Au cours de la première décennie totalement exempte de restrictions en matière de contenu, mais en proie aux cauchemars de la guerre du Viêt Nam, les films ont changé pour toujours dans les années 1970. Mais quels sont les meilleurs ?
Après la domination des cinéastes étrangers dans les années 1960, un nouveau mouvement, le « Nouvel Hollywood », a vu le jour, les réalisateurs locaux exerçant un plus grand contrôle créatif sur leur travail qu’auparavant. Au même moment, le monde, et plus particulièrement l’Amérique, se sentait sombre si l’on en juge par les nouvelles communiquées par la télévision, de plus en plus présente. Au milieu des scandales politiques, des administrations corrompues, de l’augmentation de la criminalité et du cynisme croissant, les films reflétaient une humeur mélancolique et/ou nihiliste similaire. Même le miracle de l’alunissage de 1969 n’a pas réussi à susciter un émerveillement durable pour les étoiles, car les cinéastes ont fait de l’espace un endroit très effrayant.
Héros sportifs, esprits maléfiques, visiteurs extraterrestres, moines Shaolin, justiciers, requins tueurs et bien d’autres choses encore définissent une décennie compliquée, encore sous le coup des péchés du Viêt Nam et d’une résurgence des tensions de la guerre froide. Mais quels sont les films qui ont diverti le public pendant cette période troublante ? Voici les 32 meilleurs films des années 1970.
32. Slap Shot (1977)
(Crédit photo : Universal Pictures)
Classez ce film dans la catégorie : Que fait Paul Newman ici ? Écrit par la scénariste Nancy Dowd et librement inspiré par la vente de l’équipe de hockey de la ligue mineure de son frère, Slap Shot est une émeute nauséabonde sur l’équipe de hockey d’une petite ville en difficulté qui reçoit un sérieux coup de pouce lorsque ses nouveaux joueurs, les frères Hanson, se livrent à des bousculades spectaculaires sur la glace pour le plus grand plaisir des fans. Réalisé par George Roy Hill, Slap Shot est antérieur à la plupart des comédies sportives cultes, mais celle-ci les surpasse toutes grâce à son atmosphère d’homme des cavernes, ses scènes à mourir de rire et l’oscarisé Paul Newman – dans le rôle de l’entraîneur Ruggie Dunlop – étonnamment à l’aise en tant que vétéran des vestiaires à la garde-robe enviable.
31 Wanda (1970)
(Crédit photo : Bardene International Films)
Wanda est une œuvre marquante du cinéma indépendant. Elle raconte l’histoire d’une femme sans perspectives d’avenir qui se retrouve en compagnie d’un braqueur de banque. Œuvre de la scénariste, réalisatrice et actrice principale Barbara Loden, Wanda est un portrait compatissant et tragique des femmes qui passent à travers les mailles du filet de la société moderne, faisant écho au sentiment d’absence de but qu’éprouvait Loden à l’époque. Quelques années plus tard, un cancer du sein est diagnostiqué chez Loden, qui meurt en 1980. Wanda est le seul et unique film réalisé par Loden. Mais même avec un seul film, Loden a influencé des générations d’artistes indépendants et a établi de façon permanente les normes du cinéma iconoclaste.
30. Nashville (1975)
(Crédit photo : Paramount Pictures)
Dans la comédie musicale épique de Robert Altman, Nashville, un rassemblement politique et un festival de musique d’une semaine deviennent le terrarium de l’Amérique des années 1970, dont l’immensité politique et sociologique est condensée dans un microcosme de l’industrie de la musique country. Le film est célèbre pour son grand nombre d’acteurs, dont David Arkin, Ned Beatty, Karen Black, Shelley Duvall, Jeff Goldblum, Lily Tomlin et bien d’autres encore. Bien qu’imprégné de la politique et de la dynamique sociale du milieu des années 70, le film d’Altman reste étrangement pertinent des décennies plus tard.
29 Suspiria (1977)
(Crédit photo : Produzioni Atlas Consorziate)
Géant de l’horreur giallo, le classique Suspiria de Dario Argento, sorti en 1977, est une œuvre d’un autre monde sur les côtés sombres des matriarcats et de l’art féminin. Jessica Harper incarne une ballerine américaine qui est transférée dans une prestigieuse académie en Allemagne, avant d’apprendre que l’école est habitée par une bande de sorcières. Dans ce conte de fées corrompu, Argento libère toute la puissance du Technicolor avec un assaut de palettes rouges, bleues et roses qui tourbillonnent ensemble dans quelque chose qui ressemble à un rituel d’invocation. Combiné à une atmosphère dérangeante évoquée par une partition saisissante du groupe de rock progressif Goblin, Suspiria est inoubliable, à la fois gracieux et effroyable.
28) American Graffiti (1973)
(Crédit photo : Universal Pictures)
George Lucas n’avait que 29 ans lorsque son classique du passage à l’âge adulte, American Graffiti, est sorti en salles avec des critiques dithyrambiques. Le futur réalisateur de Star Wars n’en était pas à sa crise de la quarantaine lorsqu’il a fait preuve d’une nostalgie nostalgique de son adolescence en 1962, comme l’un des nombreux jeunes turbulents qui montaient dans des hot rods et partaient à l’aventure dans leurs propres centres-villes. Alors que le nom de Lucas est aujourd’hui synonyme de superproductions à grande échelle, son film le plus terre-à-terre, qui suit une bande d’adolescents rock-‘n-roll pendant une nuit d’été à Modesto, la ville natale de Lucas en Californie, est toujours aussi vivant en tant que film d’époque semi-autobiographique réalisé à travers les yeux de quelqu’un qui n’est pas beaucoup plus âgé que ses propres personnages.
27. le Rocky Horror Picture Show (1975)
(Crédit photo : 20th Century Studios)
Réalisé par Jim Sharman et basé sur la comédie musicale de 1973, cet hommage vivant à la science-fiction et aux films d’horreur de série B a été pratiquement ignoré à sa sortie, lorsqu’il a fait l’objet de mauvaises critiques et que sa première mondiale d’Halloween à New York a même été annulée. Ce n’est qu’un an plus tard que le film s’est finalement trouvé une légion de fans et a cimenté son statut de titan du cinéma de minuit. Susan Sarandon et Barry Bostwick incarnent un jeune couple qui se retrouve piégé dans le manoir sinistre d’un savant fou (inoubliable dans le rôle de Tim Curry). Entre son esthétique ignoble et sa musique contagieuse, le Rocky Horror Picture Show est une invitation éternelle à faire le Time Warp encore, et encore, et encore.
26. la French Connection (1971)
(Crédit photo : 20th Century Studios)
Largement considéré comme l’un des plus grands films de tous les temps et comportant l’une des plus grandes séquences de poursuite en voiture de l’histoire, le film noir de William Friedkin est basé sur une histoire vraie et, comme il se doit, capture avec authenticité la crasse hivernale du New York du début des années 1970. Partageant son temps entre New York et la France, The French Connection suit deux inspecteurs de la police de New York (interprétés par Gene Hackman et Roy Scheider) dont l’enquête sur un réseau de stupéfiants révèle un complot international à grande échelle. Emblématique de la décadence morale de la décennie, The French Connection frappe encore fort après toutes ces années.
25. Annie Hall (1977)
(Crédit photo : United Artists)
Si l’admiration pour Woody Allen s’est à juste titre émoussée au fil des ans, Annie Hall mérite toujours d’être célébré en tant qu’examen outrageusement ludique et profondément réfléchi de la romance moderne. Avec le scénariste et réalisateur Allen jouant essentiellement son propre rôle (je sais que c’est choquant), le film suit un comédien névrosé qui se demande pourquoi sa relation avec sa dernière petite amie, Annie Hall (Diane Keaton), s’est effondrée. Détaché de la réalité et raconté de manière non linéaire entre l’enfance inhabituelle du protagoniste et ses autres mariages ratés, Annie Hall est depuis longtemps le roi des comédies romantiques, bien qu’avec une fin heureuse qui n’a rien à voir avec la plupart des comédies romantiques traditionnelles.
24. Halloween (1978)
(Crédit photo : Trancas International Films)
Il vous suffit d’entendre ces notes de piano obsédantes pour savoir que vous êtes à portée de main d’un tueur portant un étrange masque blanc de capitaine Kirk. Halloween, le quatrième film de John Carpenter, est un film fondateur du genre « slasher » et reste l’un des meilleurs qu’il ait à offrir. L’actrice Jamie Lee Curtis est devenue célèbre dans le rôle de Laurie Strode, une lycéenne ordinaire qui est violemment traquée le soir d’Halloween par Michael Myers (joué par Nick Castle et Tony Moran), un tueur invincible qui s’est échappé d’un hôpital psychiatrique. Si Halloween a inspiré de nombreuses suites qui constituent l’une des franchises de films d’horreur les plus lucratives de tous les temps, le film original est une œuvre d’art à part entière sur les traumatismes tus qui se cachent dans les quartiers du monde entier.
23. Kramer contre Kramer (1979)
(Crédit photo : Columbia Pictures)
Dans ce drame déchirant de Robert Benton, basé sur un roman de 1977 d’Avery Corman, un divorce amer entre un jeune couple – interprété par Meryl Streep et Dustin Huffman – révèle les nombreuses façons dont la société fait peser sur les gens les attentes d’élever une famille sous laquelle leurs genoux se dérobent. Dans cette histoire, il n’y a pas de méchants (à l’exception de quelques avocats abrutis), seulement la dure et froide vérité que l’amour peut ne pas être à la hauteur de ce que nous voulons et de ce dont nous avons besoin. En 1979, Kramer contre Kramer a trouvé un écho auprès du public grâce à sa représentation authentique des familles modernes ; selon les données du CDC, le taux de divorce a atteint un niveau record de 22,8 % cette même année.
22. Superman : le film (1978)
(Crédit photo : Warner Bros.)
Avec le beau Christopher Reeve dans le rôle de l’homme d’acier, accompagné de Margot Kidder et Gene Hackman, le public croyait vraiment qu’un homme pouvait voler. Basé sur l’icône de DC Comics créée par Jerry Siegel et Joe Shuster, le film de Richard Donner sur les super-héros (et modèle de l’univers cinématographique Marvel) a prouvé que les histoires des bandes dessinées pouvaient être racontées à l’écran par des acteurs en chair et en os. Dans un environnement turbulent, hanté par le Viêt Nam, le scandale du Watergate et la peur existentielle engendrée par la guerre froide, Superman : le film a rappelé au public que même ceux qui détiennent le pouvoir peuvent encore défendre la vérité et la justice. Cela ne devrait-il pas être la voie américaine ?
21. entrer dans le dragon (1973)
(Crédit photo : Warner Bros. Pictures)
Bruce Lee est une plus grande star dans la mort qu’il ne l’a jamais été de son vivant, et cela est dû en grande partie au séduisant Enter the Dragon. Dirigé par Robert Clouse, Enter the Dragon est surtout considéré comme un moyen pour son légendaire acteur principal de briller avec une énergie supernova dans son seul et unique film hollywoodien. Chef-d’œuvre du machisme des arts martiaux, Enter the Dragon met en scène Lee dans le rôle d’un moine Shaolin recruté par l’armée britannique pour enquêter sur la forteresse insulaire d’un seigneur du crime. La tragédie de la mort de Bruce Lee, survenue dans des circonstances étranges quelques mois avant la première du film, est qu’il était manifestement destiné à beaucoup plus. Enter the Dragon ne donne qu’un aperçu de ce qui aurait pu être.
20. la fièvre du samedi soir (1977)
(Crédit photo : Paramount Pictures)
Rien ne définit les années 1970 comme le disco, et aucun film ne définit le disco comme La fièvre du samedi soir de John Badham. Entre sa bande-son monstrueuse et un jeune John Travolta se déhanchant comme un paon hystérique, La fièvre du samedi soir est un assaut des sens qui n’hésite pas à explorer les recoins sombres des discothèques. Travolta incarne un jeune homme de 19 ans, issu de la classe ouvrière, qui travaille dans une quincaillerie la semaine pour vivre comme un roi le samedi soir dans sa boîte de nuit préférée. Si l’article de magazine dont le film s’inspire s’est avéré être une farce, Saturday Night Fever a réellement fait du disco l’obsession de l’Amérique pendant un moment inoubliable.
19. rencontres du troisième type (1977)
(Crédit photo : Sony Pictures)
Le film épique Rencontres du troisième type de Steven Spielberg, réalisé en 1977, a précédé son propre film, E.T. : L’extra-terrestre, qui a fait l’effet d’une bombe. Après une rencontre fortuite avec un OVNI, un électricien de l’Indiana (Richard Dreyfuss) se retrouve aux premières loges de la première rencontre officielle entre la Terre et une société extraterrestre. Un spectacle éblouissant avec un ton et une atmosphère plus royaux que la plupart des films d’invasion extraterrestre avant ou après, Close Encounters of the Third Kind était le signe avant-coureur d’un futur proche plein de science-fiction mature.
18. le chasseur de cerfs (1978)
(Crédit photo : Universal Pictures)
Au lendemain de la guerre du Vietnam, la majorité d’Hollywood a hésité à s’attaquer à l’échec abject de la politique étrangère des États-Unis, qui a pris des dizaines de vies humaines pour des pions. Mais The Deer Hunter de Michael Cimino (avec Robert De Niro, Christopher Walken et Meryl Streep au casting) a été l’un des premiers films, et reste le plus remarquable, à traiter directement de l’effroyable érosion de la morale nationale par la guerre du Viêt Nam. Bien que les avis divergent sur la façon dont The Deer Hunter s’est écarté de son scénario original, qui se déroulait dans les bas-fonds de Las Vegas, le film de Cimino est une œuvre puissante, sans complaisance, qui raconte l’histoire d’amis très proches de Pennsylvanie dont la vie est bouleversée à tout jamais par leur service militaire au Viêt Nam. Son « jeu » central de roulette russe a été interprété par le grand critique Roger Ebert comme un « symbole organisateur » de la violence aléatoire qui « rend superflue toute déclaration idéologique sur la guerre ».
17. l’Arnaque (1973)
(Crédit photo : Universal Pictures)
Quelques années après avoir collaboré avec Robert Redford et Paul Newman sur Butch Cassidy et le Kid de Sundance, le réalisateur George Roy Hill a retrouvé ces deux artistes décorés pour un autre coup d’éclat cinématographique, L’Arnaque. Cette comédie policière nostalgique au style impeccable, qui se déroule pendant la Grande Dépression, raconte l’histoire de deux escrocs qui s’associent pour arnaquer un chef de la mafia. Les plans incroyablement élaborés des personnages sont mis en valeur par leurs beaux vêtements, une bande-son ragtime et un design esthétique distingué qui rappelle délibérément l’impression de feuilleter des exemplaires poussiéreux du Saturday Evening Post. Avec Redford et Newman qui font feu de tout bois, il est trop facile pour The Sting de vous prendre pour un pigeon.
16. Carrie (1976)
(Crédit photo : United Artists)
L’ultime campagne contre le harcèlement scolaire jamais conçue doit être Carrie, le classique de l’horreur de Brian De Palma. Basé sur le premier roman de Stephen King, Carrie raconte l’histoire d’une adolescente timide et intimidée (interprétée par Sissy Spacek) qui développe des pouvoirs surnaturels et les utilise pour se venger de toute son école. Bien que la lenteur avec laquelle le film verse du sang de porc ait été critiquée à l’infini, Carrie est toujours obsédant dans sa description cauchemardesque du lycée et de la façon dont, pour beaucoup de malchanceux, il est suffisamment traumatisant pour laisser des blessures profondes.
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15. réseau (1976)
(Crédit photo : United Artists)
Pour tous ceux qui se sont sentis fous à lier et qui n’en peuvent plus, il y a Network. Ce drame comique et sombre de Sidney Lumet raconte l’histoire d’une chaîne de télévision au bord de l’effondrement jusqu’à ce que son présentateur respecté, Howard Beale (Peter Finch), menace de se suicider en direct à la télévision. Alors que sa manie s’accroît au rythme de l’augmentation de l’audimat, Network explore l’appel du goût face à une avalanche d’informations empoisonnées. Ce film est bien antérieur à l’ère de l’information par câble et des médias sociaux, mais même après toutes ces années, il n’a jamais perdu de son intérêt.
14. Un vol au-dessus d’un nid de coucou (1975)
(Crédit photo : United Artists)
Jack Nicholson et Louise Fletcher partagent la vedette de Vol au-dessus d’un nid de coucou de MiloŠ Forman, un drame sombre qui se déroule dans un établissement psychiatrique de l’Oregon où un patient (Nicholson) est à la merci de la tyrannique infirmière Ratched (Fletcher) et prend la tête d’une rébellion de ses compagnons d’infortune contre elle. Basé sur le roman de 1962 de Ken Kesey, le film existe en tant que métaphore célèbre de l’anticonformisme ; bien que Roger Ebert souligne dans une critique élogieuse de 2003 qu’il simplifie à l’excès les solutions aux maladies mentales, ce n’est pas vraiment le but « parce qu’il n’a aucun intérêt à parler de la folie », a écrit Ebert. « Il s’agit d’un esprit libre dans un système fermé.
Il est amusant de noter que le film a été tourné à l’hôpital d’État de l’Oregon, un hôpital psychiatrique en activité. En échange de l’autorisation donnée aux cinéastes d’utiliser les lieux et les acteurs pour filmer de vrais patients à des fins de recherche, les patients de l’hôpital ont dû faire partie de l’équipe du film. Dans un article paru en 2017 dans The Guardian, l’acteur Michael Douglas, qui a produit le film, a déclaré : « Nous nous sommes retrouvés avec un certain nombre [de patients] travaillant dans différents départements. Je n’ai réalisé que plus tard que beaucoup d’entre eux étaient des fous criminels. Nous avions un pyromane travaillant dans le département artistique. »
13. Solaris (1972)
(Crédit photo : Mosfilm)
Imaginez que vous détestiez tellement un autre film que vous fassiez le vôtre juste pour vous en prendre à lui. C’est ainsi que le cinéaste russe Andrei Tarkovsky a abordé son film de science-fiction Solaris (basé sur le roman de Stanislaw Lem de 1961) comme une réplique à 2001 : l’Odyssée de l’espace de Stanley Kubrick. Dans une station spatiale en orbite autour de la planète fictive Solaris, un psychologue (joué par Donatas Banionis) est envoyé en mission pour psycho-analyser l’équipage, qui a déclaré avoir succombé à une crise émotionnelle. Contrairement au film de Kubrick, le Solaris de Tarkovski ne se caractérise pas par un design immaculé, mais par une esthétique usée et délabrée qui témoigne d’une expérience humaine plus authentique. Tarkovski a demandé à son directeur artistique : « Faisons en sorte que notre station spatiale ressemble à un vieux bus déglingué et non à une utopie spatiale futuriste ».
12. Dirty Harry (1971)
(Crédit photo : Warner Bros.)
Avec la dissolution du code Hays en 1968, Clint Eastwood a émergé, 357 Magnum à la main, avec Dirty Harry en 1971. Réalisé par Don Siegel, le film met en scène Eastwood dans le rôle du flic véreux de San Francisco « Dirty » Harry Callahan, sans doute l’antihéros définitif du cinéma en raison de sa détermination acharnée à faire respecter la loi qui, ironiquement, l’amène souvent à la contourner. Alors que Dirty Harry a donné naissance à une franchise, le premier film est une œuvre imposante dans laquelle Hollywood s’est enfin et véritablement laissé aller à la violence à l’écran, qui était justifiée par la droiture malavisée de Harry. La question rhétorique d’Eastwood, « Vous vous sentez chanceux, punk ? », illustre bien les miasmes d’une décennie amorale.
11. Rocky (1976)
(Crédit photo : United Artists)
Après avoir lutté pendant des années pour percer en tant qu’acteur, Sylvester Stallone a failli renoncer à une carrière d’acteur jusqu’à ce qu’il accumule peu à peu du travail en tant que figurant à la télévision. Puis il est monté sur le ring avec Rocky, et il n’a plus jamais été le même depuis. Dans le drame sportif émouvant de John G. Avildsen, Stallone incarne Rocky Balboa, aspirant boxeur et recouvreur de dettes, qui est propulsé dans l’événement principal lorsque le champion des poids lourds Apollo Creed (Carl Weathers) choisit Rocky pour combattre lors d’un combat d’exhibition professionnel. Drame sportif émouvant qui a inspiré d’innombrables films similaires, Rocky reste, à tout prendre, l’un des meilleurs films sportifs de tous les temps. Comme on pouvait s’y attendre, il a donné naissance à une franchise, Rocky III offrant au monde « L’œil du tigre ».
10. Orange mécanique (1971)
(Crédit photo : Warner Bros.)
Le drame dystopique surréaliste de Stanley Kubrick, adaptation du roman d’Anthony Burgess de 1962, est tout simplement l’un des films les plus dérangeants de tous les temps. Centré sur le déchaînement d’un chef de gang d’adolescents au charisme sinistre (interprété par Malcolm McDowell), le film thématiquement dense de Kubrick dépeint les extrémités de la délinquance juvénile, l’affaiblissement de la cohésion sociale et l’impuissance de l’autorité. Sa violence horrible à l’écran sert un objectif, mais pendant longtemps, il y a malheureusement eu des gens qui n’ont pas compris l’objectif et le film a inspiré de manière controversée des crimes imités dans la vie réelle. Bien qu’il ait été retiré des salles de cinéma sur l’insistance de Kubrick, Orange mécanique survit comme un chef-d’œuvre qui fait passer ses nombreuses idées par les sentiers étroits d’un labyrinthe.
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9) Chinatown (1974)
(Crédit photo : Paramount Pictures)
On peut définir Chinatown de Roman Polanski par sa dernière réplique : « Oublie ça, Jake, c’est Chinatown ». Son postulat est faussement simple : en 1937, une femme (Faye Dunaway) engage un détective privé, Jake Gittes (Jack Nicholson), pour suivre son mari qu’elle soupçonne d’infidélité. Ce qui se passe en réalité est une excavation à plusieurs niveaux dans les sombres profondeurs dont l’humanité est capable de façon troublante, le film utilisant les conventions du film noir et du mystère pour fonctionner réellement comme un drame psychologique. Chinatown n’est pas seulement un lieu dans le film, mais une métaphore du chaos, du mal et de la futilité, où la meilleure et la plus morale des choses à faire est de ne rien faire.
8. apocalypse now (1979)
(Crédit photo : United Artists)
Francis Ford Coppola a failli perdre la boule en réalisant Apocalypse Now. Stressé par les nombreux problèmes rencontrés sur le plateau, notamment un budget exagéré, un calendrier de tournage qui s’étendait bien au-delà des cinq mois prévus, des tempêtes destructrices aux Philippines et une crise cardiaque de Charlie Sheen, Coppola lui-même a admis en 1991 : « Petit à petit, nous sommes devenus fous ». »Il est difficile de dire sans être Coppola si la douleur en valait la peine, mais des décennies après sa sortie en 1979, Apocalypse Now est largement considéré comme un méga-classique et une pierre précieuse du canon du Nouvel Hollywood. Plongée fantasmagorique dans la guerre du Viêt Nam, le film raconte l’histoire d’un capitaine militaire (Sheen) qui est secrètement chargé d’assassiner un colonel véreux (Marlon Brando) que ses hommes et les habitants de la région vénèrent comme un demi-dieu. Brillant et audacieux, Apocalypse Now est sans doute le film définitif sur la guerre du Vietnam, mais il trouve un écho auprès de tous ceux qui ont connu l’enfer et en sont revenus.
7. l’Exorciste (1973)
(Crédit photo : Warner Bros.)
Ce film a tellement effrayé le public que le bouche-à-oreille s’est répandu comme une traînée de poudre, ce qui en a fait peut-être le premier succès viral. Réalisée par William Friedkin, cette adaptation du roman de William Peter Blatty (qui a également écrit le scénario) raconte l’histoire d’un prêtre (Jason Miller), en proie à une crise de foi, qui est chargé par l’Église d’enquêter sur la possession démoniaque d’une jeune fille (Linda Blair). L’Exorciste, superproduction qui a changé la donne, a non seulement rendu le genre de l’horreur plus populaire, mais l’a aussi rendu respectable, prouvant qu’il est capable de bien plus que du maquillage et des monstres. En l’occurrence, il s’agit d’un film effrayant sur ce que signifie affronter les maux du doute de soi. Quelques anecdotes pour vous : le film était comiquement prévu pour une sortie le lendemain de Noël, le 26 décembre. Alors que Friedkin souhaitait une autre date, l’historienne du cinéma Sarah Crowther suppose que cette date a été choisie à dessein pour susciter une petite controverse.
6. tous les hommes du président (1976)
(Crédit photo : Warner Bros.)
Il s’est passé quelque chose le 17 juin 1972 au siège du Comité national démocrate à Washington D.C. Ce quelque chose, c’est le scandale du Watergate, qui a fait l’objet d’un livre écrit par les journalistes du Washington Post Carl Bernstein et Bob Woodward. Quatre ans plus tard, l’enquête de Bernstein et Woodward est devenue l’un des films les plus marquants de la décennie : All the President’s Men, réalisé par Alan J. Pakula. Ce film, qui fait l’apologie de l’ingéniosité et des principes vertueux dans un contexte d’escroquerie impitoyable, est captivant précisément parce qu’il jette un regard peu glorieux sur la persistance obstinée du journalisme de détective. C’est une profession pleine de portes fermées, d’appels téléphoniques ignorés et de conversations cryptées anonymes. Le film de Pakula ne cesse pourtant d’être passionnant, alors que deux hommes cherchent la vérité quand personne d’autre n’est capable de faire le travail.
5. Alien (1979)
(Crédit photo : 20th Century Studios)
Le monumental film d’horreur de science-fiction de Ridley Scott a non seulement créé une franchise durable et fait de Sigourney Weaver et John Hurt des stars, mais il a également façonné le langage et l’esthétique de tous les futurs hybrides de genre à venir. Dans un futur lointain où les voyages spatiaux sont monnaie courante, les sept membres de l’équipage du remorqueur commercial Nostromo sont prématurément sortis de leur état de stase à la suite d’un appel de détresse. Lorsque les aventuriers reviennent de leur enquête sur un vaisseau extraterrestre abandonné, ils ramènent sans le savoir une créature extraterrestre qui se transforme rapidement en une menace crachant de l’acide et qui les menace tous. Avec son slogan emblématique « Dans l’espace, personne ne peut vous entendre crier », Alien a donné un nouveau visage terrifiant à deux genres historiques d’un seul coup.
4) Taxi Driver (1976)
(Crédit photo : Columbia Pictures)
Conçu par le réalisateur Martin Scorsese pour ressembler à un rêve, Taxi Driver est plutôt une hallucination induite par la fièvre. Il s’agit d’un thriller psychologique qui raconte la mission d’un homme dérangé qui doit nettoyer tout seul une ville de New York corrompue. Avec Robert De Niro dans le rôle de Travis Bickle, un vétéran traumatisé de la guerre du Viêt Nam et chauffeur de taxi de nuit, Taxi Driver est une sorte de plongée dans le cerveau d’un homme peu sûr de lui qui compense ses défauts par une masculinité extrême et la folie des grandeurs. Des décennies après sa sortie en 1976, le film controversé de Scorsese – qui a inspiré au moins une tentative d’assassinat présidentiel – est toujours d’une actualité alarmante.
3. le Parrain (1972)
(Crédit photo : Paramount Pictures)
Francis Ford Coppola aurait pu s’arrêter à Le Parrain, et il serait resté un artiste cinématographique vénéré. Basé sur le best-seller de Mario Puzo paru en 1969 et consacré à une dynastie italienne fictive, le film immortel de Coppola met en scène Al Pacino et Marlon Brando (ainsi que James Cann, Robert Duvall et Diane Keaton) dans le rôle des chefs de la famille criminelle Corleone. Se déroulant entre 1945 et 1955, la vaste épopée de Coppola voit Michael Corleone (Pacino) passer du statut de fils cadet réticent à l’idée même de s’occuper des affaires de sa famille à celui de successeur de son père. Véritable classique américain, Le Parrain est vraiment l’un des plus grands films de tous les temps par son étude dramatique des dynamiques familiales, tout en capturant l’atmosphère de la mafia italienne dans l’Amérique de l’après-guerre.
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2. la guerre des étoiles (1977)
(Crédit photo : 20th Century Studios)
Il a donné naissance à l’une des franchises médiatiques les plus lucratives et les plus reconnues au monde. Mais même s’il ne l’a jamais fait, le film Star Wars (1977) de George Lucas (rebaptisé depuis Star Wars : Épisode IV – Un nouvel espoir) est une réalisation artistique de pure imagination. Né de l’incapacité de Lucas à réaliser un film sur Flash Gordon, La Guerre des étoiles est avant tout une histoire classique du bien contre le mal, dans laquelle de jeunes outsiders armés d’idéaux progressistes peuvent encore s’imposer face à des forces supérieures. Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Alec Guinness et la voix imposante de James Earl Jones peuplent l’ultime aventure d’évasion d’une galaxie lointaine, très lointaine.
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1) Les Dents de la mer (1975)
(Crédit photo : Universal Pictures)
Ce n’est pas parce que c’est l’été que vous ne devez pas craindre l’obscurité de l’abîme qui se trouve sous vos pieds. Dans Les Dents de la mer, le film d’horreur de Steven Spielberg, une ville balnéaire est terrorisée par un grand requin blanc particulièrement affamé qui accumule les cadavres comme un tueur en série calculé. L’une des premières véritables superproductions hollywoodiennes, Spielberg a habilement surmonté les problèmes techniques du requin pour créer une atmosphère d’effroi perpétuel et imprévisible ; en effet, rien n’est plus effrayant lorsque vous ne savez pas où se trouve le monstre à tout moment. Bien qu’il y ait beaucoup d’autres films des années 1970 qui méritent d’être reconnus comme les meilleurs de tous les temps, un seul d’entre eux est suffisamment digne pour exiger un plus grand bateau.
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