L’industrie du cinéma est étrange, quand on y pense. Avant que le streaming ne change tout, les films – l’aboutissement d’innombrables artistes consacrant des tonnes de temps, d’énergie et, oui, d’amour – ne disposaient souvent que d’une fenêtre de deux ou trois week-ends au maximum pour gagner tout l’argent qu’ils pouvaient, si tant est qu’ils le pouvaient. Il s’agit d’un modèle commercial hérité du théâtre vivant, et de nombreux classiques ont fait un bide au box-office avant de trouver une plus longue durée de vie sur les vidéos amateurs et sur l’internet.
Voici 32 films classiques qui n’ont pas eu de succès commercial avant de se faire une place dans le cœur et l’esprit des spectateurs du monde entier.
32. Trois mille ans de désir (2022)
(Crédit photo : MGM)
Sept ans après Mad Max Fury Road, qui a établi une nouvelle norme pour le cinéma d’action, le réalisateur George Miller s’est efforcé de raconter une romance épique entre une érudite britannique solitaire (interprétée par Tilda Swinton) et un génie séduisant (Idris Elba). Même avec un budget modeste de 60 millions de dollars, Three Thousand Years of Longing s’est heurté à un marché des salles de cinéma qui se remettait à peine de la pandémie de COVID-19. Sa rare existence en tant que film fantastique hypnotique pour adultes en fait un classique moderne destiné à trouver son public.
31. Sous la peau (2013)
(Crédit photo : A24)
Malgré la présence de l’héroïne Marvel Scarlett Johansson, l’angoissant film de science-fiction de Jonathan Glazer (basé sur le roman de Michel Faber paru en 2000) n’a pas réussi à faire des bénéfices, même avec un budget minuscule de 13 millions de dollars. Pourtant, Under the Skin a été et est toujours célébré comme un film obsédant explorant le sexisme, la politique de classe et l’identité dans son histoire d’un extraterrestre (Johansson) qui s’en prend aux hommes dans une Écosse pluvieuse. Il est amusant de constater que Johansson a été à peine reconnue par les habitants de la région pendant le tournage. Dans une interview accordée au Irish Times en 2014, Glazer a déclaré : « Je me souviens l’avoir vue marcher dans la rue avec un pull rose sur une longue lentille et elle ressemble à un insecte exotique sur le mauvais continent ».
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30. Crimson Peak (2015)
(Crédit photo : Universal)
La romance gothique de Guillermo del Toro sur un auteur qui emménage dans un manoir anglais hanté a été présentée comme un film d’horreur traditionnel, ce qui a déçu tous ceux qui recherchaient des cris. (La concurrence de films à succès comme The Martian n’a pas aidé non plus). Mais del Toro est un visionnaire assuré dont l’art est toujours apprécié en temps voulu. Presque dès sa sortie à l’automne 2015, Crimson Peak a eu des partisans fébriles qui l’ont qualifié de « chef-d’œuvre gothique » et ces sentiments n’ont fait que croître avec le temps. Le film a depuis été salué comme l’un des meilleurs de del Toro, même s’il s’agit également de l’un de ses plus grands échecs commerciaux.
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29 Tenet (2020)
(Crédit photo : Warner Bros.)
Christopher Nolan est l’un des rares véritables auteurs du 21e siècle, et tous ses films attirent un public comparable à celui d’une suite de franchise. Mais la pandémie de COVID-19 a véritablement mis son statut à l’épreuve. Doté d’un budget de 200 millions de dollars et d’un récit complexe impliquant la manipulation du temps, le film d’action de science-fiction Tenet de Nolan est sorti en salles alors que rester chez soi était l’option la plus sûre pour la plupart des gens. Même avec une recette totale de 365 millions de dollars, Tenet a fait perdre de l’argent à Warner Bros. Mais il a trouvé un public fidèle, la phrase « N’essayez pas de le comprendre, ressentez-le » servant de cri de ralliement à ses admirateurs.
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29 Ishtar (1987)
(Crédit photo : Columbia)
La comédie d’Elaine May, qui raconte l’histoire de deux auteurs-compositeurs stupides (interprétés par Dustin Hoffman et Warren Beatty) pris dans une impasse géopolitique, a d’abord bénéficié de projections-tests très positives. Mais les tensions entre les producteurs au plus haut niveau ont été exploitées par la presse, ce qui a conduit à des critiques négatives et à des coûts de marketing gonflés pour surpasser la mauvaise publicité. Ishtar n’a pas été qu’une bombe nucléaire, mais une bombe conséquente qui a conduit Columbia à se vendre à Sony. Après avoir été considéré pendant des décennies comme l’un des pires films de tous les temps, Ishtar est aujourd’hui considéré comme une brillante satire du narcissisme masculin. Ses plus grands fans sont les titans du cinéma que sont Quentin Tarantino et Martin Scorsese.
28. le dernier duel (2021)
(Crédit photo : 20th Century Studios)
Ridley Scott n’est pas étranger aux grands films qui perdent au box-office ; en 2005, son épopée guerrière Kingdom of Heaven a été condamnée à la guillotine. Mais en 2021, son drame médiéval Le dernier duel a souffert de la combinaison d’un sujet troublant et de cinémas qui se remettaient encore de la pandémie de COVID-19. (Bien que Scott ait blâmé les milléniaux et les téléphones portables, pour une raison ou une autre). Néanmoins, le savoir-faire raffiné de Scott et une distribution de premier plan composée de Matt Damon, Adam Driver, Jodie Comer et Ben Affleck font de The Last Duel un film sublime, qui rappelle que les adultes peuvent encore avoir des films pour eux seuls.
27. Donnie Darko (2001)
(Crédit photo : Newmarket Films)
Le réalisateur Richard Kelly a fait irruption à Hollywood avec son premier film, Donnie Darko, un thriller d’horreur psychologique où l’angoisse de l’adolescence est omniprésente. Un ton trop sombre et un point central de l’intrigue impliquant un accident d’avion ont rendu sa sortie en octobre 2001 très maladroite, et sont les causes principales d’un box-office médiocre. Mais Donnie Darko a trouvé un public enthousiaste en DVD et grâce au bouche-à-oreille sur Internet. Il a donné le coup d’envoi au parcours de Jake Gyllenhaal vers la célébrité et a fait de la sombre reprise de « Mad World » par Gary Jules l’hymne de la jeunesse nihiliste du 21e siècle.
26 Children of Men (2006)
(Crédit photo : Universal)
Thriller dystopique envoûtant dans lequel Clive Owen joue un fonctionnaire qui aide une réfugiée enceinte (Clare-Hope Ashitey), Children of Men d’Alfonso CuarÓn a imaginé un avenir plausible marqué par la xénophobie et l’écocide. Malgré son génie et les éloges qu’il a reçus, le film n’a pas fait le plein d’entrées. Children of Men n’a rapporté que 70,5 millions de dollars pour un budget de production de 76 millions de dollars à l’époque, mais sa place récurrente sur diverses listes de best-of garantit que le film continuera à alarmer le public sur notre apocalypse autodestructrice jusqu’à ce qu’il soit trop tard.
25 Fear and Loathing in Las Vegas (1998)
(Crédit photo : Universal)
L’adaptation par Terry Gilliam du roman/mémoire de 1971 de Hunter S. Thompson a fait un bide dans les salles de cinéma, mais reste un poster accroché dans toutes les chambres d’étudiants. Johnny Depp et Benicio del Toro jouent respectivement le rôle d’un journaliste et d’un avocat qui sèment la pagaille à Las Vegas alors qu’ils sont défoncés à tout. Gilliam présente de manière mémorable le rêve américain à travers un miroir de funhouse, où les aspirations capitalistes paraissent grotesques sous les néons brûlants de l’autodétermination.
24) Showgirls (1995)
(Crédit photo : MGM)
Autre regard sur la perversion du rêve américain, Showgirls de Paul Verhoeven – avec la reine de la sitcom Elizabeth Berkley dépouillée de son image de sainteté – a longtemps conservé sa réputation d’échec prodigieux. Le film a également subi un véritable démenti de la part des critiques, qui ne savaient pas comment accueillir sa sexualité débordante et sa misogynie de surface. Mais le temps a été clément avec Showgirls, les critiques modernes et des cinéastes comme Jim Jarmusch et Adam McKay reconnaissant qu’il s’agit d’une satire astucieuse qui prend le camp au sérieux. Dans une interview de 2015, Verhoeven a déploré à quel point Berkely a supporté l’écrasante négativité du film.
23. John Carter (2012)
(Crédit photo : Disney)
L’année où The Avengers et The Dark Knight Rises ont pris le monde en étau, le film de science-fiction à gros budget John Carter d’Andrew Stanton (basé sur le roman centenaire d’Edgar Rice Burroughs) a fait un flop retentissant et n’a pas réussi à donner à Disney une nouvelle franchise. Mais au milieu d’années de films de super-héros identiques, les critiques et le public ont réévalué John Carter comme un classique négligé qui méritait en fait une franchise et qui a été maudit par le timing. Les deux acteurs principaux, Taylor Kitsch et Lily Collins, ont depuis fait remarquer que John Carter est le film dont on les reconnaît encore. « Je mourrai et les gens continueront à voir ce film », a déclaré Collins en 2022.
22. Steve Jobs (2015)
(Crédit photo : Universal)
Ce drame biographique sur le défunt fondateur d’Apple, qui se déroule à des moments précis de sa vie, a été acclamé même si ses recettes totales de 34,4 millions de dollars équivalent à peine aux ventes trimestrielles du dernier iPhone. Pourtant, Steve Jobs est passionnant grâce à un scénario dynamique du maestro Aaron Sorkin, à un Michael Fassbender caméléon et à une mise en scène acérée de Danny Boyle, qui fait ressortir tout le suspense et la tension dans le plus simple des couloirs de coulisses éclairés par des lampes fluorescentes. Rétrospectivement, Steve Jobs montre ce que signifie faire un biopic qui n’est pas une hagiographie.
21. Mulholland Drive (2001)
(Crédit photo : Universal)
Aussi beau que déroutant, le film noir de David Lynch sur Los Angeles – qui a commencé comme un pilote pour la télévision – n’a pas réussi à atteindre le seuil de rentabilité. Mais avec une narration fantasmagorique incompatible avec les goûts du grand public, faut-il s’en étonner ? Descente surréaliste dans les rêves brisés d’Hollywood, Mulholland Drive met en scène Naomi Watts dans le rôle d’une aspirante actrice qui rencontre une amnésique, interprétée par Laura Harring. A la croisée des chemins entre Sunset Boulevard et Babylon de Damien Chazelle, son ton sombre résonne pour ceux qui cherchent à se prélasser sur le grand écran.
20. Office Space (1999)
(Crédit photo : 20th Century Studios)
Alors que la génération MTV passait à l’âge adulte, ses frustrations à l’égard de la banalité oppressante du lieu de travail ont trouvé une voix dans la comédie noire de Mike Judge, qui peut être citée à l’infini et faire l’objet de mèmes. Budgété à seulement 10 millions de dollars et rapportant un peu plus de 12 millions de dollars, Office Space n’a pas enflammé les rapports TPS d’Hollywood. Mais la rediffusion constante sur Comedy Central a incité de nombreuses personnes à souhaiter pouvoir décharger leur colère sur la machine à imprimer de leur patron.
19) Bottle Rocket (1996)
(Crédit photo : Sony Pictures Releasing)
Cette célèbre comédie du milieu des années 90 sur des criminels ineptes a lancé les carrières de Wes Anderson et des deux frères Wilson (Luke et Owen). Mais le box-office catastrophique du film – annoncé par des projections tests médiocres – fait que c’est un miracle qu’ils aient une carrière. (Owen Wilson a déclaré qu’il avait failli abandonner son métier d’acteur pour rejoindre les Marines après la sortie désastreuse du film). Aujourd’hui, Bottle Rocket est considéré rétroactivement comme le chef-d’œuvre le plus inhabituel d’Anderson.
18) Serenity (2005)
(Crédit photo : Universal)
La série culte de science-fiction Firefly, souvent considérée comme l’une des meilleures séries télévisées annulées trop tôt, a bénéficié d’une chance improbable lorsqu’elle a eu droit à une suite cinématographique à gros budget en 2005. Malgré une base de fans passionnés, le désintérêt des spectateurs ordinaires qui ne connaissaient pas Firefly a condamné Serenity à se contenter de la deuxième place lors de son premier week-end. Mais Serenity a tout de même reçu des critiques dithyrambiques et a été reconnu comme l’un des meilleurs films de science-fiction de tous les temps. Son héritage a été renforcé lorsque le réalisateur et créateur Joss Whedon (aujourd’hui en disgrâce) a dirigé l’un des plus grands films de tous les temps : The Avengers de Marvel en 2012. Vous ne pouvez pas arrêter le signal.
17. le roi de la comédie (1982)
(Crédit photo : 20th Century Studios)
Même Martin Scorsese a résisté à des bombes au cours de son illustre carrière, mais aucune ne l’a fait plus que The King of Comedy. Robert De Niro y incarne un aspirant comédien délirant qui met au point un plan pour kidnapper son idole, un animateur de télévision de fin de soirée, et faire chanter la chaîne pour qu’elle lui accorde une place. Tout comme l’autre collaboration de Scorsese avec De Niro, leur légendaire film noir Taxi Driver de 1976, la fin de The King of Comedy est sujette à débat. Mais quelle que soit l’interprétation, on ne peut nier que le traité de Scorsese sur le culte de la célébrité – qui préfigure de manière alarmante l’ascension des influenceurs en ligne – est hypnotique, sombre et ne prête pas à rire.
16. Le Maître (2012)
(Crédit photo : The Weinstein Company)
Le drame psychologique de Paul Thomas Anderson est l’histoire d’un vétéran de la Seconde Guerre mondiale (interprété par Joaquin Phoenix) qui succombe à l’influence d’un chef de secte paternel. Malgré le respect qu’il suscite en tant que portrait intelligent et percutant de la dynamique entre enseignants et élèves et de la masculinité américaine, sans oublier les parallèles avec la scientologie, The Master n’a pas réussi à dominer les ventes de billets et a enregistré des résultats inférieurs à la moyenne. Néanmoins, The Master occupe une place particulière dans la filmographie de PTA et prouve que le regretté Philip Seymour Hoffman n’avait pas d’égal.
15. Idiocracy (2005)
(Crédit photo : 20th Century Studios)
Cette comédie de science-fiction de Mike Judge met en scène Luke Wilson dans le rôle d’un bibliothécaire qui se réveille 500 ans dans le futur et découvre que la civilisation s’est effondrée sous le poids de l’anti-intellectualisme. Si Idiocracy a fait l’effet d’une bombe sous la présidence de Bush Jr.Il y a des parallèles gênants entre l’ancienne star de la télé-réalité et le président bouffon du film, Dwayne Elizondo Mountain Dew Herbert Camacho (Terry Crews).
14. Scott Pilgrim contre le monde (2010)
(Crédit photo : Universal)
Entre les deux volets de sa trilogie Cornetto, Edgar Wright a exploité l’énergie de son public – des milléniaux obsédés par la culture pop qui en sont à leur première vraie relation amoureuse – dans son cinétique et frénétique Scott Pilgrim vs The World. Dans cette adaptation colorée des romans graphiques de Bryan Lee O’Malley, Michael Cera dirige un casting de futures stars (dont Mary Elizabeth Winstead, Anna Kendrick, Aubrey Plaza, Chris Evans et Brie Larson) dans le rôle d’un slacker joueur de basse qui doit faire face au bagage inhabituel de sa nouvelle petite amie : ses sept ex maléfiques. Scott Pilgrim n’a pas réussi à dépasser son rival au box-office, The Expendables, mais ceux qui l’ont vu en août 2010 savaient qu’il était destiné à devenir un classique culte.
13. le Cluedo (1985)
(Crédit photo : Universal)
Adaptation conceptuelle d’un jeu de société populaire, le film Clue de Jonathan Lyne n’a pas vraiment fait un tabac au box-office lors de sa sortie en décembre 1985. Mais lorsque Clue a été diffusé à la télévision et en vidéo, le public – et plus particulièrement les milléniaux – est tombé amoureux de son humour irrévérencieux (« Des flammes, sur le côté de mon visage ! ») et de ses multiples fins inédites. Aujourd’hui, ce film est devenu l’un des favoris des projections de minuit partout dans le monde. En parlant de séances de minuit…
12. le Rocky Horror Picture Show (1975)
(Crédit photo : 20th Century Studios)
Je vous ai vu frissonner d’antici…pation pour celui-ci. Dans cette comédie musicale d’horreur de Jim Sharman, un couple de jeunes fiancés (Susan Sarandon et Barry Bostwick) se réfugie dans un château appartenant au savant fou Dr Frank N. Furter (Tim Curry dans une performance inoubliable). De mauvaises critiques et des projections anticipées peu fréquentées en août 1975 ont failli condamner The Rocky Horror Picture Show à la faillite, et la première prévue à New York le soir d’Halloween a même été annulée. Mais le film a trouvé une seconde vie dans les projections de minuit, et vous pouvez toujours refaire le voyage dans le temps. Son énergie débordante invite le public à se déguiser, à chanter et à danser, faisant de Rocky Horror le film incontournable de l’heure de la sorcellerie.
11. Brazil (1985)
(Crédit photo : Universal)
Terry Gilliam a enduré plus d’une fois la douleur des bombes au box-office, comme avec Les Aventures du baron de Munchausen en 1988 et Le théorème du zéro en 2013. Mais aucun de ses films n’est à la fois un classique célèbre et un échec financier comme sa comédie de science-fiction Brazil de 1985. Exploration absurde des entrailles de la bureaucratie et du capitalisme sauvage, Brazil n’a pas réussi à rentabiliser son budget de 15 millions de dollars lors de sa sortie en salle. Mais il est aujourd’hui considéré comme l’un des plus grands films britanniques de tous les temps, et son influence se fait sentir dans des franchises modernes comme Star Wars : Les Derniers Jedi et la série Marvel Loki.
10. le géant de fer (1999)
(Crédit photo : Warner Bros.)
Dans ce retour émouvant de Brad Bird à la science-fiction de l’âge d’argent, un garçon se lie d’amitié avec un robot extraterrestre géant (interprété par Vin Diesel) dans ce conte sur l’identité, la raison d’être et la paix face à la guerre. (« Et si un pistolet avait une âme et ne voulait pas être un pistolet ? » est l’idée que Bird a présentée à Warner Bros). Les projections-tests et les critiques dithyrambiques ont choqué le studio, qui n’avait pas mis en place de campagne publicitaire adéquate avant la sortie du film en avril 1999. Ce n’est que grâce à la vidéo à domicile, au paiement à la séance et aux diffusions de 24 heures sur Cartoon Network pendant les vacances que Le Géant de fer est devenu un classique colossal.
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9) Blade Runner (1982)
(Crédit photo : Warner Bros.)
Basé sur un roman de Philip K. Dick, le film noir de science-fiction de Ridley Scott, très influent, raconte l’histoire d’un chasseur de primes de robots humanoïdes – un « Blade Runner », interprété par un Harrison Ford dur à cuire – qui n’a pas réussi à électriser le box-office en raison de la forte concurrence de E.T. l’extra-terrestre, Conan le Barbare et Star Trek II : La Colère de Khan. Mais son influence considérable est incontournable aujourd’hui, et l’on retrouve des références à ce film dans d’autres films, des bandes dessinées et des jeux vidéo. Bien que Blade Runner soit universellement apprécié, c’est une franchise dont les perspectives commerciales semblent toujours se perdre dans le temps, comme des larmes sous la pluie.
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8) Blade Runner 2049 (2017)
(Crédit photo : Warner Bros.)
Tout comme son prédécesseur, Blade Runner 2049 de Denis Villeneuve est ambitieux, audacieux, provocateur, et n’a toujours pas créé des océans d’argent pour le studio. Pourtant, cette suite acclamée renverse le scénario en suivant K (Ryan Gosling), un « Réplicant » artificiel et Blade Runner qui se demande s’il n’est pas humain. Avec Harrison Ford, Ana de Armas, Robin Wright, Mackenzie Davis, Jared Leto et Dave Bautista portant les plus petites lunettes que vous ayez jamais vues sur le visage de quelqu’un, Blade Runner 2049 est ce que toutes les suites devraient ironiquement s’efforcer d’être : original.
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7) Speed Racer (2008)
(Crédit photo : Warner Bros.)
Après leur trilogie Matrix, révolutionnaire mais controversée, les Wachowskis sont entrés dans la singularité artistique en adaptant l’anime japonais emblématique Speed Racer en film d’animation. Emile Hirsch incarne un pilote de course superstar qui cherche à dépasser la concurrence tout en restant fidèle au garage familial. Speed Racer fait exploser l’écran avec son assaut total des sens, qui fait délirer le public par sa sur-réalité déconcertante. Depuis, Speed Racer a conquis les cinéphiles qui le considèrent aujourd’hui comme un chef-d’œuvre largement sous-estimé et incompris.
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6. la rédemption de Shawshank (1994)
(Crédit photo : Columbia)
Il est difficile de l’imaginer aujourd’hui, alors qu’il est le préféré des papas et des oncles du monde entier, mais The Shawshank Redemption de Frank Darabont, basé sur le roman de Stephen King, n’a pas été un succès commercial. Malgré de nombreuses nominations aux Oscars et une reconnaissance comme l’un des plus grands films des années 1990, peu de gens l’ont vu lors de sa sortie en septembre 1994. (Histoire vraie : Darabont et la productrice Liz Glotzer ont assisté au week-end d’ouverture au Cinerama Dome de Los Angeles et se sont retrouvés les seuls présents). Un ton sombre, un titre qui a de la gueule, la concurrence de Pulp Fiction et de Forrest Gump, et une tendance à privilégier les films d’action ont été cités pour expliquer son faible succès au box-office. Mais aujourd’hui, La Rédemption de Shawshank est considéré comme l’étalon-or de l’industrie et le genre d’œuvre que tout le monde à Hollywood s’efforce de laisser derrière soi.
5. Fight Club (1999)
(Crédit photo : 20th Century Studios)
Tous les hommes se reconnaissent dans Edward Norton et Brad Pitt, qui partagent la vedette de ce drame psychologique profondément influent, artistiquement novateur et plein d’esprit, réalisé par David Fincher. Basé sur le roman de Chuck Palahniuk, Fight Club est un portrait transgressif de l’isolement de l’homme moderne. Malgré sa présence constante dans les salles de classe des écoles de cinéma, Fight Club n’a pas réussi à s’imposer au box-office en raison d’un marketing confus ; une partie de la stratégie comprenait une publicité avec la World Wrestling Federation, ce à quoi Fincher s’opposait. S’agit-il d’un film d’art ? Un film d’action sombre ? Aucun responsable du marketing du film n’a pu définir Fight Club, mais après sa sortie, tout le monde ne parle que de Fight Club.
4) Willy Wonka et la chocolaterie (1971)
(Crédit photo : Warner Bros.)
Avec ses diffusions incessantes à la télévision et ses nombreux mèmes, il est facile de croire que Willy Wonka et la chocolaterie a toujours été un succès. Pourtant, lors de sa sortie en 1971, la version cinématographique de Mel Stuart du roman de Roald Dahl a à peine pris une bouchée du box-office et n’a pas obtenu les résultats escomptés, avec 4 millions de dollars de recettes. (Même selon les critères de 1971, Willy Wonka n’était que le 24e film le plus rentable de l’année). Le film fut si impopulaire que Paramount refusa d’en renouveler la distribution des années plus tard et le vendit à Warner Bros. Ce n’est que longtemps après sa sortie que Willy Wonka a finalement trouvé un public avide de ses charmes sucrés et de ses frayeurs salées. (Qu’est-ce qui se passe avec la scène du bateau ?)
3. la vie est belle (1946)
(Crédit photo : RKO)
L’un des films de Noël les plus importants et les plus appréciés de tous les temps n’a guère donné de gaieté de cœur à ses producteurs lorsque le film, réalisé par Frank Capra et interprété par James Stewart, est tombé à plus d’un demi-million de dollars de son seuil de rentabilité lors de sa sortie en janvier 1947. (Superbe timing.) Alors, comment It’s a Wonderful Life est-il devenu une institution culturelle ? En bref, une erreur d’écriture en 1974 a fait entrer le film dans le domaine public, ce qui signifie qu’il a été diffusé à la télévision à un prix très avantageux. Les chaînes en ont profité pour le diffuser à chaque jour férié pendant les années 1980, et c’est à ce moment-là que la crise existentielle de George Bailey est devenue une tradition saisonnière pour les familles du monde entier.
2. Citizen Kane (1941)
(Crédit photo : Warner Bros.)
Longtemps considéré comme le plus grand film de tous les temps, le drame tragique d’Orson Welles sur l’ascension et la chute d’un magnat de la presse (dans l’esprit des personnages réels que sont Hearst et Pulitzer) a impressionné les critiques mais n’a pas réussi à rentabiliser son budget lors de sa sortie initiale. Ce n’est qu’une décennie plus tard, grâce à une réévaluation par la presse cinématographique française, que Citizen Kane a été ressuscité dans la conscience du public. Aujourd’hui encore, le film reste une réussite artistique durable grâce à la réalisation toujours aussi envoûtante de Welles et à son interprétation audacieuse de Charles Foster Kane, un titan de l’industrie dont le souhait inassouvi est d’être heureux comme lorsqu’il était enfant.
1) Le Magicien d’Oz (1939)
(Crédit photo : MGM)
Oui. Oui, vraiment. Classique incontesté qui a inspiré plusieurs générations d’artistes et de spectateurs, Le Magicien d’Oz de Victor Fleming, avec Judy Garland en vedette, n’a pas eu une route en briques jaunes facile vers la Cité d’Émeraude. Son exploitation initiale a rapporté 3 millions de dollars, soit environ 66 millions de dollars aujourd’hui, en tenant compte de l’inflation, mais les coûts de production élevés n’ont pas permis à la MGM d’en tirer profit. (Garland a fait remarquer dans son autobiographie : « La fantaisie est toujours un risque au box-office »). Une réédition en 1949 a permis au public de reprendre connaissance du film, et de nombreuses diffusions télévisées à partir des années 1950 ont permis au Magicien d’Oz de trouver enfin sa place au-dessus de l’arc-en-ciel.