Quelle que soit l’image que vous vous faites des années 1960, détrompez-vous. Cette décennie tumultueuse présente de multiples facettes, y compris cinématographiques. Mais quels sont les meilleurs films des années 1960 ?
Au cours d’une décennie caractérisée par l’évolution des normes sociétales, sans parler du mouvement des droits civiques et du bourbier politique qu’a été le Viêt Nam, les films des années 1960 ont également reflété une communauté mondiale en mutation. Les films d’avant-garde importés du Japon, d’Italie, de France et d’ailleurs ont détourné l’attention des styles américains éprouvés. Pendant ce temps, les cinéastes voyaient leur art défié par une nouvelle alternative de divertissement moins coûteuse : la télévision. Plutôt que d’offrir un niveau de spectacle supérieur à celui que les budgets minuscules de la télévision pouvaient offrir, les films de la décennie cherchaient à interpeller le public avec des histoires plus subversives qui repoussaient les limites de l’acceptable.
Comme les années 1950 avant elles, les années 1960 annoncent les ambiguïtés morales d’un avenir proche. Alors que le code Hays perdait son étau, l’explosion soudaine du Nouvel Hollywood – déjà exclu par la Nouvelle Vague française – donnait aux cinéastes une plus grande liberté de création, leur permettant de refléter dans leurs films une contre-culture branchée qui se répandait dans les villes, les communes et les campus universitaires partout dans le monde.
Il y a tant de films classiques à citer que voici 32 des meilleurs films des années 1960.
32. Batman (1966)
(Crédit photo : Warner Bros.)
Sacré cinéma, Batman ! Conçu à l’origine par le producteur William Dozier pour promouvoir la série télévisée, le film Batman de 1966 (réalisé par Leslie H. Martinson) représente aujourd’hui l’art camp dans toute sa gloire extravagante. Avec Adam West dans le rôle qui l’a rendu célèbre, le croisé capé se bat contre les méchants les plus infâmes de Gotham City qui se sont regroupés sous le nom de United Underworld (la pègre unie). Bien qu’il ne s’agisse en aucun cas du meilleur film de super-héros jamais réalisé, son résumé de la célèbre série télévisée – tout en l’agrandissant pour le grand écran – fait de Batman l’un des films commerciaux les plus colorés, les plus scandaleux et, en fait, les plus amusants d’une décennie pleine de défis. Il y a vraiment des jours où l’on ne peut pas se débarrasser d’une bombe.
31. Barbarella (1968)
(Crédit photo : Paramount Pictures)
Un film culte de la plus haute importance, Jane Fonda est la vedette d’un bijou de science-fiction de catégorie B dont l’attrait réside dans le fait que, eh bien, il s’agit de Jane Fonda qui est une vraie bombe dans l’espace. (Et si Barbarella est si agréable à regarder, c’est grâce à l’ardeur de Fonda à vouloir tout faire). Basé sur une série de bandes dessinées françaises, le film suit Barbarella (Fonda), une voyageuse de l’espace envoyée à la recherche d’un scientifique possédant une arme capable d’anéantir l’humanité. Après que des stars comme Brigitte Bardot et Sophia Loren ont refusé le rôle, Fonda a hésité à cause de sa nature sexualisée ; à l’époque, Fonda était au centre de deux scandales de nudité impliquant les films Circle of Love et The Game Is Over. Mais Fonda a été convaincue lorsque le réalisateur Roger Vadim lui a dit que la science-fiction serait bientôt un genre prestigieux. Avec Star Wars dans neuf ans, Vadim avait raison, même si Barbarella n’est plus une franchise aussi importante aujourd’hui.
30 Les parapluies de Cherbourg (1964)
(Crédit photo : 20th Century Studios)
Dans l’inoubliable comédie musicale romantique de Jacques Demy, un jeune couple français est impatient de vivre sa vie jusqu’à ce qu’il soit déchiré par la guerre d’Algérie. Lorsqu’ils se retrouvent inévitablement, les températures glaciales révèlent une passion autrefois brûlante qui s’est refroidie. Catherine Deneuve et Nino Castelnuovo forment une paire enchanteresse à l’écran qui représente l’excitation universelle d’être jeune et amoureux, la tragédie de trouver l’amour trop tôt, et l’acceptation amère que la vie ne se déroule pas toujours comme on l’avait prévu. De tous les films qui composent la trilogie romantique de Demy – y compris Lola (1961) et Les jeunes filles de Rochefort (1967) – Les parapluies de Cherbourg est le film le plus fidèle à l’éphémère doux-amer de l’amour jeune.
29. onibaba (1964)
(Crédit photo : Toho)
C’est un film si effrayant qu’il a même effrayé William Friedkin, le réalisateur de L’Exorciste. Reprenant une parabole bouddhiste impliquant un masque maudit qui punit ceux qui le portent, Onibaba suit deux femmes qui attirent des samouraïs errants pour les tuer et vendre leurs armes contre de l’argent. Lorsqu’un homme s’interpose entre elles, des sentiments anciens comme l’envie et la rage se déchaînent comme les vents d’une sombre tempête impie. Cette métaphore élaborée des traumatismes résiduels des bombes atomiques au Japon prend tout son sens lorsque l’on sait que le scénariste et réalisateur Kaneto Shindō est originaire d’Hiroshima. Onibaba est l’un des nombreux films de Shindō qui traite des horreurs de l’anéantissement nucléaire et de sa réalité personnelle, à savoir que sa maison a été rasée et que les survivants ont gardé des blessures ineffaçables.
28. Easy Rider (1969)
(Crédit photo : Columbia Pictures)
La nouvelle vague américaine a commencé à battre son plein avec Easy Rider, un western moderne s’il en est. Réalisé par Dennis Hopper et écrit par Hopper avec Peter Fonda et Terry Southern, Easy Rider suit deux motards (joués par Hopper et Fonda) qui partent du sud des États-Unis et s’aventurent vers l’ouest avec l’argent d’un lucratif trafic de cocaïne. Cette épopée de la contre-culture a façonné à elle seule le vocabulaire collectif de la route ouverte, dernière frontière de l’aventure et seul endroit sur Terre où l’on peut trouver un sentiment d’identité et de liberté.
27. l’appartement (1960)
(Crédit photo : United Artists)
Si seulement les murs pouvaient parler. Dans l’appartement de Billy Wilder (1960), Jack Lemmon joue le rôle d’un employé d’assurance ambitieux qui, dans l’espoir de s’élever dans son milieu de travail, permet à ses collègues plus âgés d’utiliser son appartement de l’Upper West Side pour leurs aventures extraconjugales. Les choses se compliquent lorsque Bud, interprété par Lemmon, tombe amoureux de Fran (Shirley MacLaine), qui a une liaison avec le patron de Bud. Librement inspiré du film britannique Brief Encounter (1945) et d’un scandale hollywoodien réel impliquant la liaison d’un producteur dans l’appartement de son employé, The Apartment est une comédie délicieuse sur le fait de ne jamais être trop près de l’action.
26. tuer l’oiseau moqueur (1962)
(Crédit photo : Universal Pictures)
Le roman phare de Harper Lee de 1960, qui raconte l’histoire d’un avocat de principe qui défend un Noir innocent accusé d’agression sexuelle, a été magistralement adapté à l’écran deux ans plus tard par le réalisateur Robert Mulligan. Avec Gregory Peck dans le rôle d’Atticus Finch et Mary Badham dans celui de sa jeune fille Scout – dont le point de vue constitue le point de vue principal de l’histoire – la version cinématographique de Mulligan a été acclamée comme un classique américain à part entière, car elle constitue une étude tendre et émouvante de l’enfance dans un environnement de préjugés. Grâce à l’inoubliable monologue de défense de Finch (la caméra de Mulligan adoptant judicieusement le point de vue du jury), To Kill a Mockingbird a enseigné à d’innombrables générations comment défendre ce qui est juste, même lorsque la justice se fait rare.
25. la nuit des morts-vivants (1968)
(Crédit photo : Criterion)
Avant The Walking Dead, il y avait La Nuit des morts-vivants de George Romero, qui a non seulement introduit les zombies dans le lexique de la culture populaire américaine, mais qui est sans doute le meilleur film du genre. Dans une région rurale de Pennsylvanie, sept survivants se terrent dans une ferme alors que des hordes de cadavres mangeurs de chair ont soudainement repris vie partout. Non seulement Night of the Living Dead a écrit le manuel de toutes les histoires d’horreur zombiesque, mais son casting de l’acteur noir Duane Jones (dans le rôle principal de Ben) était à la fois révolutionnaire et politique, transformant à jamais les zombies en une métaphore dynamique et fluide de ce que l’homme considère comme monstrueux dans son twist ending déchirant.
24. la planète des singes (1968)
(Crédit photo : 20th Century Studios)
Librement inspirée du roman de Pierre Boulle paru en 1963, la version cinématographique de Franklin J. Schaffner, La Planète des singes, met en scène Charlton Heston dans le rôle d’un astronaute qui atterrit sur une planète étrange où l’humanité est primitive et où les singes doués de parole ont pris le dessus en tant qu’espèce la plus intelligente. Si La Planète des singes a donné naissance à une franchise, le film original de Schaffner est une œuvre de science-fiction imposante, à la fois spectaculaire sur le plan technique et inquiétante sur le plan spirituel. Toutes ces années plus tard, La Planète des singes frappe encore fort en tant qu’avertissement puissant contre l’arrogance de l’humanité à l’égard de sa place dans la chaîne alimentaire.
23. le Candidat à la Manchourie (1962)
(Crédit photo : United Artists)
Basé sur le roman de Richard Condon, ce sombre thriller psychologique de John Frankenheimer est l’un des films les plus marquants de la guerre froide, qui a su tirer parti de la paranoïa qui régnait à l’époque à propos des ennemis tapis à l’intérieur. Sorti un an avant l’assassinat de JFK, le film raconte l’histoire d’un vétéran de la guerre de Corée, Raymond Shaw (Laurence Harvey), qui subit à son insu un lavage de cerveau par des communistes et est renvoyé aux États-Unis pour tuer un candidat à la présidence. Avec Frank Sinatra, Janet Leigh et Angela Lansbury dans les rôles principaux, ce thriller d’espionnage a placé la barre très haut pour tous les thrillers d’espionnage qui ont suivi. Ses innovations dans le genre sont encore visibles dans les films modernes du même genre, de L’identité Bourne à Captain America : Le soldat de l’hiver. Un remake moderne tout aussi formidable est sorti en 2004, avec Denzel Washington, Liev Schrieber et Meryl Streep en tête d’affiche.
22. pieds nus dans le parc (1967)
(Crédit photo : Paramount Pictures)
Jane Fonda et Robert Redford n’ont jamais été aussi drôles et sexy que dans le rôle d’un couple de jeunes mariés qui sortent de leur lune de miel pour faire face au sens de l’humour de la réalité. Après avoir emménagé dans un appartement de cinq étages à Manhattan, Corie (une Fonda délirante) et Paul (Redford, qui fait preuve d’un sens aigu du comique), plus coincés, apprennent ce que signifie réellement avoir et garder lorsque leurs premiers mois de vie commune ne sont pas ce qu’ils avaient imaginé. Bien que l’intrigue soit légère comme une plume, le film – basé sur la pièce de Neil Simon et réalisé par Gene Saks – perdure grâce au charisme rayonnant de sa belle distribution.
21. Mary Poppins (1964)
(Crédit photo : Disney)
L’un des plus grands succès de Disney est apparu dans les années 1960, avec Julie Andrews et Dick Van Dyke dansant et chantant sur les vertus d’une vie de famille plus engagée. Dans le Londres de l’époque édouardienne, une femme magique s’envole du ciel pour répondre à l’appel des enfants Banks qui recherchent « la nounou parfaite ». Il s’agit de Mary Poppins (Andrews), une entité des plus mystérieuses, à la fois douce et ferme, qui est exactement la cuillerée de sucre dont la famille Banks a besoin pour se reconstituer. Techniquement éblouissant et sain dans l’âme, Mary Poppins est l’un des films en prises de vues réelles les plus emblématiques et les plus réussis de Disney, et ce pour de bonnes raisons. Il n’y a rien d’autre à dire que « Supercalifragilisticexpialidocious ! ».
20. Tokyo Drifter (1966)
(Crédit photo : Nikkatsu)
L’hommage de Seijun Suzuki aux westerns armés prend la forme de son film de gangsters incroyablement stylé Tokyo Drifter, qui raconte l’histoire d’un tueur à gages repenti nommé Tetsu (Tesuya Watari) pris au milieu de gangs rivaux qui tentent de consolider leur pouvoir. Suzuki, connu pour son style visuel excentrique, a d’abord été contraint par le studio d’atténuer sa sensibilité à l’écran ; le studio lui a donné un petit budget pour s’assurer que Suzuki ne dépasse pas leurs limites. En représailles, Suzuki s’est inspiré des films musicaux des années 1950, de la comédie absurde et de la scène pop art émergente pour créer son film le plus surréaliste à ce jour. Cette philosophie de la rébellion en tant que déclaration s’infiltre par tous les pores de Tokyo Drifter, son maximalisme sobre contenu dans ses cadres crée une expérience où l’on ne peut oublier ce que l’on ressent même si l’on ne comprend pas ce qui se passe.
19 Butch Cassidy et le Kid de Sundance (1969)
(Crédit photo : 20th Century Studios)
Le classique western de Georgy Roy Hill, écrit par William Goldman, met en scène Paul Newman et Robert Redford dans le rôle des hors-la-loi les plus cool et les plus intouchables du cinéma, dans leur fuite désespérée vers la Bolivie. Survivront-ils ? La réponse à cette question est moins intéressante que le voyage riche et fascinant que Butch Cassidy (Newman) et Harry Longabaugh, alias « Sundance Kid » (Redford) entreprennent tout au long du film, en tant que partenaires dans le crime dont les liens étroits font d’eux les saints patrons de la fraternité et de la bromance. Bien qu’impopulaire à sa sortie, Butch Cassidy and the Sundance Kid a gagné en vénération en tant que film qui témoigne que la plus grande récompense n’est pas la richesse que l’on s’approprie, mais les expériences que l’on peut accumuler avec ceux qui comptent le plus.
18. une nuit difficile (1964)
(Crédit photo : United Artists)
Tous les clips musicaux, les documentaires sur les stars du rock, les films de concert et les bobines TikTok ont une dette envers A Hard Day’s Night. Kaléidoscope de comédie et de musique, le film de Richard Lester, plein de coupes rapides et d’hystérie à la main, capture les Beatles à l’apogée de la Beatlemania. Mais au lieu d’être un documentaire complaisant et suffisant sur les drames et la fatigue induits par la célébrité, A Hard Day’s Night montre les rockers de Liverpool en train de faire du grabuge partout où ils vont – sans qu’il y ait la moindre histoire réelle en vue. Le film est un documentaire sur le drame et la fatigue induits par la célébrité. On y voit les rockeurs de Liverpool faire du grabuge partout où ils vont, sans qu’il y ait vraiment d’histoire à proprement parler.
17. les oiseaux (1963)
(Crédit photo : Universal Pictures)
Après Alfred Hitchcock, nous n’avons plus jamais vu les volées d’oiseaux de la même manière. Dans ce film d’horreur emblématique de 1963, basé sur une nouvelle de 1952 de Daphne du Maurier et vaguement inspiré par une attaque massive d’oiseaux dans la ville de Capitola, en Californie, deux ans plus tôt, des oiseaux agressifs terrorisent les habitants d’une ville endormie. Alors que les corbeaux et les pigeons tueurs peuvent sembler ringards sur le papier, un souverain du cinéma comme Hitchcock livre un classique de l’horreur dans lequel la nature maintient sa domination malgré les progrès scientifiques de l’humanité. Grâce à son utilisation magistrale du silence et à la maîtrise des premiers effets spéciaux, Les Oiseaux ne cessera jamais de prendre son envol – et de nous faire courir à l’abri.
16. le Graduate (1967)
(Crédit photo : Embassy Pictures)
Cette comédie romantique de Mike Nichols, un des premiers succès du cinéma indépendant, a su capter l’esprit inquiet de la jeunesse des années 60 en racontant l’histoire d’un diplômé de l’université (Dustin Hoffman) qui entame une liaison avec une femme plus âgée (Anne Bancroft) tout en tombant amoureux de sa fille Elaine (Katharine Ross). La fin inoubliable, dans laquelle les deux tourtereaux réalisent lentement l’ampleur écrasante de leurs actes, a été un coup de génie de la part de Nichols. En ne disant tout simplement pas à ses acteurs ce qu’ils doivent faire après être montés dans le bus, leur fatigue physique reflète leur ambivalence spirituelle. Les deux acteurs, Hoffman et Ross, cessent de sourire au cours d’une prise de vue étonnamment longue, et leurs expressions fatiguées révèlent l’incertitude de leurs personnages quant à savoir si l’amour est assez fort pour durer.
15. Cool Hand Luke (1967)
(Crédit photo : Warner Bros.)
L’un des nombreux films américains emblématiques de la contre-culture pendant la guerre du Viêt Nam, Cool Hand Luke du réalisateur Stuart Rosenberg met en scène Paul Newman dans le rôle d’un prisonnier de Floride qui refuse de se laisser enchaîner. Le film a été écrit par Donn Pearce, dont le roman et le film s’inspirent de son propre passé criminel et des deux années qu’il a passées dans les gangs de la chaîne de l’administration pénitentiaire de Floride. Inspirant et émouvant, Cool Hand Luke est pratiquement une vidéo d’instruction sur la façon de garder son sang-froid et d’être plus malin que les autres dans un endroit hostile qui veut vous voir tomber raide mort.
14. Le bon, la brute et le truand (1966)
(Crédit photo : MGM)
Sergio Leone a passé les années 1960 à définir les westerns italiens avec sa trilogie des Dollars, qui suit les exploits nomades de l’Homme sans nom (Clint Eastwood). Dernier film après Une poignée de dollars (1964) et Pour quelques dollars de plus (1965), le film de Leone suit trois bandits armés – joués par Eastwood, Eli Wallach et Lee Van Cleef – qui font la course pour trouver de l’or confédéré enterré pendant la guerre de Sécession. Bien que les opinions personnelles divergent quant à savoir lequel des trois films de la trilogie est le meilleur, Le bon, la brute et le truand est tout simplement trop épique pour être ignoré et reste sans doute le plus emblématique de tous les westerns spaghetti. Entre sa cinématographie mémorable et sa violence opératique, les réalisateurs de films d’action ont passé des décennies à s’inspirer du chef-d’œuvre durable de Leone.
13. Rosemary’s Baby (1968)
(Crédit photo : Paramount Pictures)
Il est réconfortant de ne jamais voir le visage du bébé. Dans le film d’horreur psychologique de Roman Polanski, Mia Farrow joue le rôle d’une jeune épouse de Manhattan qui soupçonne ses voisins de vouloir la faire accoucher de quelque chose d’impie. Le film de Polanski – qui met également en vedette John Cassavetes, Ruth Gordon, Mauriece Evans et Charles Grodin, qui fait ses débuts au cinéma – est un thriller brûlant et ultra sombre sur la perte d’autonomie d’une femme (ce qui est terriblement ironique de la part de Polanski) et sur la façon dont la marche de la société du XXe siècle vers la laïcité pourrait causer la perte de l’humanité. Rosemary’s Baby était juste en avance sur la courbe, car l’hystérie des cultes sataniques allait rapidement prendre une place prédominante dans les titres des journaux tout au long des années 1970 et 1980.
12. Lawrence d’Arabie (1962)
(Crédit photo : Columbia Pictures)
La vie de quelqu’un peut-elle être si épique qu’elle devienne l’un des plus grands films d’aventure jamais réalisés ? L’archéologue, officier de l’armée et écrivain britannique du XXe siècle T. E. Lawrence a apparemment vécu une vie qui a donné naissance au film Lawrence d’Arabie de David Lean. Avec Peter O’Toole, un acteur inconnu à l’époque mais apprécié de Lean (depuis son film de 1960 Le jour où ils ont dévalisé la banque d’Angleterre), le film suit Lawrence à travers l’Empire ottoman pendant la Première Guerre mondiale. Le film lui-même explore la difficulté de Lawrence à se réconcilier avec la violence et son allégeance divisée entre la Grande-Bretagne et ses nouveaux alliés au sein des forces arabes. Une superproduction spectaculaire à une époque qui n’en produisait pas beaucoup, Lawrence d’Arabie galope avec une férocité et un sens de l’aventure qu’on ne retrouvera que dans Les Aventuriers de l’arche perdue, près de 20 ans plus tard.
11. haut et bas (1963)
(Crédit photo : Toho)
Akira Kurosawa est, à juste titre, réputé pour être le réalisateur d’éternelles épopées de samouraïs. Mais même lorsqu’il fait des zags à partir de ses propres zigs, le célèbre artiste conserve tous ses meilleurs traits, comme sa formalité théâtrale et ses personnages au caractère bien trempé qui s’affrontent à des forces oppressives. Voici High and Low, le drame policier de Kurosawa de 1963, propulsif et finement composé. Inspiré du roman King’s Ransom d’Ed McBain, un riche cadre (Toshiro Mifune) apprend que son fils a été kidnappé et qu’il est détenu contre rançon, ce qui donne le coup d’envoi d’une intrigue haletante, où le temps est un facteur essentiel. En remplaçant les armures de samouraïs par des chemises et des cravates impeccables, Kurosawa rumine la résurgence du Japon d’après-guerre. Autour de lui, le réalisateur a vu la société japonaise évoluer rapidement vers la modernité. Mais à quel prix ?
10. de la Russie avec amour (1963)
(Crédit photo : United Artists)
Le réalisateur Terence Young et l’acteur Sean Connery se retrouvent pour From Russia With Love, cette fois pour raconter l’histoire de Bond aidant une belle transfuge soviétique (Daniela Bianchi) à échapper aux griffes de SPECTRE. Avec le plus grand espion du MI6 plongé dans les tensions de la guerre froide, From Russia With Love est l’une des meilleures suites de Bond jamais réalisées, à la fois grinçante, sexy et excitante. Le film est également soutenu par l’une des meilleures chansons de Bond de tous les temps, interprétée par le crooner Matt Monro.
9. Pierrot le Fou (1965)
(Crédit photo : SociÉtÉ Nouvelle de CinÉmatographie (SNC))
Jean-Luc Godard a passé les années 1960 à affirmer sa place dans la Nouvelle Vague française avec des films comme À bout de souffle (1960), Vivre sa vie (1962) et La Bande des marginaux (1964). Mais c’est en 1965 que Godard atteint sa forme maximale avec Pierrot le Fou, un road movie expérimental, vif et coloré, qui raconte l’histoire d’un homme (Jean-Paul Belmondo) qui s’enfuit avec la baby-sitter et l’ex-amante de son enfant (Anna Karina) pour laisser derrière eux leur monde huppé. Un monument du pop art débordant de sensualité, de romance condamnée et de débris d’un quatrième mur démoli, Pierrot le Fou n’a pas seulement certifié le statut d’auteur de Godard, mais l’a plaqué en or.
8. Petit déjeuner chez Tiffany (1961)
(Crédit photo : Paramount Pictures)
Audrey Hepburn ne s’est pas contentée d’asseoir sa célébrité avec Breakfast at Tiffany’s du réalisateur Blake Edwards, elle a garanti son immortalité. Dans cette comédie romantique géante, Hepburn incarne Holly Golightly, une mondaine excentrique qui tombe amoureuse d’un écrivain en difficulté (George Peppard). Mis à part le portrait raciste d’un voisin japonais par Mickey Rooney, Breakfast at Tiffany’s est un film effervescent et chic, un film qui prend l’amour dans votre cœur et l’habille à la mode moderne. Le look de Holly Hepburn reste omniprésent en tant que symbole de la beauté intemporelle, et il est difficile de contester pourquoi. Un seul coup d’œil de sa part dans l’objectif de la caméra d’Edwards, et nous voilà toutes la tête dans les talons à prix d’or.
7) La Dolce Vita (1960)
(Crédit photo : Columbia Pictures)
Le nom de Frederico Fellini est synonyme de cinéma italien de qualité, et La Dolce Vita est l’un de ses succès les plus durables. Le film raconte l’histoire d’un journaliste célèbre (interprété par un Marcello Mastroianni ultra-cool, dont chaque image respire l’élégance) qui passe une semaine fiévreuse à parcourir Rome – une ville antique envahie par les paillettes et le glamour – à la recherche de quelque chose de pur. Doté d’une structure d’intrigue unique et d’un humour mordant, La Dolce Vita se délecte de la décadence d’une civilisation prospère d’après-guerre tout en annonçant l’empoisonnement de la société par les toxicités de la célébrité.
6. le Wild Bunch (1969)
(Crédit photo : Warner Bros.)
Sam Peckinpah a donné aux westerns leur dernière chance avec The Wild Bunch, un film sur des hors-la-loi vieillissants qui luttent pour s’adapter à la modernisation du XXe siècle et s’éteignent dans un éclat de gloire. Si les westerns n’ont pas complètement disparu, ils sont tombés en disgrâce dans les années 1960 et n’ont jamais retrouvé leur popularité depuis. Le bombardement de coups de poudre et de ricochets de balles qui souligne le final explosif de Peckinpah dans Agua Verde ressemble donc à un feu d’artifice commémorant les innombrables héros à chapeau blanc et les voyous à chapeau noir qui ont orné le grand écran depuis les débuts d’Hollywood. Après The Wild Bunch, les films de western se sont envolés vers le soleil couchant, et ils n’ont jamais regardé en arrière.
5. 8 ½ (1963)
(Crédit photo : Columbia Pictures)
Le cinéaste italien Frederico Fellini a quelque peu tourné sa caméra sur lui-même dans son film sur les difficultés à conserver son statut d’auteur et son individualité dans un domaine soumis à l’examen du public. Dans le huitième film de Fellini (d’où le titre), l’acteur Marcello Mastroianni incarne Guido Anselmi, un réalisateur qui tente désespérément de maintenir son identité à travers le processus rigoureux et autodestructeur de la réalisation d’un film de science-fiction à gros budget. Pendant ce temps, Guido pense aux différentes femmes de sa vie. Une comédie noire méta surréaliste qui brouille les lignes délimitant le kayfabe, 8 ½ est à juste titre considéré comme l’un des plus grands films sur la réalisation de films jamais réalisés.
4. West Side Story (1961)
(Crédit photo : United Artists)
Comment résoudre un problème comme celui de Maria ? Dans ce Roméo & ; Juliette modernisé qui se déroule dans les gangs de rue racialisés de New York, Natalie Wood et Richard Beymer jouent des amoureux croisés qui tombent amoureux alors qu’ils se trouvent dans les camps opposés d’une guerre de territoire. La version originale de 1961, réalisée par Robert Wise et Jerome Robbins, traite l’écran comme une scène, avec des chorégraphies complexes, des palettes de couleurs vives et des mouvements de caméra dynamiques qui ont influencé Michael Bay (qui a fait l’éloge du film dans une interview accordée au New York Times en 2001) et Steven Spielberg, qui a réalisé son propre remake en 2021. Lorsque vous regardez West Side Story, vous devenez un fan pour la vie, de votre première cigarette à votre dernier jour de vie.
3. les yeux sans visage (1960)
(Crédit photo : Lux Compagnie CinÉmatographique de France)
Bien que le film d’horreur phare de Georges Franju, Les Yeux sans visage, réalisé en 1960, soit antérieur à la majorité des films d’horreur, son histoire déchirante et sa violence vicieuse ont établi les normes que des maîtres du genre comme John Carpenter et Wes Craven ont maintenues par la suite. Malgré tout, Eyes Without a Face ne ressemble à aucun des films d’horreur que vous avez vus, car il est à la fois poétique et macabre. Le film raconte l’histoire d’un chirurgien plastique renommé (interprété par Pierre Brasseur) qui prend au piège de belles jeunes femmes pour sculpter leur chair et réparer la défiguration tragique de sa fille. Édith Scob joue également le rôle de la fille du médecin, qui porte un masque blanc fantomatique qui semble augurer des icônes futures comme Michael Myers et Jason Voorhees. Ici, la beauté et l’horreur sont des compagnons de cellule improbables.
2. 2001 : L’Odyssée de l’espace (1968)
(Crédit photo : MGM)
Aucun film ne définit les années 1960 tout en restant hors du temps comme 2001 : L’Odyssée de l’espace de Stanley Kubrick. Après deux grands classiques, Lolita (1962) et Dr. Strangelove (1964), Kubrick a regardé vers les étoiles avec une majestueuse épopée de science-fiction qui adapte la nouvelle d’Arthur C. Clarke « La Sentinelle ». La portée de 2001 est énorme, puisqu’il s’agit d’un film qui s’étend littéralement sur des éons, depuis les origines primates de l’humanité jusqu’à, ce que Kubrick prédit, notre sophistication en tant qu’espèce de conquérants de l’espace. Mais quel que soit le chemin parcouru, l’homme est toujours sujet à une violence inexplicable. Ainsi, au cours du voyage du Discovery One vers Jupiter, l’intelligence artificielle HAL 9000 a ses propres idées sur la survie, bien plus que ne l’aimeraient ses maîtres. Magnifiquement composé et inquiétant dans le sens d’un autre monde, 2001 : L’Odyssée de l’espace a fait avancer le cinéma avec une simple touche de monolithe noir.
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1) Psychose (1960)
(Crédit photo : Paramount Pictures)
Avec la belle Janet Leigh, une bouteille de sirop de chocolat Hershey’s et un morceau palpitant de Bernard Herrmann, Alfred Hitchcock a forgé un chef-d’œuvre cinématographique qui s’est penché sur les profondeurs de notre psychisme et a déterré ce qui nous terrifiait tous. Rempli de faux-fuyants, d’ironie comique noire et d’un symbolisme dense qui pourrait remplir une conférence sur la psychanalyse freudienne, le film le plus connu d’Hitchcock reste un géant imposant qui a redéfini l’acceptabilité du cinéma commercial pour le goût et a innové les conventions du film d’horreur moderne. Basée sur le livre éponyme de Robert Bloch, l’histoire se déroule principalement dans le sinistre motel Bates, dirigé par son propriétaire excentrique Norman Bates (Anthony Perkins), qui cache un sombre secret. Bien que Psycho ait donné naissance à une franchise comprenant la populaire série télévisée Bates Motel, Psycho est à lui seul un film qui a tout changé.