Le classement de chaque film de David Cronenberg n’est pas facile, mais nous l’avons fait de toute façon. Avec la sortie de The Dead Ringers Remake (ce qui est assez bon, soit dit en passant), il était logique de rédiger les 22 fonctionnalités de réalisateur de Cronenberg en regardant ce qui les rend excellentes, uniques ou vaut simplement une montre.
Que vous ne le connaissiez que pour l’horreur corporelle grossière comme la mouche ou les drames modernes comme une méthode dangereuse, sa filmographie a vraiment quelque chose pour tout le monde – même les cinéphiles les plus graves. Faites défiler pour lire notre classement et voyez où votre film préféré se situe sur la liste.
22. Crimes du futur (1970)
(Crédit d’image: nouvelles entreprises de cinéma)
À ne pas confondre avec le film 2022, les crimes de l’avenir suivent Adrian Tripod, le directeur d’une clinique de dermatologie appelée House of Skin, alors qu’il cherche son mentor, un dermatologue fou qui a disparu après une peste cosmétique catastrophique.
La fascination de Cronenberg pour la peau, la modification du corps et l’horreur psychologique de la connexion corps-esprit sont allumées ici – mais pas encore réalisées. Il y a des organes supplémentaires, des gens moussant à la bouche et des trucs étranges qui arrivent aux mamelons, ce qui est presque suffisant pour distraire de l’intrigue déconnectée et parfois non focalisée qui culmine dans beaucoup de rien. Pourtant, le début de Cronenberg vaut la peine d’être regardé sinon simplement pour étudier sa croissance incroyablement complexe (et oserais-je dire fascinante) en tant que cinéaste.
21. M Butterfly (1993)
(Crédit d’image: Warner Bros.)
Aussi beau que sombre, M. Butterfly est une adaptation cinématographique du jeu sur scène du même nom écrit par David Henry Hwang (qui a également écrit le scénario). Un peu d’une valeur aberrante dans la filmographie de Cronenberg, l’histoire est basée sur l’affaire réelle entre le diplomate français Bernard Boursicot et le chanteur d’opéra chinois Shi Pei Pu.
La pièce de théâtre explore les identités de genre non conformes, l’espionnage, le talent artistique de l’opéra de Pékin et le climat politique des années 1960 en train de se déranger. Ces éléments sont pour la plupart absents ici dans l’adaptation de Cronenberg – qui met l’accent uniquement sur Gallimard (Jeremy Irons) et l’histoire d’amour torride de Song (John Lone). Au lieu d’inclure la couleur riche de l’opéra de Pékin, Cronenberg opte pour sa palette de couleurs en sourdine habituelle qui, lorsqu’elle est associée à un dialogue terne et à des points d’intrigue non développés, ajoute à la morosité globale du film.
20. Maps to the Stars (2014)
(Image Credit: Entertainment One Films)
Après Exposenz, Cronenberg a pris une pause dans l’horreur corporelle et a produit plusieurs drames simples – avec une délicieuse touche Cronenberg-y.
Julianne Moore incarne la Havana Sergrand, une actrice déchaînée qui est littéralement hantée par le fantôme de sa mère morte (Sarah Gadon), avec Mia Wasikowska comme Agatha son assistante personnelle pyromane, Evan Bird comme Agatha d’Agatha dans et hors de Brother acteur de réadaptation et John Cusack en tant que père psychologue de la télévision exploiteur. Robert Pattinson joue un conducteur de limousine qui a du mal à faire la place en tant que scénariste, et la légendaire Carrie Fisher joue elle-même.
C’est en partie l’histoire des fantômes, en partie un commentaire sur la méchanceté d’Hollywood, avec – comme de nombreux films de Cronenberg – le vrai sens du film étant qu’il n’y a aucun moyen de sortir de soi. Il n’y a pas d’évasion. Cependant, la fin prend cela un peu trop littéralement et met le feu à sa distribution d’ensemble – laissant le spectateur se demander quel était l’intérêt de toutes ces souffrances, et si nous faisons, en effet, souffrir de sens dans nos propres vies jusqu’à notre mort.
19. Stéréo (1969)
(Crédit d’image: Présentations du Film Canada)
Le premier long métrage complet de Cronenberg ressemble beaucoup à quelque chose que vous étudiez dans une classe de cinéma universitaire. Il est tourné en noir en blanc et sans dialogue ou tout autre audio à la caméra – avec étrange commentaire de voix off déposé sur le dessus. Il s’agit du sexe et de la télépathie et est délicieusement expérimental – et même magique parfois, avec les mystérieuses femmes et cartes de tarot.
Tout comme les crimes OG du futur, il est nécessaire de voir tout fan purs et durs de Cronenberg. C’est le type de débuts qui jette les bases de ce qui va venir avec les cultes, le mysticisme, le sexe et la mort – quelques-uns de ses thèmes incontournables – au premier plan. Tout ce qui nous manque, c’est ces trucs de corps effrayants et goopy pour lesquels nous avons appris à connaître et à l’aimer. Cela étant dit, Cronenberg revisite une prémisse similaire dans les scanners, qui est presque comme une suite de redémarrage de la stéréo, mais avec beaucoup plus de têtes explosives.
18. Une méthode dangereuse (2011)
(Crédit d’image: universel)
S’il y a quelque chose que Cronenberg aime, c’est le sadomasochisme et l’exploration de la psychologie derrière. Une méthode dangereuse frappe ce clou directement sur la tête, racontant la supposée histoire réelle de Sigmund Freud (Viggo Mortensen) et l’amitié de Carl Jung (Michael Fassbender). Keira Knightley incarne Sabina Spielrein, une collègue devenue étudiante et un amateur éventuel de Jung qui deviendrait l’une des premières psychanalystes féminines.
Le film jouerait comme un morceau de fiction historique droite – et vous pourriez être obligé de regarder dans une classe de psychologie – si ce n’était pas pour les scènes soudaines de bondage (et Knightley faisant le plus absolu avec ses expressions faciales pendant Ces scènes au point où personne ne vous reprocherait si vous décidiez d’avancer rapidement). Pourtant, il manque une grande partie de ce qui fait un film de Cronenberg juste. Il y a plus révélateur que de montrer, et il n’y a rien de particulièrement intéressant à propos de l’amitié de Freud et Jung – même s’ils étaient sans doute deux des personnes les plus intéressantes du monde entier.
17. Rabide (1977)
(Crédit d’image: film Cinepix)
Le premier ajout vraiment charnu à notre liste (et certainement pas le dernier) est un film d’horreur corporel sur une épidémie d’une maladie vampirique qui découle tous des aisselles d’une femme malheureuse. L’ancienne star du cinéma adulte Marilyn Chambers joue Rose, une femme qui subit une intervention chirurgicale après un accident de moto et développe un orifice dans son aisselle qui contient un dard rouge qui perce les gens et se nourrit de leur sang.
Bien qu’il y ait probablement un commentaire plus large sur le manque de réponse du public en ce qui concerne les épidémies, en particulier celle qui pourrait être faite dans notre société post-confortable, le film est tout simplement très amusant. Variety l’a appelé une « image extrêmement violente, parfois nauséeuse » et nous ne pourrions pas être plus d’accord – mais c’est ce qui le rend génial.
C’est également l’un des seuls films de Cronenberg à être refaits, avec les réalisateurs d’horreur indépendants Jen et Sylvia Soska qui publient leur propre redémarrage en 2019.
16. Fast Company (1979)
(Crédit d’image: admettre une production)
Bien que la première incursion de Cronenberg dans Body Horror ait commencé en 1977, le réalisateur a fait un petit stand en 1979 pour sortir un film d’action de course de dragsters intitulé Fast Company. Après que son sponsor le ait remplacé par son rival arc, la star de la dragsterie vieillissante Lonnie ‘Lucky Man’ Johnson décide de voler la voiture et de la courir lui-même.
C’est la véritable valeur aberrante de la filmographie de Cronenberg, étant donné l’absence totale de toute horreur ou psychologique ou même dramatique. C’est un film d’action direct sur les voitures et les gens qui les font courir. Il y a des filles chaudes en short, des hommes louches, des explosions et une histoire d’amour avec une fin sans doute ringard. Fast Company est la bonté du film B et qui mérite beaucoup plus d’attention.
15. Shivers (1975)
(Image Credit: Cinepix Film Properties)
Un médecin dérangé développe un parasite en forme de limace décrit comme une combinaison de « aphrodisiaque et de maladie générale qui, espérons-le, transformeront le monde en une belle orgie insensée ». Au lieu de cela, les résidents de Montréal deviennent des maniaques violents et fous de sexe qui ne semblent pas arrêter de vomir des parasites qui ressemblent à des intestins.
C’est la dépravation à son meilleur, avec des parasites phalliques qui rampent d’une bouche et dans un autre, voyageant en baignoire – parce que oh ouais ces petits baiseurs peuvent nager – et déchirer à travers les systèmes endocriniens de tout le monde. (Il y a aussi cette scène de piscine terrifiante que nous vous laisserons voir par vous-même.) Vous pourriez y penser tel qu’il suit sur les stéroïdes, avec moins de terreur existentielle et donc, tellement plus de sang.
Le film était si controversé après sa sortie au Canada qu’il a même fait expulser Cronenberg de son appartement à Toronto pour avoir violé une «clause de moralité» dans le bail.
14. Cosmopolis (2012)
(Crédit d’image: divertissement)
Cosmopolis, basé sur le roman de Don DeLillo, est un film dans lequel Robert Pattinson passe la majeure partie de sa durée à rouler dans une limousine – et Jay Baruchel est là pour une raison quelconque. Pattinson joue Eric Packer, un milliardaire de 28 ans qui a une étrange journée de merde pleine de personnages excentriques et une énorme perte financière.
Bien qu’une entrée plus diviseur dans le catalogue de Cronenberg, le thriller drame est en quelque sorte une antithèse satisfaisante pour American Psycho. Le beau milliardaire beau emprunte sur sa propre voie d’autodestruction, mais il n’y a pas de tronçonneuse ni de réservations en Dorsie. Au lieu de cela, il s’agit d’une satire anticapitaliste qui vise les riches et hors de touche.
Il convient de noter que Cosmopolis est l’une des performances les meilleures et les plus sous-estimées de Pattinson, sans aucun doute négligées lorsqu’elle a été publiée vers la fin de son mandat avec les films Twilight.
13. Déjeuner nu (1991)
(Crédit d’image: critère)
C’est un livre sur un gars qui se lève sur le poison des insectes et commet un meurtre, puis commence à parler à d’autres bugs, puis soudain, tout le monde est un bug – il est donc logique que Cronenberg se connecte pour diriger l’adaptation.
Basé sur le roman de 1959 de l’écrivain Beat William S. Burroughs, le film suit un exterminateur nommé William Lee (Peter Weller) qui se lève sur sa propre offre et tire sa propre femme (Judy Davis) lors d’un match de « William Tell » ( C’est ainsi que Burroughs a accidentellement tué sa propre femme dans la vraie vie). Ce qui suit est un voyage grotesque mettant en vedette des insectoïdes parlants, des combinaisons cutanées, des machines à écrire qui sont également vivantes et des mille-pattes brésiliens géantes qui produisent naturellement des stupéfiants.
C’est l’une des œuvres les plus troublantes visuellement du catalogue de Cronenberg, chaque scène peignant une image collante et crasseuse de paranoïa pure.
12. Spider (2002)
(Crédit d’image: Sony Pictures Classics)
Spider est une sorte de trouble plus calme, avec Ralph Fiennes donnant ce qui pourrait être la meilleure performance de sa carrière (pas qu’il ne fasse pas un grand Voldemort).
Basé sur le roman du même nom de Patrick McGrath, Fiennes incarne Dennis Cleg AKA Spider, un homme schizophrène libéré d’une institution qui ne peut pas dire si ses souvenirs de l’enfance traumatisants sont de réels ou de simplement des délires. Cronenberg peint notre protagoniste peu fiable avec une énorme empathie, laissant le spectateur coincé avec la douleur de Spider longtemps après la fin du film.
11. The Dead Zone (1983)
(Image Credit: Paramount Pictures)
L’un des meilleurs livres disposés de Stephen King devient l’un des meilleurs films à disques dispositifs de David Cronenberg. Christopher Walken joue le professeur Johnny Smith, une sorte de gars moyen qui est laissé dans le coma après un terrible accident de voiture. Il se réveille cinq ans plus tard pour constater que sa petite amie Sarah (Brooke Adams) est maintenant mariée et mère – oh, et qu’il peut voir dans le futur quand il touche les gens.
Ceux qui s’attendaient à un autre vidéodrome ont probablement été choqués par la zone morte, un refroidisseur discret et mélancolique qui tire une grande partie de son pouvoir des performances de Walken – ici tendre et le cœur brisé – et Adams comme l’ancien amour de sa vie. Super aussi est Martin Sheen dans le rôle de Greg Stillson, un candidat politique de Blowhard, que Johnny se rend compte pourrait bien provoquer la Seconde Guerre mondiale à moins que quelqu’un ne l’arrête. Le livre a ensuite été également adapté dans une très bonne émission de télévision avec Anthony Michael Hall du club du petit-déjeuner.
10. Scanners (1981)
(Crédit d’image: New World Mutual)
S’il y a un seul moment de la carrière de cinéma de David Cronenberg qui est entré et est resté dans le lexique public, même pour les personnes qui ne savent pas qui est Cronenberg, c’est la scène horrible des scanners de 1981 dans lesquels le chef d’une des espions psychiques du film explose .
Le plan tristement difficile à éliminer est devenu la pièce maîtresse du film, qui a atteint le statut de culte culte grâce en partie à des références cohérentes et à des blagues sur la scène se propageant à travers la culture pop – l’un des meilleurs exemples d’un pré- MEME Internet.
Les scanners sont tout aussi brutaux psychologiquement que morbides, traitant des thèmes entourant la vie privée, l’identité personnelle et l’invasion et l’érosion des deux à travers les forces au-delà du contrôle humain – mais en quelque sorte encore à portée de main.
9. La couvée (1979)
(Image Credit: New World Pictures)
Si vous pensiez que les enfants du maïs étaient effrayants, vous n’avez pas rencontré les enfants humanoïdes déformés de la couvée.
Un survivant de la maltraitance pris dans une bataille de garde avec la colère de son mari Frank, la colère de NOLA (Samantha Eggar) lui permet de supporter parthénogénétiquement une « couvée » d’enfants qui sont conçus pour tuer quiconque la menace de mal.
Cronenberg a été inspiré par les événements de son propre divorce, qui lui a vu, lui et son ex-femme, entrer dans une bataille impitoyable sur leur fille. Comment cela s’est traduit par un film sur une femme qui garde un tas de couleurs, les enfants de meurtre sans nombril et sans nombril dans le grenier d’un institut psychiatrique est une autre histoire.
8. Crimes du futur (2022)
(Crédit d’image: Neon / Mk2 / Mile End)
Le retour tant attendu de Cronenberg à l’horreur corporelle pourrait être le plus charnu à ce jour. Dans un avenir pas si lointain, les humains sont incapables de ressentir de la douleur, certains opèrent sur eux-mêmes pour les fusions, et certaines personnes sont nées avec un nouvel organe mystérieux qui les permet à la chow sur le plastique.
Saul Tenser (Viggo Mortensen) ne peut pas arrêter de cultiver des « néo-orgains », et sa femme Caprice (Lea Seydoux) ne semble pas cesser de les couper en direct dans une salle à guichets fermés pleines de types pseudo-artistes qui peuvent ‘ ils semblent détourner le regard. Kristen Stewart joue une groupie maladroite, fascinée par Saul, au grand dam de Caprice. Ses 90 minutes de chirurgie explicite sans anesthésie qui sont comparées à un artiste jouant sur une toile.
Il y a un message ici quelque part (d’autant plus que la pollution est la cause de l’engourdissement et de la croissance des organes de l’humanité), peut-être la morosité de l’endroit où la société se dirige, et toutes les manières grotesques que l’humanité apprend (et refuse) de s’adapter.
7. Promesses orientales (2007)
(Crédit d’image: fonctionnalités de mise au point)
Le thriller du milieu des années 2000 de Cronenberg ressemble à un film de gangster, mais ressemble souvent plus à un film d’horreur. La sage-femme Anna (Naomi Watts) tombe dans un mystère après la mort d’une adolescente et finit par être impliquée avec la mafia russe. Nikolai (Viggo Mortensen), un conducteur qui monte dans les rangs de cette organisation sombre, mais qui porte également un secret dangereux.
Sur le papier, les promesses orientales semblent loin des thèmes d’horreur du corps qui caractérisaient une grande partie des travaux précédents de Cronenberg, mais vous pouvez voir une connexion là-bas dans la préoccupation du film avec les tatouages - utilisé par la mafia pour suivre le rang et le statut – et dans son sang viscéral sanglant nature. Il semble aussi, à certains égards, comme une pièce complémentaire d’une histoire de violence, avec Mortensen jouant à nouveau une figure énigmatique dont le passé est revenu pour le hanter.
Bien que bien révisé à l’époque, le film n’a fait que lever de la stature depuis, devenant un favori culte à combustion lente pour son atmosphère londonienne sombre et sa représentation précise de la vie de la mafia. Une suite a été écrite, mais reste non filmée.
6. A History of Violence (2005)
(Crédit d’image: New Line Cinemas)
Une histoire de violence a été considérée comme une sorte de départ pour Cronenberg à l’époque, mais est depuis devenue l’un de ses films les mieux considérés.
Viggo Mortensen, dans le premier d’une série de collaborations avec le réalisateur, est le propriétaire de Diner Tom Stall – ou est-il? Bien que Tom ait un type paisible, son côté sombre vient au premier plan lorsque quelques voyous envahissent son paradis de petite ville. Stall est salué un héros pour son intervention meurtrière, mais cela attire l’attention du gangster Carl Fogarty (un Ed Harris honnêtement terrifiant), qui prétend que Stall est vraiment célèbre le gangster Joey Cusack.
Basé sur le roman graphique de John Wagner et Vince Locke, le film de Cronenberg est simultanément l’un de ses films les plus accessibles et les plus subversifs. La configuration – un passé sombre d’un homme apparemment bon revenant pour le hanter – est une pure pulpe, mais le réalisateur l’utilise comme un moyen de défier et d’examiner notre fascination pour les effets de sang à l’écran. C’est un travail gratifiant viscéral et immédiat, mais qui persiste longtemps dans l’imagination.
5. Existenz (1999)
(Crédit d’image: dimension)
L’existenz de David Cronenberg a peut-être été enterré sous le poids de la matrice, un film sorti quelques semaines auparavant qui se concentre également sur un contingent d’humains travaillant à se libérer des limites d’un monde virtuel qui subsomme lentement la réalité.
Mais contrairement à la vision mythique, plus grande que nature de la matrice, d’un conflit entre le monde de la chair et celle de l’esprit, Cronenberg réembrasse la nature de Sinewy et sanglante de l’humanité avec un mystère noir qui se déroule au fur et à mesure Pour une vision bizarrement prémonitoire de l’avenir des jeux vidéo et de l’irréalité elle-même, peuplant son jeu de réalité virtuelle fictive avec des personnages et des points de l’intrigue qui reflètent la vallée étrange des jeux vidéo modernes avec une prévoyance étrange.
Il est difficile de déballer l’ensemble de l’intrigue d’Exextenz, qui tourne autour des joueurs dans un jeu vidéo de réalité virtuelle hébergée dans un système techno-organique qui semble avoir été conçu par la version infernale de Cenobite de l’esthétique Apple, construite à partir de composants biologiques récoltés à partir de mutés animaux. Cela met en évidence, dans un contraste stark et horrible, la séparation du corps et de la sensation qui se trouve au centre du film – et pointe vers ses enjeux plus profonds.
4. VideoDrome
(Crédit d’image: critère)
Mort à VideoDrome! Vive la nouvelle chair!
Lorsque Max Renn (James Woods), le PDG d’une petite station de Toronto UHF, découvre un film de tabac violent diffusé par VideoDrome, il décide que ce doit être l’avenir de la télévision. Nouveau dans le monde du sadomasochisme, Max essaie de comprendre soigneusement ses tendances de son amour de Nicki (Debbie Harry) tout en développant le sien … tout en prenant une plongée profonde et dangereuse dans le monde du vidéodrome – qui finit par se transformer en estomac en un Le joueur de VHS et le fait développer une étrange main de cyborg dégoulinante.
Il y a quelque chose de délicieusement malade à propos de VideoDrome, comme nous, le spectateur, sommes nous-mêmes des voyeurs – fascinés par un monde où il n’y a pas de limites à la chair.
3. Crash (1996)
(Crédit d’image: alliance)
Crash, basé sur le roman de 1973 du même nom de J.G. Ballard, met en vedette James Spader et Holly Hunter qui, après avoir accédé à leur propre accident, deviennent excités manèques sexuellement par des accidents de voiture.
Le film invite le public à s’éloigner de la réalité pendant un moment et à considérer le corps comme une forme de machine ou de technologie (que Cronenberg souligne en utilisant un langage médical stérile à la place du dialogue érotique) et considère la façon dont les êtres humains vont de plus en plus loin et plus loin Juste pour ressentir quelque chose – n’importe quoi – alors que la société continue de changer et que la gratification devient de moins en moins instantanée.
De plus, c’est tout simplement chaud. Spader et Hunter ont faim et désespérés des déviants sexuels avec une énorme quantité de chimie. Bien que nous puissions probablement nous passer de la scène de reniflement des fesses.
2. Dead Ringers (1988)
(Crédit d’image: Warner Bros.)
Jeremy Irons joue une paire de jumeaux identiques qui exploitent conjointement une clinique de gynécologie réussie et sont si proches qu’ils partagent même les mêmes amants (à l’insu des femmes elles-mêmes) – mais ne pourraient pas être plus différentes.
Elliot est un cynique confiant, tandis que Beverly est la plus timide et insécurité des deux. Lorsque l’actrice Claire Niveau (Geneviève Bujold) vient à la clinique, leur équilibre – et le monde tel qu’ils le savent – devient efficacement brisé. Alors que Beverly commence à en spirale, il n’y a plus de fossé entre «Good Twin» et «Bad Twin»: les deux frères deviennent désespérément enchevêtrés avec leurs propres vices et le résultat final est quelque chose de plus que triste et sanglant que le spectateur ne pourrait l’imaginer. De plus, les outils gynécologiques présentés dans le film sont suffisants pour vous donner à ne plus jamais vouloir rendre visite au médecin.
Un remake de série, avec Rachel Weisz en tant que Twins du manteau, diffuse maintenant sur Prime Video.
1. La mouche (1986)
(Crédit d’image: 20th Century Fox)
C’est un remake, bien sûr, mais ce pourrait être l’un des meilleurs – sinon les meilleurs – des remakes de tous les temps.
Jeff Goldblum incarne Seth Brundle, un scientifique excentrique qui épisque accidentellement ses propres gènes avec celui d’une mouche, et Geena Davis joue Ronnie, la femme sans défense qui peut ou non porter son bébé à mouche humanoïde à terme. Tout au long du film, Seth commence à se transformer – et ce n’est pas non plus une mouche littérale ou scientifiquement correcte: il développe des plaies, commence à vomir des enzymes digestives, commence à perdre des dents et des parties du corps, et devient finalement une marche à moitié-insectes de marche et parlant à moitié humaine Cela ne peut pas arrêter de bourdonner et de couler et terriblement violent.
Dans l’âge d’or des remakes, ce film est souvent utilisé pour sauvegarder l’argument selon lequel les remakes et les redémarrages sont bons, en fait. Dans la version de 1958, le scientifique excentrique de David Hedison crie « Aidez-moi! Aidez-moi! » d’une voix aiguë tout en volant dans le corps d’une mouche domestique ordinaire. «Brundlefly» de Goldblum, ne veut pas être aidé. Même si son corps devient cette chose gonflée, rouge, ratatinée et presque brûlée (le FX pratique est parmi les meilleurs de l’histoire cinématographique) – il insiste pour observer son état … et insiste sur le fait que Ronnie donne naissance à son étrange petit petit peu insecte bébé comme cela pourrait être sa «dernière chance d’humanité».