurs goûts. Parfois, les fils se croisent et des films ostensiblement destinés aux adultes trouvent un large public chez les enfants et les adolescents.
Dans les années 80, les budgets de production ont augmenté, les stars sont devenues plus célèbres, la violence s’est généralisée et, pratiquement du jour au lendemain, des spectateurs de tous âges ont pu apprécier les mêmes films. Le terme « blockbuster », inventé en 1954, est devenu une expression courante à mesure que les sorties de films battaient des records au box-office.
Au cours d’une décennie riche en grands films, seuls quelques-uns d’entre eux peuvent être reconnus comme les meilleurs jamais réalisés. Voici les 32 meilleurs films des années 1980.
32 Platoon (1986)
(Crédit photo : Orion Pictures)
Peu de réalisateurs incarnent les années 1980 comme Oliver Stone. Non seulement il a participé à l’écriture de classiques comme Conan le Barbare et Scarface, mais il a également dirigé Wall Street en 1987 – un film emblématique de la cupidité insatiable de la décennie – et une trilogie de films sans lien entre eux qui exploraient le traumatisme persistant du Viêt Nam. Le premier de ces films est Platoon (1986), un drame percutant sur un volontaire de l’armée américaine (joué par Charlie Sheen) qui passe son temps avec la 25e division d’infanterie près de la frontière cambodgienne à se débattre avec l’éthique de la guerre dans laquelle il est engagé. Le film a été inspiré par le propre service de Stone au Vietnam, et cela se voit dans l’attention portée aux détails et dans le portrait sans complaisance des blessures psychologiques durables de la guerre.
31) Moonstruck (1987)
(Crédit photo : MGM)
Réalisé par Norman Jewison et écrit par John Patrick Shanley, Cher et Nicolas Cage partagent la vedette dans cette comédie romantique délicieusement déjantée sur une veuve italo-américaine qui tombe amoureuse du jeune frère colérique de son fiancé. Si Cher était déjà une star lorsque Moonstruck est sorti, le film a également propulsé Nicolas Cage dans la stratosphère. Avec ses bras sculptés, son visage hagard et sa présence chaotique et discrète, Cage a montré au monde qu’il pouvait briller aussi fort que la Lune elle-même. Tout ce qu’il a fait depuis, du vol de la Déclaration d’indépendance à l’échange de visages avec John Travolta, c’est parce qu’il nous a fait craquer dans Moonstruck.
30. Predator (1987)
(Crédit photo : 20th Century Studios)
Après avoir explosé dans l’épopée fantastique Conan le Barbare en 1982, Arnold Schwarzenegger a déployé ses muscles de héros d’action dans Predator, un thriller de science-fiction et une épopée guerrière tout à la fois. Réalisé par John McTiernan et agrémenté d’une musique inoubliable d’Alan Silvestri, Predator suit une équipe militaire d’élite qui s’aventure dans la jungle sud-américaine pour sauver un otage diplomatique et se retrouve traquée par une menace d’un autre monde. Avec le recul, il est difficile de dire qui est la plus grande star, Schwarzenegger ou le désormais iconique extraterrestre « Predator ». En tout cas, Predator est incontestablement l’un des films d’action les plus réjouissants de tous les temps.
29) Bloodsport (1988)
(Crédit photo : Warner Bros.)
L’ascension et la mort prématurée de Bruce Lee ont incité toute une génération à se lancer dans les arts martiaux, dont la star belge Jean Claude Van Damme. Dans Bloodsport de Van Newt Arnold, Van Damme incarne un capitaine de l’armée américaine et maître de ninjutsu qui participe à un tournoi clandestin d’arts martiaux mortel à Hong Kong. Bien que les affirmations selon lesquelles le film est basé sur une histoire vraie ne soient pas très convaincantes, cela n’empêche pas Bloodsport d’être un classique des arts martiaux et sans doute le meilleur de l’ère post-Bruce Lee. (Oui, encore plus que Kickboxer, un film remarquablement similaire sorti un an plus tard). Entre les vibrations impeccables de la bande originale de Paul Hertzog et le visage de Van Damme lorsqu’il est aveuglé par le sable, Bloodsport nous incite tous à scander « Kumite ! ».
28) Say Anything (1989)
(Crédit photo : 20th Century Studios)
John Cusack et Ione Skye partagent la vedette dans Say Anything, le premier film de Cameron Crowe, qui raconte l’histoire d’un jeune homme qui, après avoir obtenu son diplôme d’études secondaires, noue une romance avec le major de sa classe. Sous la direction attentive de Crowe, Say Anything est un instantané drôle et chaleureux de la transition la plus précieuse entre le lycée et l’université. La scène inoubliable où Lloyd brandit son boombox (jouant « In Your Eyes » de Peter Gabriel) devant la chambre de Diane est comme la version du 20ème siècle de Roméo appelant Juliette sous le treillis ; c’est à la fois authentique et corrompu, un rappel que l’amour peut nous faire faire des choses insensées.
27. Excalibur (1981)
(Crédit photo : Warner Bros.)
La légende du roi Arthur et des chevaliers de la Table ronde, qui est sans doute le meilleur conte médiéval de tous les temps, a fait l’objet d’une adaptation cinématographique en 1981 dans Excalibur de John Boorman. Avec Nigel Terry dans le rôle d’Arthur et Helen Mirren dans celui de Morgane, ainsi que des talents notables comme Liam Neeson et Patrick Stewart au début de leur carrière, Excalibur se présente essentiellement comme un biopic qui commence par la conception impie d’Arthur jusqu’à son ascension en tant que roi et sa mort au combat. Plus intéressant pour son atmosphère gothique séduisante que pour son habileté cinématographique, Excalibur n’en reste pas moins un classique qui a influencé une génération d’artistes, de conteurs et de créateurs de jeux vidéo.
26. le Breakfast Club (1985)
(Crédit photo : Universal Pictures)
S’il est un cinéaste dont la voix résume les angoisses des jeunes adultes des années 1980, c’est bien le regretté John Hughes, auteur de classiques de la jeunesse tels que Sixteen Candles, Pretty in Pink, Weird Science et, bien sûr, Ferris Bueller’s Day Off. Si Ferris Bueller est une référence cinématographique à part entière, le drame d’ensemble de Hughes, The Breakfast Club, sorti en 1985, est peut-être plus important encore, avec son principe fondamental de personnalités contrastées qui se lient au cours d’un inoubliable samedi de détention. Si ce principe vous semble familier, c’est parce que The Breakfast Club en est à l’origine et qu’il est sans doute le meilleur.
25. Batman (1989)
(Crédit photo : Warner Bros.)
Préfigurant l’ascension des super-héros en tant que genre cinématographique prééminent du 21e siècle, Batman de Tim Burton est un mariage parfait entre une vision cinématographique singulière – avec les accents gothiques de Burton inspirés de l’expressionnisme allemand – et l’attrait commercial du grand public.
Avec Michael Keaton, Kim Basinger et Jack Nicholson, le film suit, qui d’autre, Batman dans sa lutte contre la nouvelle menace de Gotham City, le Joker. Indicatif des années 1980, jusqu’au fait que Prince ait réalisé l’album, Batman annonçait la transformation prochaine des films en machines à marchandisage. Batman était un film avec juste assez de noirceur pour plaire au public plus âgé, mais il ne repoussait pas les chances d’engendrer des jouets Happy Meal.
24. quelque part dans le temps (1980)
(Crédit photo : Universal Pictures)
Du réalisateur français Jeannot Szwarc, cette romance à faire pâlir d’envie met en scène Christopher Reeve dans le rôle d’un dramaturge de Chicago qui trouve le moyen de voyager dans le temps jusqu’en 1912, où il tombe amoureux d’une actrice (Jane Seymour). Avant d’autres romances sur le voyage dans le temps comme The Time Traveler’s Wife, The Lake House et Kate & ; Leopold, il y avait Somewhere in Time. Avec sa partition émouvante de John Barry et ses deux acteurs principaux, Reeve et Seymour, Somewhere in Time a écrit le livre de recettes sur ce que signifie se sentir si loin de l’âme sœur. Bien qu’il ait été critiqué à sa sortie, Somewhere in Time conserve des fans dévoués qui se réunissent chaque année en octobre pour regarder le film dans son décor principal, le Grand Hotel, dans le Michigan.
23 S.O.S. Fantômes (1984)
(Crédit photo : Sony Pictures)
Qui allez-vous appeler ? Malgré tous ses effets spéciaux et ses batailles épiques contre un mal ancien, S.O.S. Fantômes est avant tout une comédie sur la façon de faire des affaires avec ses amis. Conçu par le scénariste et acteur Dan Aykroyd (dont la famille, dans la vraie vie, est réputée pour son expertise en matière de paranormal), S.O.S. Fantômes est devenu une référence générationnelle grâce aux performances de Bill Murray, Harold Ramis, Aykroyd lui-même – qui interprètent tous des scientifiques évincés de l’université – et Ernie Hudson dans le rôle de l’homme au franc-parler qui se joint à eux. Avec Sigourney Weaver et Rick Moranis, S.O.S. Fantômes est un autre grand film des années 80 destiné aux adultes, une comédie new-yorkaise sur les relations amoureuses, le travail et la survie des entreprises, mais qui a conquis des légions d’enfants avec ses fantômes amusants, ses monstres géants en guimauve et ses lasers colorés.
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22 Glory (1989)
(Crédit photo : Tri-Star Pictures)
L’émouvante épopée historique Glory d’Edward Zwick est une exploration exemplaire du racisme et du patriotisme à travers l’histoire du 54e régiment d’infanterie du Massachusetts, l’un des premiers régiments afro-américains de l’armée de l’Union pendant la guerre de Sécession. Avec Matthew Broderick, Denzel Washington, Cary Elwes et Morgan Freeman, Glory est un film pleinement réalisé qui divertit autant qu’il instruit grâce à sa magnifique cinématographie et à son histoire déchirante sur le sacrifice non payé. Depuis sa sortie en 1989, Glory reste l’un des meilleurs films jamais réalisés sur l’une des guerres les plus sanglantes de l’histoire américaine.
21. les cauchemars de la rue Elm (1984)
(Crédit photo : New Line Cinema)
Alors que le genre « slasher » trouvait un nouveau souffle dans les années 1970, Wes Craven a porté le flambeau tout au long des années 1980, notamment avec son inoubliable film « A Nightmare on Elm Street » (Les cauchemars de la rue Elm). Premier d’une franchise qui a fait de New Line un studio puissant, le film de Wes Craven suit Nancy (Heather Langenkamp), une adolescente de banlieue hantée par des rêves ultra-réalistes de Freddy Krueger (Robert Englund), un tueur prédateur doté d’un gant griffu. Le film s’inspire notamment d’histoires réelles que Craven a entendues sur des réfugiés cambodgiens morts dans leur sommeil. Avec le vivant Robert Englund dans le rôle de Freddy, A Nightmare on Elm Street est un film d’horreur surnaturel efficace ainsi qu’une comédie noire, ce qui signifie qu’il est toujours bon pour un cri.
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20) Stand By Me (1986)
(Crédit photo : Columbia Pictures)
Basé sur la nouvelle de Stephen King (elle-même intitulée d’après la chanson de Ben E. King sur la sentimentalité), Stand By Me de Rob Reiner suit un groupe de garçons de l’Oregon qui partent en randonnée et tombent sur un cadavre. Avec son casting mémorable composé de Wil Wheaton, River Phoenix, Corey Feldman et Jerry O’Connell, le film de Reiner est une métaphore intemporelle et poignante de la fin de l’innocence, lorsque les enfants grandissent et se retrouvent brusquement face à un mal innommable. Son soleil abondant trahit les ténèbres que cache le monde, et aucun film n’explore cette dissonance avec autant d’élégance que Stand By Me.
19. quand Harry rencontre Sally… (1989)
(Crédit photo : Columbia Pictures)
Réalisé par Rob Reiner et écrit par l’effervescente Nora Ephron, Quand Harry rencontre Sally est l’ultime comédie romantique dans laquelle nous nous sommes tous retrouvés au moins une fois. Billy Crystal et Meg Ryan interprètent des personnages diamétralement opposés qui, au fil du temps, se redécouvrent et découvrent peu à peu des sentiments forts, mais qui sont frappés par la peur de la permanence de ces sentiments. Cette comédie éternelle, très appréciée à l’automne, est toujours aussi perspicace à l’heure où les rencontres modernes deviennent de plus en plus compliquées, voire inutiles. Fait amusant : la scène emblématique du Katz’s Delicatessen a été improvisée entre Crystal, Ryan et Ephron, afin de résoudre le problème de la focalisation inégale du film sur le personnage de Crystal. Puissions-nous tous avoir ce qu’elle a.
18 Rocky III (1982)
(Crédit photo : MGM)
Bien sûr, Rocky IV retient toute l’attention, avec l’histoire de l’éternel outsider Rocky (Sylvester Stallone) qui affronte le dragon russe Ivan Drago (Dolph Lundgren) dans un combat qui fait parler de lui. Mais Rocky III, de 1982, est un film plus complet, qui se présente non seulement comme une fin possible à l’histoire de Rocky, mais aussi comme un film émouvant sur l’esprit sportif, la fraternité et la réconciliation. Alors que Rocky Balboa connaît un succès fulgurant, le pugiliste de Philadelphie se voit défié par le redoutable Clubber Lang (Mr. T), ce qui oblige Rocky à faire équipe avec son vieux rival Apollo (Carl Weathers) pour devenir le combattant ultime qu’il est censé être. C’est le film qui a introduit « Eye of the Tiger » dans nos playlists d’entraînement, et son apogée est toujours inspirante sans jamais frôler la caricature.
17) Blue Velvet (1986)
(Crédit photo : De Laurentiis Entertainment Group)
Avant WandaVision, David Lynch a révélé les ténèbres de la banlieue manucurée dans son thriller néo-noir Blue Velvet. Kyle MacLachlan y incarne un étudiant qui rentre chez lui en Caroline du Nord où il trouve une oreille humaine coupée, ce qui déclenche une étrange enquête sur une conspiration criminelle impliquant une chanteuse de salon belle mais hantée (Isabella Rossellini). Nommé d’après l’interprétation de Bobby Vinton de la chanson « Blue Velvet » et inspiré par un incident traumatisant de l’enfance de Lynch où il a été témoin d’une femme nue marchant dans son quartier la nuit, Blue Velvet est un thriller enchanteur et mystifiant qui déconcerte tous ceux qui regardent au plus profond de ses cavernes.
16. les aventuriers de l’arche perdue (1981)
(Crédit photo : 20th Century Studios)
L’hommage de Steven Spielberg aux aventures en série des pulps a établi la norme des superproductions pour les années à venir. Avec Harrison Ford et l’effervescente Karen Allen (dans le rôle de Marion Ravenwood), Les Aventuriers de l’arche perdue raconte l’histoire d’un archéologue et professeur d’université aventureux, le Dr Indiana Jones, qui affronte des nazis pour retrouver l’arche d’alliance, perdue depuis longtemps. Superproduction incontestée, caractérisée par une mise en scène exquise et un véritable sens de l’aventure, Les Aventuriers de l’arche perdue a donné naissance à l’une des plus grandes séries de films des années 1980. Mais rien ne surpasse l’original.
15. les femmes au bord de la crise de nerfs (1988)
(Crédit photo : Orion Pictures)
Réalisé par l’auteur Pedro Almodovar, Women on the Verge of a Nervous Breakdown est une comédie noire classique qui raconte l’histoire d’une femme nommée Pepa (interprétée par Carmen Maura) qui est brusquement abandonnée par son amant. En cherchant à comprendre pourquoi elle est soudainement seule, elle découvre une cavalcade de personnages qui sont tous plus liés les uns aux autres qu’ils ne l’auraient cru. Avec Antonio Banderas et Rossy de Palma, Women on the Verge of a Nervous Breakdown est une comédie vibrante et irrévérencieuse sur la perte totale de contrôle, qui transcende sans aucun doute toutes les barrières linguistiques.
14. les rues de feu (1984)
(Crédit photo : Universal Pictures)
Qualifié de « fable rock and roll » et fidèle à l’esprit même de cette idée, Streets of Fire est un film triomphal qui illumine les routes détrempées de sa ville fictive de Richmond. Réalisé par Walter Hill et interprété par Michael Pare, Diane Lane et Willem Dafoe, Streets of Fire entraîne le public dans son rêve imaginaire de rockabilly des années 1950 et de grime des années 1980. Avec ses rues envahies par d’infâmes tueurs, ses hot rods rugissants et sa bande originale qui vous donne envie de regarder en avant et de ne jamais revenir en arrière, Streets of Fire est une invitation à aller vite nulle part.
13. Akira (1988)
(Crédit photo : Toho)
Pierre angulaire de la science-fiction dystopique, Akira de Katsuhiro Otomo adapte le manga du même nom, qui raconte l’histoire d’un gang de jeunes motards qui se jette dans un dangereux projet gouvernemental top secret. Situé dans une année 2019 futuriste et au lendemain d’une nouvelle guerre mondiale qui a laissé Tokyo en ruine, les lumières scintillantes de Néo-Tokyo sont soulignées par les traînées de lumière laissées par ses jeunes insouciants qui se déchaînent sur des motos volées. Akira est une vision durable d’Otomo, qui a canalisé la violence endémique causée par l’épidémie de gangs bosozoku au Japon, mais qui a trouvé un public universel dans son portrait provocateur d’une jeunesse désillusionnée et violente.
12. Shining (1980)
(Crédit photo : Warner Bros.)
Classique de l’horreur sur les effets glaçants de l’isolement et l’incapacité à rester sain d’esprit, le chef-d’œuvre d’horreur de Stanley Kubrick, The Shining, domine tant d’autres films qui s’efforcent et échouent à atteindre les mêmes sommets. Jack Nicholson et Shelley Duvall jouent dans cette adaptation du roman éponyme de Stephen King (qui, soit dit en passant, déteste vraiment ce film). Le film raconte l’histoire d’une famille qui accepte de travailler dans un centre de villégiature du Colorado pendant la saison morte, mais qui succombe à une présence surnaturelle malveillante. Aujourd’hui encore, personne ne sait vraiment ce que veut dire l’homme au costume d’ours.
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11. Amadeus (1984)
(Crédit photo : Orion Pictures)
Bien que le drame personnel au cœur de l’épopée biographique de Milos Forman, Amadeus, soit largement fictif, cela ne l’empêche pas d’être une histoire captivante de jalousie artistique et de mesquinerie dans le monde de la musique classique. Avec F. Murray Abraham et Tom Hulce, Amadeus suit Wolfgang Amadeus Mozart (Hulce) et son intense rivalité avec le compositeur italien Antonio Salieri (Abraham). Dans la vraie vie, les deux hommes étaient tout à fait civilisés, voire amicaux. Mais le film de Forman est tout simplement trop délectable dans la façon dont des sentiments racontables comme l’insécurité et l’inadéquation peuvent trahir même les environnements les plus décoratifs.
10. retour vers le futur (1985)
(Crédit photo : Universal Pictures)
L’ultime aventure de voyage dans le temps, Robert Zemeckis a cimenté son statut d’auteur de superproduction dans cette odyssée de science-fiction où le présent rencontre le passé. Michael J. Fox incarne Marty McFly, un adolescent adepte du skateboard, qui remonte le temps à bord d’une DeLorean aménagée et doit s’assurer que ses parents se rencontrent et tombent amoureux (sans que sa mère ne tombe accidentellement amoureuse de lui). Retour vers le futur est un film iconique qui est aujourd’hui considéré comme un incontournable de la nostalgie.
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9) Die Hard (1988)
(Crédit photo : 20th Century Studios)
Le film d’action par excellence et l’éternel favori de Noël, Bruce Willis incarne John McClane, un policier new-yorkais coriace qui se retrouve coincé dans un gratte-ciel de Los Angeles lors d’une attaque terroriste. Même si vos cousins vous disent que Die Hard est un excellent film de Noël, vous ne pouvez pas nier que le but ultime de McClane – retrouver sa femme et lui dire qu’il est désolé – est à la hauteur de l’esprit de Noël, qui est une période consacrée à la famille, au pardon et aux nouveaux départs.
8. Kagemusha (1980)
(Crédit photo : Toho)
L’imparable classique de 1980 d’Akira Kurosawa, Kagemusha – qui signifie « guerrier de l’ombre » – suit un criminel de bas étage dont la ressemblance physique frappante avec un seigneur samouraï mourant le propulse sous les feux de la rampe politique, où il est forcé d’agir pour empêcher une invasion par des clans rivaux. Kagemusha, l’un des rares films en couleur de Kurosawa, voit le légendaire réalisateur tirer pleinement parti des outils à sa disposition dans un film à couper le souffle qui oscille entre l’illusion et la réalité.
7) Broadcast News (1987)
(Crédit image : 20th Century Studios)
Albert Brooks, Holly Hunter et William Hurt sont les vedettes de cette délicieuse comédie romantique qui se déroule dans le monde trépidant des informations télévisées. Face à l’érosion imminente de l’intelligence au profit du sensationnalisme dans le journalisme d’information, trois personnes naviguent dans ce paysage changeant tout en explorant leurs propres sentiments l’une pour l’autre. Bien que sorti bien avant qu’Internet et les médias sociaux ne fassent partie de notre quotidien, son avertissement prémonitoire contre le démantèlement d’un journalisme sérieux n’éclipse jamais complètement la romance légère et juteuse qui est en son cœur.
6) Scarface (1983)
(Crédit photo : Universal Pictures)
Tony Montana nous a dit « Le monde est à vous » et nous l’avons cru. Dans cette histoire sur les dangers de la poursuite du rêve américain, le décoré Al Pacino joue le rôle de Tony Montana, un immigrant cubain qui amasse pouvoir, influence et fortune grâce au trafic de cocaïne dans la ville ensoleillée de Miami. Réalisé par Brian de Palma et composé par le légendaire Giorgio Moroder, Scarface est un classique monumental qui a non seulement influencé l’idée que nous nous faisons de la vie en grand, mais qui nous met en garde contre le fait de voler trop près du soleil.
5) Dirty Dancing (1987)
(Crédit photo : Lionsgate)
Dans Dirty Dancing, du réalisateur Emile Ardolino, Patrick Swayze et Jennifer Grey partagent la vedette dans l’ultime romance entre deux étoiles depuis Roméo et Juliette. L’histoire est celle d’une jeune fille saine de 17 ans issue d’une famille aisée, Baby (Grey), qui se retrouve dans les bras d’un professeur de danse de la classe ouvrière, Johnny (Swayze). Se déroulant durant l’été 1963 dans la région pittoresque des Catskills, Dirty Dancing nous a montré qu’il est possible de trouver l’amour dans les endroits les plus improbables, un pas après l’autre. Nous nous sommes tous amusés comme des fous.
4) Cinema Paradiso (1988)
(Crédit photo : Titanus)
Dans ce drame radical sur le passage à l’âge adulte, écrit et réalisé par Giuseppe Tornatore, un jeune garçon d’une petite ville sicilienne se lie d’amitié avec un vieux projectionniste du cinéma de sa ville, le Cinema Paradiso. Racontée en grande partie sous forme de flashbacks, cette célébration profondément sentimentale des pouvoirs salvateurs du cinéma révèle comment cette chose que nous aimons tous, appelée « films », façonne fondamentalement notre être. Les films n’aiment rien de plus que les films sur les films, et Cinema Paradiso est l’un des nombreux films qui constituent un triomphe.
3. Blade Runner (1982)
(Crédit photo : Warner Bros.)
La science-fiction a explosé dans les années 1980, mais peu d’entre elles semblent aussi abouties que le très influent Blade Runner de Ridley Scott, dans lequel Harrison Ford incarne un chasseur de primes de « réplicants » androïdes qui s’interroge sur sa propre nature. Bien que le film n’ait pas rencontré le succès escompté et que la version cinématographique sortie en 1982 ne reflète pas la vision complète de Scott – cela n’arrivera que des années plus tard, en 2007 – Blade Runner a néanmoins façonné l’aspect et l’ambiance de la science-fiction pour des générations. Avec ses étendues urbaines sombres et lugubres, bondées de gens agités, toutes éclairées par un néon odieux, Blade Runner montre de manière inquiétante ce à quoi notre avenir aurait pu ressembler en 2017 – et ce qu’il pourrait encore être, si nous ne prenons pas garde.
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2. l’Empire contre-attaque (1980)
(Crédit photo : 20th Century Studios)
Les années 1980 ont prouvé que les suites n’ont pas à être des dérivés de second ordre de l’original, et aucune suite ne l’a mieux prouvé que celle de Star Wars, L’Empire contre-attaque, du réalisateur Irvin Kershner. Faisant suite aux événements de l’original, désormais intitulé Un nouvel espoir, L’Empire contre-attaque voit Luke Skywalker (Mark Hamill) séparé de la Rébellion alors qu’il s’entraîne avec l’insaisissable Yoda dans les voies du Jedi. Plus grand et en quelque sorte meilleur que Star Wars à tous points de vue, L’Empire contre-attaque a posé les bases de ce que toutes les suites devraient faire, en étant une expansion – et non une pâle imitation – de ce qui a rendu le film précédent si mémorable.
1) Top Gun (1986)
(Crédit photo : Paramount Pictures)
Il va sans dire que les années 1980 regorgent de classiques. Des réalisateurs comme Steven Spielberg, James Cameron, Martin Scorsese et John Carpenter ont tous dirigé des films extrêmement influents qui ont défini la décennie. Mais aucun film ne résume à lui seul l’époque et ne préfigure l’avenir comme Top Gun. La superproduction estivale de Tony Scott, sortie en mai 1986, a consolidé tout ce que nous attendons aujourd’hui des grands films, lorsque l’air est chaud et que nous cherchons à nous réfugier dans la fraîcheur et l’obscurité des salles de cinéma. En racontant l’histoire d’un pilote de la marine américaine, le film de Scott – avec Tom Cruise, Val Kilmer et Kelly McGillis – représente tout ce que nous aimons au cinéma, et son pouvoir illusoire de nous faire sentir que nous sommes entrés dans la zone de danger.