Après que le délire du nouveau millénaire s’est dissipé, les spectateurs ont entamé les années 2000, défiés par, eh bien, tout. Il s’est passé tellement de choses qu’il est facile d’oublier certains films. Mais quels sont les films les plus sous-estimés et les plus oubliés des années 2000 ?
Une fois l’hystérie du passage à l’an 2000 retombée, les années 2000 ont été marquées par une série de défis existentiels qui ont hanté les cinéphiles. Du terrorisme à la faillite en passant par l’essor de l’internet et des médias sociaux, les années 2000 ont vu les succès hollywoodiens devenir de plus en plus grands, tandis que le cinéma indépendant attirait le public avec des histoires plus petites et plus intimes. L’internet, mentionné plus haut, a également joué un rôle important dans la transformation des films pour toujours ; le streaming Netflix a débuté en 2007, donnant le coup d’envoi à un changement insondable de l’art et du commerce du cinéma, que peu de gens auraient pu anticiper.
Les années 2000 ayant été riches en événements, il est facile d’oublier certains films, même si vous les avez déjà vus. Voici les 32 plus grands films des années 2000 que vous avez (probablement) oubliés.
32. le train de viande de minuit (2008)
(Crédit photo : Lionsgate)
Avant que Bradley Cooper ne devienne un habitué des Oscars, il était à l’affiche du film d’horreur peu vu The Midnight Meat Train du réalisateur japonais Ryuhei Kitamura. Inspiré d’une nouvelle de Clive Barker, Cooper incarne un photographe qui développe une obsession pour un tueur en série (joué par Vinnie Jones) qui fait des victimes dans le métro. Sorti à une époque où les films « torture porn » à la Saw faisaient fureur, The Midnight Meat Train est passé inaperçu, même s’il reste un favori, d’autant plus dans l’ombre de la superstar Cooper. La véritable force du film réside dans son message principal, à savoir que les choses qui nous effraient sont aussi celles qui nous intriguent et nous rapprochent.
31. la fille d’à côté (2004)
(Crédit photo : 20th Century Studios)
La fille d’à côté est une comédie sentimentale délirante qui ne ressemble à aucune autre. Emilie Hirsch incarne un lycéen ambitieux qui apprend que sa voisine, une belle jeune femme pleine de vie (interprétée par Elisha Cuthbert), est une star de films pour adultes. Hilarant et étonnamment réconfortant, ce film au postulat étrange n’a pas enthousiasmé les critiques contemporains, qui l’ont jugé moyennement convaincant. Depuis sa sortie, cependant, The Girl Next Door a développé un culte féroce de fans qui voient quelque chose de doux sous sa surface peu vêtue. Le film met également en vedette Timothy Olyphant et Paul Dano, qui sont devenus de plus en plus célèbres au fil du temps.
30. Kill Zone (2005)
(Crédit photo : ABBA Movies Co. Ltd.)
La célébrité de Donnie Yen grâce à la série Ip Man a rétroactivement attiré l’attention sur ses œuvres antérieures, en particulier ses films d’action des années 2000. Le film SPL : Sha Po Lang (sorti aux États-Unis sous le titre plus tape-à-l’œil de Kill Zone), réalisé par Wilson Yip, les surpasse tous. Yen y incarne un flic de Hong Kong transféré dans un commissariat qui se rapproche de l’arrestation d’un important chef de triade. Mettant également en scène Sammo Hung, Simon Yam et Wu Jing, Kill Zone est un film épique de gangsters, avec des chorégraphies éblouissantes qui font la différence entre un réalisme impitoyable et un chaos exagéré. Bien qu’il ait été un succès en Asie, Kill Zone n’a pas encore reçu beaucoup d’attention dans le reste du monde.
29) Les Sauvages (2007)
(Crédit photo : Fox Searchlight Pictures)
Dans cette délicieuse comédie noire de Tamara Jenkins, Philip Seymour Hoffman et Laura Linney incarnent des frères et sœurs qui se chamaillent et dont l’absence de père dans leur enfance ne leur a pas appris à former une famille. Mais lorsque leur père absent (Philip Bosco) commence à montrer des signes de démence, les frères et sœurs apprennent enfin à s’aimer les uns les autres avant qu’il ne soit trop tard. Malgré sa prémisse dure et lourde, The Savages ne manque jamais d’inspirer quelques rires. Pourquoi pas ? Soyons honnêtes, il y a peu de choses sur Terre qui soient aussi drôles que la famille. Malgré quelques nominations aux Oscars, The Savages a été largement négligé.
28. la fête de la bière (2006)
(Crédit photo : Warner Bros. Pictures)
Les années 2000 ont été un âge d’or pour les comédies classées R, et l’une des dynasties de cette époque était la troupe Broken Lizard. Si la comédie Super Troopers, sortie en 2002, peut être citée à l’infini, la satire sportive Beerfest, sortie en 2006, mérite autant, sinon plus, d’être appréciée. Se déroulant dans un monde clandestin de compétition autour de la bière, Beerfest suit un groupe d’Américains désordonnés qui s’entraînent pendant un an pour affronter une équipe allemande d’élite qui a sali l’honneur de leur famille. Sans doute le film le plus serré de Broken Lizard, et peut-être le plus cru, Beerfest s’enorgueillit d’une parade d’acteurs secondaires et de caméos improbables – parmi lesquels Cloris Leachman, Donald Sutherland, Will Forte et Willie Nelson – qui transforment un film ridiculement stupide en une grande fête. Cul sec.
27. La planète au trésor (2002)
(Crédit photo : Disney)
Depuis la renaissance de Disney, le célèbre studio peut parfois sembler invincible. Mais tout ce qu’il a fait n’a pas toujours été un succès. En 2002, le studio a sorti Treasure Planet, une aventure de science-fiction et un hybride unique d’animation 2D et 3D. Si le film n’était pas le premier à réimaginer le roman de Robert Louis Stevenson L’Île au trésor (1883) avec des éléments de science-fiction – ce n’était pas non plus la première fois que Disney utilisait le matériau d’origine -, le film était néanmoins destiné à lancer une nouvelle franchise Disney singulière dans la veine de ses autres méga-hits d’animation. Bien qu’il ait échoué au box-office, le film a conquis le public au fil du temps grâce à son imagination spectaculaire et à son sens de l’aventure intemporel.
26. soleil (2007)
(Crédit photo : Fox Searchlight Pictures)
Sunshine est un film qui regorge de grands noms et qui est pourtant devenu une entité oubliée dans l’œuvre de chacun. Sorti en 2007 et réalisé par Danny Boyle, Sunshine est un thriller de science-fiction apocalyptique qui se déroule en 2057 et dans lequel un groupe d’astronautes voyage pour rallumer le soleil mourant du système solaire. Dirigé par Cillian Murphy d’Oppneheimer, le film met également en scène Chris Evans, Rose Byrne, Michelle Yeoh, Cliff Curtis, Hiroyuki Sanada, Benedict Wong et Mark Strong. L’intention de Boyle était de créer une distribution internationale, et il a même demandé à ses acteurs de vivre ensemble et d’apprendre les tenants et les aboutissants des professions uniques de leurs personnages afin de s’immerger. Bien que Sunshine ait été un désastre au box-office, le film attire régulièrement l’attention des gens surpris par sa prémisse urgente et sa collection ridicule de talents familiers.
25. le calmar et la baleine (2005)
(Crédit photo : Samuel Goldwyn Films)
Fortement inspiré par la propre adolescence du scénariste et réalisateur Noah Baumbach, qui a vécu le divorce de ses parents, The Squid and the Whale met en scène Jeff Daniels et Laura Linney dans le rôle des parents chamailleurs de Walt Berkman (Jesse Eisenberg), qui vivent tous dans le Brooklyn des années 1980. Tourné en Super 16 plutôt qu’en vidéo numérique – une marque de fabrique des films indépendants des années 80 – The Squid and the Whale ressemble remarquablement à un film que ses propres personnages auraient vu au cinéma, afin de sauver désespérément leurs relations en décomposition. Bien que de nombreuses personnes impliquées dans The Squid and the Whale, y compris Baumbach, aient été acclamées par la critique et aient connu le succès à Hollywood, The Squid and the Whale reste modeste en dépit de ses qualités.
24 Harold & ; Kumar Go to White Castle (2004)
(Crédit photo : New Line Cinema)
Il est facile de considérer Harold & Kumar Go to White Castle comme une autre comédie stupide classée R avec un humour grossièrement offensant. C’est en effet le cas. Mais ce film était également révolutionnaire pour l’année 2004 : ses acteurs principaux n’étaient pas un autre couple de Blancs odieux et forts en gueule, mais des Asiatiques odieux et forts en gueule. John Cho et Kal Penn jouent les meilleurs amis et colocataires dont l’envie de manger dans un fast-food tourne mal. Bien que le film n’essaie même pas de se donner des airs d’importance – il y a littéralement une scène où Harold et Kumar chevauchent un guépard – il a sa part d’émotion inattendue, dans la façon dont il explore l’angoisse naissante des millénaires et les attentes pesantes des parents immigrés. Même si son humour choc ne lui a pas permis de vieillir gracieusement, Harold & ; Kumar Go to White Castle peut encore faire mouche.
23. 1 heure de photo (2002)
(Crédit photo : Fox Searchlight Pictures)
Un thriller sombre et inconfortable dans lequel Robin Williams incarne un antagoniste trouble, One Hour Photo de Mark Romanek est un thriller bien ficelé qui tient encore la route après tant d’années. Il raconte l’histoire de Sy Parrish, un technicien photo solitaire qui nourrit une obsession secrète à l’égard d’une famille dont il a développé les photos pendant des années. One Hour Photo a été un succès, les critiques soulignant la performance captivante de Williams. Mais lorsqu’il s’agit de l’ensemble de l’héritage cinématographique de Williams, ce n’est pas le film dont on se souvient le plus. Après la mort de Robin Williams en 2014, ce sont ses comédies réconfortantes qui ont attiré le plus d’attention – pas celle où il joue le harceleur dérangé d’une famille innocente. Mais le temps a été très clément pour One Hour Photo, car les médias sociaux nous ont tous rendus un peu obsédés par la vie des autres d’une manière que nous devrions admettre comme étant malsaine.
22. c’est compliqué (2009)
(Crédit photo : Universal Pictures)
Les comédies romantiques ont prospéré dans les années 2000, en grande partie grâce à la réalisatrice Nancy Meyers. En 2009, l’hilarante comédie romantique de Meyers, It’s Complicated, défie allègrement les conventions du genre avec une histoire torride centrée sur des adultes dans la cinquantaine. Meryl Streep y incarne Jane, qui ravive une liaison secrète avec son ex-mari (Alec Baldwin) tout en tombant amoureuse d’un architecte (joué par Steve Martin). It’s Complicated a été un succès commercial et a obtenu plusieurs nominations aux Golden Globes, mais il a fini par passer inaperçu dans notre conscience culturelle, tandis que les comédies romantiques disparaissaient peu à peu des salles de cinéma. Après tout ce temps, It’s Complicated est tout sauf difficile à saisir, étant un film douillet et chaotique avec des performances incroyables et pleines d’énergie.
21. l’homme qui n’était pas là (2001)
(Crédit photo : Focus Features)
Il est difficile d’affirmer qu’un film des frères Coen est « oublié ». Mais lorsque leur œuvre comprend des films comme Fargo, The Big Lebowski, No Country for Old Men et Inside Llewyn Davis, alors oui, peut-être que d’autres films sont oubliés. C’est le cas de The Man Who Wasn’t There, un excellent thriller de 2001 qui rend hommage aux films noirs en noir et blanc des années 1940. Billy Bob Thorton y incarne un coiffeur californien qui tente de faire chanter l’amant de sa femme – qui est aussi son patron – pour obtenir des fonds d’investissement. Les critiques ont salué le film, mais il n’a pas réussi à attirer l’attention d’un public dont les yeux étaient rivés sur les deux autres grands succès de 2001 : Harry Potter et la pierre du sorcier et Le seigneur des anneaux : la fraternité des anneaux. Les deux films sont sortis à un mois d’intervalle et ont éclipsé L’homme qui n’était pas là lors de sa sortie en novembre 2001.
20. La 25e heure (2002)
(Crédit photo : Buena Vista Distribution Pictures)
Au lendemain du 11 septembre, Spike Lee, originaire de New York, a entrepris de dépeindre la crise existentielle d’une ville entière dans 25th Hour. Basé sur un roman de David Benioff (oui, le même David Benioff qui a co-créé Game of Thrones pour HBO), 25th Hour met en scène Edward Norton dans le rôle d’un homme qui erre dans la ville de New York, sa maison, pour ses dernières 24 heures de liberté avant de purger sa peine de prison. Bien que le livre de Benioff ait été écrit et publié avant le 11 septembre, Spike Lee a intégré les attentats dans son film dans le cadre de son interrogation sur la ville et l’idée plus large de se trouver à un carrefour proverbial. À l’instar du film Open City de Roberto Rossellini, qui filme Rome après l’occupation nazie, la 25e heure de Spike Lee documente une ville encore en convalescence. Nous devrions être heureux qu’il l’ait fait.
19. 12 Rounds (2009)
(Crédit photo : 20th Century Studios)
Avant que la carrière d’acteur de John Cena ne décolle vraiment, son statut de superstar de la lutte professionnelle lui a permis de jouer dans quelques films d’action de moyenne envergure financés par WWE Studios, l’entité cinématographique de la WWE. Si son premier film, The Marine, n’est qu’un projet de vanité destiné à relancer artificiellement sa célébrité, son deuxième film, 12 Rounds, est bien plus captivant. Dirigé par l’auteur de films d’action Renny Harlin, Cena incarne un agent du FBI contraint de jouer un jeu dangereux par un trafiquant d’armes charismatique, incarné par Aidan Gillen, de Game of Thrones. Bien qu’il s’agisse à première vue d’une imitation de Die Hard with a Vengeance, John Cena fait preuve d’un talent prometteur en tant qu’acteur et star au-delà du ring. On ne peut pas voir le John Cena de Blockers et Peacemaker sans l’avoir vu se faire les dents dans 12 Rounds.
18. sauvés ! (2004)
(Crédit photo : MGM)
La comédie d’ados dévergondée rencontre la satire religieuse dans l’hilarant Saved ! de Brian Dannelly.. Jena Malone incarne Mary Cummings, une adolescente chrétienne qui tente de « guérir » son petit ami gay en ayant des relations sexuelles avant le mariage, mais qui se retrouve enceinte. Avec Mandy Moore, Macaulay Culkin et Mary-Louise Parker, Saved est une émeute sacrée qui dénonce les hypocrisies de la religion organisée dans le cadre de films pour adolescents à la John Hughes et American Pie. La meilleure partie du film est sans aucun doute Mandy Moore ; principalement connue en tant que pop star lors de sa sortie, l’interprétation brûlante de Moore en tant que tyran bien-pensant et autoritaire est une sorte de révélation.
17. le blog du Dr Horrible (2008)
(Crédit photo : Mutant Enemy Productions)
Pendant la grève de la Writers Guild of America de 2007-2008, le créateur de Buffy the Vampire Slayer, Joss Whedon, a co-créé une comédie musicale à micro-budget qui a non seulement trouvé un moyen de gagner de l’argent pendant une période difficile à Hollywood, mais a également créé quelque chose qui semblait avant-gardiste et pertinent à l’ère de la blogosphère. Avec Zack Whedon, Maurissa Tancharoen et Jed Whedon, ils ont créé Dr. Horrible’s Sing-Along Blog, une comédie musicale indépendante réalisée par des professionnels et diffusée gratuitement sur l’internet. En 2008, c’était un événement d’une ampleur insondable. Le fait que Dr. Horrible’s Sing-Along Blog soit également hilarant et dévastateur à tous points de vue est la cerise sur le gâteau. Au sommet de sa gloire avec How I Met Your Mother, Neil Patrick Harris incarne un aspirant super-vilain dont l’initiation à la Ligue du Mal exige qu’il commette un crime odieux. Avec Felicia Day et Nathan Fillion, Dr. Horrible’s Sing-Along Blog est un avertissement drôle et douloureusement beau sur le fait que les choses que vous désirez le plus peuvent vous coûter ce que vous ne voulez pas perdre.
16. le bonheur et la chance (2008)
(Crédit photo : Momentum Pictures)
Bien qu’il ait fait de Sally Hawkins une star, Happy-Go-Lucky, réalisé par le prolifique cinéaste britannique Mike Leigh, est passé inaperçu depuis sa sortie en 2008. C’était peut-être une question de timing. En racontant l’histoire d’une institutrice insouciante (Hawkins) qui se heurte au monde blasé qui l’entoure, Happy-Go-Lucky prône les vertus d’une attitude positive. La positivité était assez difficile à maintenir à la fin des années 2000, et cela n’a fait qu’empirer depuis. Mais Hawkins dégage suffisamment d’énergie pour que l’on puisse penser qu’être heureux est en fait un choix que l’on peut faire, au lieu d’être le résultat final de quelque chose d’autre.
15. déchaîné (2005)
(Crédit photo : Universal Pictures)
Dans ce qui est peut-être l’une des meilleures performances de Jet Li en tant qu’acteur dramatique (ne vous inquiétez pas, il continue à botter des fesses), Unleashed de Louis Letterier met en scène la star du kung-fu dans le rôle de Danny, un homme enragé « élevé » par un gangster impitoyable (joué par Bob Hoskins) pour en faire son garde du corps personnel. Danny se retrouve bientôt sous la garde d’un accordeur de piano aveugle (Morgan Freeman) et de sa belle-fille (Kerry Condon), qui lui offrent l’environnement nourricier dont il a été privé toute sa vie. Sorti en concurrence directe avec Star Wars : La Revanche des Sith, Unleashed est passé largement inaperçu et est devenu depuis un joyau méconnu. Mais Unleashed contient autant de cœur que de coups de poing.
14. Lars et la vraie fille (2007)
(Crédit photo : MGM)
Inspirée par sa découverte du site officiel de RealDoll, la scénariste et réalisatrice Nancy Oliver a créé une version sympathique et réconfortante de la tragédie grecque Pygmalion dans son film dramatique Lars and the Real Girl (2007). Ryan Gosling y joue le rôle de Lars, gentil mais socialement maladroit, dont l’idylle avec une poupée sexuelle nommée Bianca inquiète tout son entourage. Bien que Gosling ait fait carrière en jouant l’archétype de l’homme de rêve hollywoodien – il a été le Ken de Barbie, après tout – Lars and the Real Girl montre les attributs caméléonesques de Gosling, offrant une performance qui vous fait réellement ressentir le sentiment de valeur de son personnage, qui est impuissant (mais pas désespéré).
13. Me, Myself, & ; Irene (2000)
(Crédit image : 20th Century Studios)
Bien que sa prémisse satirique du trouble dissociatif de l’identité soit offensante même sur papier, Jim Carrey opère à un tel degré de pouvoir dans la comédie noire des frères Farrelly, Me, Myself & ; Irene, qu’il est facile de rire avec lui. (Sérieusement, regardez sa « transformation ». Je vous mets au défi de ne pas être stupéfait par ce que Carrey peut faire avec son visage). Carrey joue le rôle de Charlie, un policier d’État docile de Rhode Island dont les années de colère refoulée le conduisent à développer un alter ego plus confiant et plus violent. Bien que la majeure partie de la comédie du film repose sur les inconvénients comiques d’un dédoublement de personnalité, Me, Myself & ; Irene contient également des tonnes d’humour choquant qui vous gardent sur le qui-vive. Ce n’est pas qu’on ne puisse plus faire une comédie vulgaire comme Me, Myself & ; Irene. C’est que personne ne peut le faire aussi bien.
12. le nettoyage des rayons du soleil (2008)
(Crédit photo : Relativity Media)
Dans la délicieuse comédie indépendante Sunshine Cleaning de Christine Jeffs, Amy Adams et Emily Blunt interprètent des sœurs qui se lancent dans le nettoyage de scènes de crimes odieux. Bien que le film ait été bien accueilli par la critique et qu’il ait connu un succès modeste au box-office, les stars surdimensionnées d’Amy Adams et d’Emily Blunt ont fait de Sunshine Cleaning une sorte d’après-coup dans leur carrière. Adams a ses Oscars, et Blunt a joué dans toutes sortes de films, des comédies musicales de Disney aux films épiques de Christopher Nolan. Néanmoins, Sunshine Cleaning réussit à être un film indépendant radieux du milieu des années 80 avec un pouvoir de star insondable.
11. Titan A.E. (2000)
(Crédit photo : 20th Century Studios)
Le prolifique cinéaste d’animation Don Bluth a sorti son dernier film en salle en 2000, une aventure épique de science-fiction intitulée Titan A.E. Dans un avenir lointain où la Terre est détruite et où l’humanité est une espèce nomade disséminée dans les étoiles, Cale (interprété par Matt Damon) découvre un secret qui aidera à donner à l’humanité un nouveau foyer. Titan A.E. a été un échec au box-office, en grande partie à cause d’un budget de production élevé et des licenciements aux Fox Animation Studios qui ont entravé les efforts de marketing. Dans les années qui ont suivi sa sortie, Titan A.E. est devenu un classique culte, même si c’est le film qui a plus ou moins mis fin à la carrière de Bluth en tant que réalisateur de films grand public.
10. le film « Better Luck Tomorrow » (2002)
(Crédit photo : Paramount Pictures)
Les vrais fans de la franchise Fast & ; Furious savent qu’il faut inclure Better Luck Tomorrow. Réalisé par Justin Lin et financé par des cartes de crédit épuisées et une contribution de dernière minute de MC Hammer, Better Luck Tomorrow suit un groupe d’adolescents américains d’origine asiatique qui profitent de leur statut d’étudiants modèles pour se lancer dans la criminalité. Le film met principalement en vedette Parry Shen, Jason Tobin et John Cho, mais aussi Sung Kang, qui fait sa première apparition dans le rôle de Han avant de le reprendre dans la saga Fast. Le film s’inspire librement du meurtre de l’adolescent californien Stuart Tay. Better Luck Tomorrow est un film historique pour la représentation des Américains d’origine asiatique qui remet directement en question les mythes répandus sur les « minorités modèles ».
9) Stranger Than Fiction (2006)
(Crédit photo : Sony Pictures Releasing)
Et si votre vie n’était pas la vôtre, mais l’œuvre de quelqu’un d’autre ? C’est l’idée qui sous-tend le film Stranger Than Fiction de Marc Forster, dans lequel Will Ferrell incarne un agent du fisc qui commence à entendre une voix désincarnée raconter sa vie comme un roman littéraire. Lorsqu’il apprend qu’il est censé mourir, conformément à la narration, il fait tout ce qu’il peut pour empêcher que cela n’arrive. Ferrell brille dans cet hilarant combat métaphysique avec le destin, utilisant ses talents réputés d’acteur comique pour passer sans effort à des espaces plus dramatiques. Si Stranger Than Fiction est généralement cité comme l’un des films les plus sérieux de Ferrell, il reste facile à oublier lorsque vos amis citent encore bruyamment Talladega Nights et Step Brothers.
8) Igby Goes Down (2002)
(Crédit photo : MGM)
Bien avant de devenir un acteur primé, Kieran Culkin a joué dans la comédie dramatique Igby Goes Down de Burr Steers. Culkin y incarne un adolescent sardonique (Culkin avait en fait 20 ans à l’époque) qui fait des heures supplémentaires pour s’affranchir de sa mère autoritaire et de sa riche famille. Mieux décrit comme un « Catcher in the Rye » du 21ème siècle, le film est une démonstration du talent de Culkin pour les personnages sardoniques et un portrait bien écrit de l’adolescence moderne. Culkin est également entouré de quelques stars de taille, dont Jeff Goldblum, Claire Danes, Amanda Peet, Bill Pullman, Jared Harris et Susan Sarandon, qui rehaussent tous le film.
7) Vanilla Sky (2001)
(Crédit photo : Paramount Pictures)
Dans le remake anglais du film Open Your Eyes d’Alejandro Amenabar, réalisé par Cameron Crowe, un riche éditeur de magazines (joué par Tom Cruise) commence à remettre en question sa propre réalité après qu’un amant rancunier l’ait volontairement conduit dans un accident physiquement dévastateur. À la fois science-fiction existentielle, drame romantique et thriller psychologique, la forme onirique et la fin ambiguë de Vanilla Sky en font l’un des films les plus éthérés de la filmographie de Tom Cruise. Bien que de nombreux autres films abordent des idées similaires – des films comme The Matrix, The Truman Show, Stranger Than Fiction et Synecdoche, New York – Vanilla Sky se distingue par sa propre exécution d’un surréalisme brillant.
6) Drag Me to Hell (2009)
(Crédit photo : Universal Pictures)
Après que Sam Raimi a terminé sa trilogie Spider-Man, il est revenu à ses racines avec Drag Me to Hell, un film d’horreur surnaturel et démoniaque dans lequel une responsable des prêts bancaires ambitieuse et vindicative (Allison Lohman) est maudite par une femme pour endurer trois jours de tourments avant d’être entraînée en Enfer pour l’éternité. Tantôt terriblement terrifiant, tantôt terriblement drôle, Drag Me to Hell est tout simplement un film de Sam Raimi qui fait feu de tout bois. Au cours des années suivantes, des succès comme Insidious, The Conjuring et The Babadook ont redéfini le genre, mais Drag Me to Hell est un joyau discret qui a vraiment incarné ce à quoi ressemblaient les films d’horreur des studios à la fin des années 2000. Même aujourd’hui, sa fin est toujours aussi effrayante dans sa nature agressive.
5. repo ! L’Opéra Génétique (2008)
(Crédit photo : Lionsgate)
Si vous avez fait du théâtre au lycée à la fin des années 2000, il y a de fortes chances que vous ayez vu et peut-être même adoré Repo ! L’Opéra Génétique. Inspirée par l’expérience du scénariste Dan Smith en matière de faillite et de saisie, cette comédie musicale rock gothique imagine un avenir sombre où des sociétés privées de soins de santé font de la banque en vendant des organes à des personnes sur la base d’un plan de paiement ; si les paiements ne sont pas effectués à temps, ces organes sont « repris ». Avec Alexa Vega et Paul Sorvino – ainsi que Paris Hilton dans un rôle mineur – Repo ! The Genetic Opera ressemble à un mélange de grindcore, de films de Takashi Miike et du Rocky Horror Picture Show. C’est un film qui vaut la peine d’être regardé, même si vous n’êtes plus un jeune homme de 17 ans chantant des airs de spectacle après les répétitions.
4) DOA : Dead or Alive (2006)
(Crédit photo : Dimension Films)
Pendant longtemps, le film Mortal Kombat (1995) a été considéré comme le seul bon film sur les jeux vidéo, jusqu’à l’arrivée de superproductions plus décentes comme Sonic the Hedgehog et The Super Mario Bros. Movie. Mais les aficionados savent qu’en 2006, le réalisateur Corey Yuen a dirigé le très salace DOA : Dead or Alive, une version cinématographique de la célèbre série de jeux de combat. Avec Sarah Carter, Devon Aoki, Holly Valance et Jamie Pressley dans le rôle principal, le jeu s’inspire ouvertement d’Enter the Dragon – sa prémisse étant un tournoi d’arts martiaux organisé sur une île exotique – mais propose ses propres rebondissements qui font que les yeux sont rivés sur l’écran. DOA : Dead or Alive n’hésite pas à mettre en avant de superbes filles, mais il a suffisamment de style pour ressembler à un film d’action de catégorie B et se révéler captivant, sans pour autant ressembler à de l’écrasement de boutons sans queue ni tête.
3) Torque (2004)
(Crédit photo : Warner Bros. Pictures)
Après avoir réalisé des vidéoclips pour des titans de la pop comme Britney Spears et les Backstreet Boys, Joseph Kahn a fait ses débuts dans le long métrage avec Torque, un film d’action à couper le souffle qui donne l’impression de jouer à un jeu vidéo de course. Avec une distribution comprenant Adam Scott, Martin Henderson, Jamie Pressly, Jay Hernandez et Christina Milian, Torque suit un motard qui prend la fuite après avoir été accusé de meurtre. À première vue, Torque pourrait ressembler à une imitation de The Fast & ; the Furious – il y a même une réplique qui fait un pied de nez à Dominic Toretto – mais l’art singulier de Kahn fait en sorte que Torque soit une expérience à fond de train, complètement à sa façon. Un véritable bombardement maximaliste des sens qu’une certaine « famille » ne pourrait jamais rêver de suivre.
2. A Scanner Darkly (2006)
(Crédit photo : Warner Independent Pictures)
La rotoscopie n’est pas une nouvelle technique d’animation. Créée par Max Fleischer en 1915, elle a été utilisée avec succès par des sociétés comme Disney tout au long du XXe siècle. Mais en 2006, Richard Linklater a trouvé le moyen d’utiliser l’esthétique du rotoscope comme fenêtre sur le futur dans A Scanner Darkly, son adaptation du roman de Philip K. Dick. Dans les États-Unis d’un futur proche, un agent secret s’efforce de séparer la réalité des hallucinations provoquées par la drogue. Malgré la puissance de Keanu Reeves, Robert Downey Jr, Woody Harrelson et Winona Ryder, A Scanner Darkly n’a pas réussi à électriser le box-office. Depuis, le film est devenu un objet de culte, car son look inhabituel est toujours aussi excitant et frais, tout comme son cadre inconfortable d’une Amérique de plus en plus impuissante, infectée par une police fasciste.
1. le chemin de la perdition (2002)
(Crédit photo : DreamWorks Pictures)
En 2002, Tom Hanks a osé remettre en question son image de leader sain dans Road to Perdition de Sam Mendes. Reprise libre de la série de mangas Lone Wolf & ; Cub, Hanks incarne un tueur à gages de la mafia irlandaise dans l’Illinois de l’ère de la dépression, qui s’échappe avec son fils (Tyler Hoechlin) après que le reste de leur famille a été massacré. L’essentiel de la tension du film réside dans le personnage de Michael Sullivan, qui refuse de laisser son fils grandir comme lui, mais le forme tout de même à son métier alors qu’ils échappent à des gangsters rivaux et à un assassin au sang froid particulier (Jude Law). Si Road to Perdition était censé redorer le blason de Hanks en tant qu’acteur, il a échoué ; l’acteur a depuis joué d’autres hommes bons, y compris de vraies personnes qui ont sauvé des vies. Road to Perdition n’en reste pas moins un film magnifique sur les efforts que nous déployons pour protéger nos enfants, même si cela signifie les forcer à grandir avant qu’ils ne soient prêts.