Au cours de la première décennie qui a suivi les retombées de la Seconde Guerre mondiale, l’industrie cinématographique mondiale n’a pas perdu une miette. Mais quels sont les meilleurs films ?
Au milieu du XXe siècle, l’art cinématographique a évolué grâce au raffinement du style des studios commerciaux. Dans le même temps, des expérimentations progressives, comme la musique électronique, l’adoption généralisée du Technicolor et l’écran panoramique, ont fait passer le cinéma à la vitesse supérieure. Pendant ce temps, les stars de cinéma s’habituent à être les seules raisons pour lesquelles le public va voir des films.
L’arène du cinéma s’est également élargie tout au long des années 1950. Alors que les films hollywoodiens produits aux États-Unis jouissaient d’une domination culturelle et commerciale, des films provenant d’autres parties du monde – Japon, Suède, Italie, France et autres – ont commencé à faire parler d’eux.
Si l’image dominante des années 1950 est celle des valeurs américaines saines, les plus grands films qui ont vu le jour au cours de ces années étaient tout sauf cela. Entre la chasse aux sorcières communistes, le début de la guerre froide et les atrocités commises et endurées pendant la Seconde Guerre mondiale, les meilleurs films des années 1950 sont imprégnés de paranoïa, d’obsession psychologique et de bravoure insensée face à des obstacles insurmontables. Mais il y avait aussi des chants et des danses.
Pour prouver à quel point les années 1950 ont été riches en atmosphères diverses, voici 32 des meilleurs films de la décennie.
32. les dix commandements (1956)
(Crédit photo : Paramount)
Le dernier film de Cecil B. DeMille est sans doute son chef-d’œuvre, une superproduction hollywoodienne aux proportions littéralement bibliques. Basé sur de multiples sources, dont Le Prince d’Égypte de Doroth Clarke Wilson et La Colonne de feu de J. H. Ingraham, sans oublier la Bible, Les Dix Commandements suit Moïse (Chartlon Heston) depuis sa naissance et son adoption en Égypte jusqu’à son acceptation des règles de Dieu au sommet du mont Sinaï. Plus qu’un simple biopic épique et somptueux, Les Dix Commandements raconte également la rivalité fraternelle entre Moïse et Ramsès II (Yul Brynner). Quelles que soient vos convictions, vous ne pouvez pas nier sa majesté spectaculaire. Aujourd’hui encore, Les Dix Commandements est le modèle que toutes les superproductions hollywoodiennes méga coûteuses devraient s’efforcer d’imiter.
31. Cendrillon (1950)
(Crédit photo : Disney)
Après la sortie de Blanche-Neige et les sept nains en 1937, Disney a passé les années 40 à gagner en puissance et en influence en tant que studio d’animation avec des succès au box-office comme Pinocchio, Dumbo et Bambi. En 1950, Disney a donné le coup d’envoi de la décennie avec Cendrillon, une fantaisie musicale époustouflante sur une orpheline surmenée devenue belle du bal, coréalisée par Wilfred Jackson, Hamilton Luske et Clyde Geronimi. Sans doute le précurseur de tout ce qui définit Disney et son style spécifique de création de mythes, Cendrillon se distingue par son histoire universelle de magie, d’amour véritable et de pieds de la bonne taille. En le regardant maintenant, on ne peut s’empêcher de chanter « Bibiddi-Bobbidi-Boo ! ».
30. Planète interdite (1956)
(Crédit photo : MGM)
« On ne peut pas contempler le visage de la gorgone et vivre ! » Avant que Star Wars ne change à jamais le langage de la science-fiction cinématographique, il y avait Planète interdite. Réalisé par Fred M. Wilcox et mettant en vedette Walter Pidgeon, Anne Francis et Leslie Nielsen, Planète interdite est à la fois un glorieux pastiche de la science-fiction classique et un véritable innovateur, depuis sa partition musicale entièrement électronique révolutionnaire jusqu’à l’introduction de concepts tels que le voyage plus rapide que la lumière, créé par l’homme. (Son personnage principal, Robby le robot, est également une légende hollywoodienne). L’histoire est celle d’un croiseur militaire envoyé pour enquêter sur la disparition de colons, une prémisse qui a été reprise par tant d’autres films du genre au cours des nombreuses décennies qui se sont écoulées depuis.
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29. le septième sceau (1957)
(Crédit photo : SF Studios)
Depuis sa sortie en 1957, Le Septième Sceau d’Ingmar Bergman reste le plus grand film du réalisateur de tous les temps et celui qui a permis à la Suède de s’imposer dans l’arène du cinéma mondial. Fantaisie historique se déroulant pendant la peste noire, le film suit un noble chevalier (Max von Sydow) qui affronte la Mort (Bengt Ekerot), sinistre et encapuchonnée, dans une partie d’échecs. Autour d’eux, un ensemble de personnages agissent dans des tableaux moralisateurs qui ressemblent à des sermons de prédicateurs. À une époque marquée par des horreurs telles que l’Holocauste et les bombes nucléaires, le film de Bergman définit son époque tout en restant intemporel dans sa désolation et sa mélancolie.
28. Sunset Boulevard (1950)
(Crédit photo : Paramount)
Hollywood est follement amoureux des histoires qui le concernent, même les plus sombres. En 1950, l’industrie cinématographique est entrée de plain-pied dans une nouvelle ère où les « talkies » sont devenus la norme et où les stars de cinéma ont commencé à acquérir plus de pouvoir et d’influence culturelle. Le film Sunset Boulevard de Billy Wilder en est l’illustration. Gloria Swanson incarne Norma Desmond, une ancienne actrice du cinéma muet qui cherche à revenir sur le devant de la scène avec l’aide de Joe (William Holden), un scénariste en difficulté. Sombre mise en garde sur la toxicité et la nature éphémère de la célébrité, Sunset Boulevard est une réflexion sombre sur Hollywood. Il constitue un bon programme double avec des films comme Mulholland Drive, Birdman, Map to the Stars, Once Upon a Time in Hollywood et Babylon.
27 Les Diaboliques (1955)
(Crédit photo : CinÉdis)
Dans ce thriller psychologique d’Henri-Georges Clouzot, la femme et la maîtresse d’un directeur d’école cruel travaillent ensemble pour le tuer, et se retrouvent hantées par leurs actes lorsque son cadavre disparaît. Les Diaboliques (sorti sous le titre Diabolique aux États-Unis) n’a pas nécessairement inventé le genre de l’horreur, mais son influence parle d’elle-même ; l’auteur de Psycho, Robert Bloch, a cité ce film comme l’un de ses préférés lors d’une interview en 1983. Les Diaboliques déborde de tension et de paranoïa, et doit être reconnu comme un mystère de meurtre qui se déroule parfaitement, sans même une goutte de sang versée.
26. vacances romaines (1953)
(Crédit photo : Paramount)
Audrey Hepburn et Gregory Peck sont éblouissants dans cette comédie romantique douce-amère de William Wyler. Dans Vacances romaines, Hepburn joue le rôle d’une princesse européenne qui erre dans Rome et se retrouve en compagnie d’un charmant journaliste américain (Peck). Ensemble, ils s’adonnent à une promenade romantique inattendue dans la ville ancienne, se laissant aller à une extase de courte durée avant de reprendre leurs vies respectives. Dans le film, Hepburn, en larmes, déclare : « Je ne sais pas comment dire au revoir ». L’attrait durable de Vacances romaines, toutes ces années plus tard, montre que le public ne le sait pas non plus.
25. Shane (1953)
(Crédit photo : Paramount)
Avant que les super-héros ne règnent sur le cinéma, il y avait les cow-boys flingueurs des westerns. Le genre a atteint son apogée dans les années 1950, au cours desquelles un film les a tous surpassés : Shane, une épopée panoramique magnifiquement réalisée par George Stevens. Basé sur le livre de Jack Schaefer, Shane raconte l’histoire d’un tireur émérite (Alan Ladd) qui veut désespérément laisser derrière lui son passé de violence. Après s’être enraciné dans une famille de fermiers du Wyoming, Shane est contraint de quitter sa « retraite » pour affronter des bandits prédateurs et des barons impitoyables. À la fin, la chevauchée de Shane vers le coucher du soleil tandis qu’un enfant lui demande de « revenir » préfigure involontairement la disparition imminente des westerns en tant que représentation idéale de l’héroïsme.
24. Certains l’aiment chaud (1959)
(Crédit photo : United Artists)
L’un des plus grands films de Marilyn Monroe fut aussi l’un de ses derniers. Dans Some Like It Hot, la comédie policière de Billy Wilder, Tony Curtis et Jack Lemmon incarnent des musiciens de jazz de l’époque de la prohibition qui échappent à la mafia de Chicago en se déguisant en femmes et en rejoignant un groupe féminin itinérant en route pour Miami. Ils finissent par tomber amoureux de Sugar (Monroe), la chanteuse et joueuse de ukulélé du groupe, et commencent à se disputer son affection tout en conservant leurs fausses identités. Même si « personne n’est parfait », Certains l’aiment chaud reste une comédie parfaite.
23 Singin’ in the Rain (1952)
(Crédit photo : MGM)
Réalisé et chorégraphié par Gene Kelly et Stanley Donen, Singin’ in the Rain est bien plus que son imagerie éternelle de parapluies ouverts, d’imperméables jaunes et de Debbie Reynolds dansant jusqu’à la gloire. En 1927, la fin de l’ère du cinéma muet est proche lorsque la star de cinéma Don Lockwood (Kelly), son meilleur ami pianiste Cosmo (Donald O’Connor) et l’actrice en herbe Kathy Selden (Reynolds) travaillent ensemble sur un nouveau projet visant à tirer parti de la nouvelle technologie de synchronisation du son avec les images en mouvement. Hilarant et coloré, Singin’ in the Rain se réjouit du côté plus ensoleillé de l’évolution constante d’Hollywood qui écrase si souvent les rêves.
22. Gojira (1954)
(Crédit photo : Toho)
Plus de dix ans après que le Japon a subi le bombardement nucléaire qui a mis fin à la Seconde Guerre mondiale, un monstre impie émerge de la mer pour rappeler à l’humanité qu’elle est sur le point d’être anéantie. Connu du monde occidental sous le nom de Godzilla, l’incarnation japonaise originale Gojira d’Ishiro Honda est un chef-d’œuvre d’horreur monstrueuse où les atrocités de l’homme et de la bête sont indiscernables. Alors que « Godzilla » est devenu un héros de bande dessinée des deux côtés du Pacifique, les remakes et les reboots du 21e siècle ont cherché à redonner à Big G ses couleurs originales de cauchemar lovecraftien. Certains ont réussi. Mais quand ils échouent, il reste Gojira.
21. l’homme tranquille (1952)
(Crédit photo : Republic Pictures)
Bien que John Wayne soit surtout connu comme le héros des westerns hollywoodiens, le réalisateur John Ford donne au public une autre image de l’icône dans sa comédie romantique luxuriante L’homme tranquille, basée sur une nouvelle du Saturday Evening Post. Dans la campagne irlandaise des années 1920, John Wayne incarne le soldat Thorn, un boxeur américain d’origine irlandaise qui cherche à acheter la vieille ferme de sa famille lorsqu’il tombe amoureux de la fougueuse Mary Kate (Maureen O’Hara), une habitante de la région. Filmé en Technicolor, le film de Ford donne l’impression d’être vivant grâce à ses instantanés époustouflants de l’Irlande rurale, sans parler de la magnifique chevelure rousse de Maureen O’Hara qui se détache sur l’abondante verdure. Le film a été réalisé en collaboration avec l’Institut national de la recherche scientifique et technique (INRS), l’Institut national de la recherche scientifique et technique (INRS), l’Institut national de la recherche scientifique et technique (INRS) et l’Institut national de la recherche scientifique et technique (INRS).
20. rebelle sans cause (1955)
(Crédit photo : Warner Bros.)
On peut dire que c’est le meilleur film de James Dean. L’acteur au cœur immortel brille dans l’étonnant drame de Nicholas Ray sur le passage à l’âge adulte, qui révèle la laideur des adolescents américains de l’après-guerre. Dans le Los Angeles contemporain, Dean incarne Jim Stark, un adolescent perturbé, pris entre des parents qui se chamaillent. Il entame une idylle fragile avec une autre fille de son lycée, Judy (Natalie Wood), elle aussi perturbée par des problèmes familiaux et qui fréquente un milieu difficile. James Dean est mort d’un accident de voiture en septembre 1955, à l’âge de 24 ans ; Rebel Without a Cause est sorti à titre posthume quelques semaines après son décès. Mais l’impact irrévocable du film a cimenté le statut de Dean pour la postérité, garantissant que chaque génération puisse voir une partie d’elle-même dans les yeux sympathiques de James Dean.
19) Night and the City (1950)
(Crédit photo : 20th Century Studios)
Craignant d’être lui-même mis à l’index par le maccarthysme, le cinéaste Jules Dassin s’est réfugié à Londres et a réalisé un film imprégné de suspicion, de désespoir et de méfiance. Dans Night and the City, Richard Widmark incarne Harry Fabian, un escroc américain autodestructeur qui s’introduit dans le circuit de lutte professionnelle londonien. Souvent négligé par rapport à d’autres classiques du roman noir, Night and the City est pourtant un thriller miteux qui incarne parfaitement les romans de gare britanniques, avec ses ruelles et ses salles de bar regorgeant de personnages amoraux qui n’ont de loyauté que pour eux-mêmes. Bien qu’il existe deux versions différentes du film avec des fins opposées – l’une pour le public britannique, l’autre pour les Américains – Dassin insiste sur le fait que la version américaine cynique est plus proche de sa vision.
18. Tokyo Story (1953)
(Crédit photo : Shochiku)
Akira Kurosawa s’est imposé dans les années 1950 comme l’un des auteurs japonais les plus célèbres. Mais l’un de ses plus grands contemporains est Yasujiro Ozu, dont le style moderniste et minimaliste contraste fortement avec les grands opéras de Kurosawa. En 1953, Ozu a réalisé ce qui est largement considéré comme l’un de ses chefs-d’œuvre : Tokyo Story, qui raconte l’histoire d’un couple de retraités qui se rend à Tokyo pour rendre visite à leurs quatre enfants adultes encore en vie. Le film d’Ozu, qui maintient un rythme lent et une caméra qui ne bouge presque jamais, explore l’influence immédiate du monde occidental sur le Japon dans les années qui ont suivi la Seconde Guerre mondiale et l’aliénation universelle des parents par rapport à leur progéniture grandissante. Bien qu’il ne s’agisse pas d’une comédie, son doux sens de l’humour révèle la beauté resplendissante que l’on trouve dans la vie quotidienne de la classe moyenne inférieure.
17. l’horreur de Dracula (1958)
(Crédit photo : Universal)
Des années après que les monstres d’Universal se soient retirés dans l’ombre, le studio britannique Hammer a inauguré sa propre ère en commençant par Dracula (connu aux États-Unis sous le nom de Horror of Dracula) avec Sir Christopher Lee dans le rôle du vampire emblématique. Contrairement à l’interprétation iconique mais caricaturale de Bela Lugosi dans le rôle du comte de Transylvanie, Lee incarne une version plus séduisante qui met en lumière l’érotisme inhérent aux vampires et leur penchant pour les morsures au cou et les saignées. (D’ailleurs, la version de Lee introduit également une double dentition, que Lugosi n’avait pas dans son film de 1931). Lee a joué Dracula dans de nombreux autres films par la suite, mais son premier film de 1958 reste le plus important.
16. d’ici à l’éternité (1953)
(Crédit photo : Columbia)
Dans cette épopée romantique et sombre réalisée par Fred Zinnemann en 1953, des soldats américains stationnés à Hawaï connaissent leur destin dans les jours qui précèdent l’attaque de Pearl Harbour. Bien que la distribution comprenne Frank Sinatra, Burt Lancaster, Deborah Kerr et Donna Reed, c’est Montgomery Clift qui incarne le film dans le rôle du soldat Robert E. Lee « Prew » Prewitt, un soldat dévoué et un joueur de clairon talentueux qui refuse d’accéder aux souhaits de son capitaine de le voir remporter des championnats de boxe. Tous les acteurs présents, des icônes de la dernière partie de l’âge d’or hollywoodien, sont en pleine forme dans le rôle de personnes condamnées dont la vie va changer à jamais. Montgomery Clift était célèbre pour sa résistance à jouer de nombreux rôles, mais From Here to Eternity est facilement l’un de ses meilleurs.
15. Le Trône de sang (1957)
(Crédit photo : Toho)
La passionnante relecture de Macbeth de Shakespeare par Akira Kurosawa met en vedette l’indélébile Toshiro Mifune, dans le rôle d’un samouraï analogue à Macbeth qui apprend d’un esprit maléfique de la forêt son avenir imminent en tant que seigneur de château. Fusion culturelle de motifs shakespeariens et de techniques de mise en scène du théâtre japonais Noh, Throne of Blood est un cauchemar envoûtant où le pouvoir est facile à obtenir, mais où la force de s’y accrocher coûte cher. A la fois thriller politique et film d’horreur, Trône de sang est un film impressionnant qui mérite l’immortalité sous une pluie de flèches.
14. 12 hommes en colère (1954)
(Crédit photo : United Artists)
Pratiquement chaque génération a sa version de 12 hommes en colère. Mais en 1957, le réalisateur Sidney Lumet a porté à l’écran une production inoubliable avec une distribution comprenant Martin Balsam, John Fielder, Lee J. Cobb, Jack Klugman, Henry Fonda et bien d’autres. Basé sur la pièce de Reginald Rose de 1954, 12 hommes en colère met en scène les désaccords d’un jury qui délibère fébrilement sur la condamnation ou l’acquittement d’un adolescent accusé de meurtre. Pratiquement tous les drames judiciaires qui ont suivi ont pris exemple sur 12 hommes en colère, qui concentre tous ses drames dans une seule salle de délibération, mais ne se sent jamais enfermé.
13. Ben-Hur (1959)
(Crédit photo : MGM)
Les Dix Commandements n’a pas été la seule superproduction religieuse des années 1950. En 1959, Charlton Heston a tenu le rôle-titre de l’épopée primée de William Wyler, d’une ampleur incommensurable. Des centaines d’artisans ont travaillé en coulisses, dont 100 costumiers, 200 artistes, 10 000 figurants, 200 chameaux et 2 500 chevaux, tous nécessaires pour repousser les limites du nouveau format d’écran large de l’époque. Mais là où Ben-Hur réussit inexplicablement, c’est qu’il raconte toujours l’histoire de Judah Ben-Hur, le héros du roman de Lew Wallace paru en 1880, qui raconte l’histoire d’un prince juif réduit en esclavage par les Romains et qui, plus tard, rencontre le seul et unique Jésus-Christ. Même les suites des franchises actuelles, qui coûtent très cher, sont loin d’égaler la majesté de Ben-Hur.
12. Un tramway nommé désir (1951)
(Crédit photo : Warner Bros.)
Basée sur la pièce de théâtre de Tennesee Williams, lauréate du prix Pulitzer, qui met en scène des relations toxiques, l’adaptation d’Elia Kazan met en vedette Vivien Leigh, Kim Hunter et, bien sûr, Marlon Brando. La belle Blanche (Vivian Leigh) quitte le Mississippi pour vivre avec sa sœur dans un appartement délabré de la Nouvelle-Orléans. Bien que le matériel sur lequel il est basé soit lui-même un classique vénéré dans lequel les meilleurs acteurs peuvent se faire les dents, la version cinématographique de Kazan est une véritable force dans la façon dont elle capture certains des plus grands acteurs qu’Hollywood ait jamais vus à leur meilleur niveau.
11. Les sentiers de la gloire (1957)
(Crédit photo : United Artists)
Dans les conversations sur Stanley Kubrick, son film de guerre Paths to Glory (1957) est souvent négligé ; ses autres chefs-d’œuvre comme 2001 : L’Odyssée de l’espace, Orange mécanique, The Shining, Full Metal Jacket et Eyes Wide Shut retiennent généralement l’attention. Mais c’est dans son quatrième film que Kubrick a fait montre de ses compétences inhabituelles mais incisives en tant que maître de l’image. Les Sentiers de la gloire, qui se déroule en France pendant la Première Guerre mondiale, met en scène Kirk Douglas dans le rôle d’un commandant qui refuse d’aller de l’avant dans ce qui est essentiellement une attaque suicidaire et qui, par la suite, conteste les accusations de lâcheté qui pèsent sur lui devant une cour martiale. Kubrick n’avait que 29 ans lorsqu’il a réalisé Les Sentiers de la gloire, et le buzz autour de sa réalisation impeccable l’a suivi pendant des années, même après sa mort en 1999.
10. Hiroshima mon amour (1959)
(Crédit photo : Rialto Pictures)
Si un rêve érotique pouvait être un film, il ressemblerait à Hiroshima mon amour. Dans cette coproduction entre la France et le Japon, le réalisateur Alain Resnais plonge brusquement le public dans l’intimité d’un Japonais (Eiji Okada) et d’une Française (Emmanuelle Riva), dont les corps sont couverts à la fois de sueur et de cendres. Le film se déroule de manière non linéaire, racontant la brève romance de ces deux étrangers dans un Japon d’après-guerre fraîchement hanté par la dévastation nucléaire. Cette histoire d’amour impossible et cette méditation sur les traumatismes internationaux ont contribué à catapulter la Nouvelle Vague française auprès du public mondial.
9. la guerre des mondes (1953)
(Crédit photo : Paramount)
Basée sur le roman de H.G. Wells de 1898, la version cinématographique de Byron Haskin de 1953 voit la Californie du Sud contemporaine comme la frontière d’une invasion par les forces martiennes. Avec la légendaire émission radiophonique d’Orson Welles encore présente dans l’esprit du public à sa sortie, La Guerre des mondes tire parti du cinéma en tant que support visuel avec le contraste remarquable entre l’artillerie primitive de l’armée américaine et la technologie élégante et extraterrestre de la planète Mars. Un film innovant en termes d’effets spéciaux, mais immortel en tant qu’histoire poignante mettant en garde les humains contre le fait qu’ils ne sont jamais trop sûrs d’être l’espèce la plus intelligente.
8. high noon (1952)
(Crédit photo : United Artists)
Réalisé par Fred Zinneman, le classique western High Noon se déroule en temps réel et suit un marshal de la ville (Gary Cooper) qui doit choisir entre affronter seul une bande de voyous ou s’enfuir avec sa femme (Grace Kelly). Avec sa distillation puissante de l’héroïsme de l’Ouest qui se résume à un homme seul contre une horde maléfique, High Noon a contribué à réimaginer et à revitaliser les westerns pour les années à venir. Personne ne sera surpris d’apprendre que de nombreux présidents américains ont exprimé leur admiration pour High Noon, notamment Dwight Eisenhower, Ronald Reagan et Bill Clinton.
7. sur les quais (1954)
(Crédit photo : Columbia)
Inspiré d’une série d’articles de Malcolm Johnson pour le New York Sun, récompensés par un prix Pulitzer, On the Waterfront réunit la réalisatrice Eliza Kazan et Marlon Brando dans un drame brûlant sur la criminalité et la corruption sur les quais de Hoboken, dans le New Jersey. Brando joue le rôle de Terry Malloy, un ancien boxeur qui a intentionnellement organisé un combat à la demande d’un chef de la mafia. Travaillant désormais comme débardeur, Terry est horrifié lorsqu’il est contraint au silence après avoir été témoin du meurtre d’un collègue docker. On the Waterfront est l’un des nombreux films du début des années 50 à avoir utilisé sa narration pour condamner le maccarthysme, mais son histoire résonne au-delà de cette époque comme un portrait de l’impuissance face à l’adversité.
6. les sept samouraïs (1954)
(Crédit photo : Toho)
Le classique épique d’Akira Kurosawa sur les samouraïs qui s’unissent pour défendre un village vulnérable, gratuitement, inspire et excite même après toutes ces années. Avec une distribution d’ensemble menée par Takashi Shimura, Yoshio Inaba, Daisuke Kato, Seiji Miyaguchi et Toshiro Mifune, le récit de Kurosawa a donné naissance à son propre sous-genre d’hommes turbulents qui s’unissent pour une noble cause plutôt que pour des poursuites égoïstes. Il y a eu non seulement des remakes directs, comme The Magnificent Seven en 1960 (qui a réimaginé le film comme un western de cow-boys), mais aussi des hommages spirituels dans des films comme The Dirty Dozen, Saving Private Ryan, The Expendables, The Avengers, Justice League, et dans toute la franchise Star Wars.
5. le Nord-Ouest (1959)
(Crédit photo : MGM)
Alfred Hitchcock a clôturé les années 1950 avec son thriller d’espionnage North by Northwest, un film géant et durable. Avec Cary Grant et Eva Marie Saint, le film raconte l’histoire d’un homme innocent (Cary Grant) qui fuit à travers les États-Unis pour échapper à de mystérieux agents qui croient qu’il fait de la contrebande de secrets gouvernementaux. En 1959, Hitchcock était déjà un artiste célèbre, mais avec North by Northwest, il a fermement cimenté son génie dans un film qui est à la fois suspense et ludique.
4. Fenêtre sur cour (1954)
(Crédit photo : Paramount)
Dans ce mystère urbain captivant, un photographe qui se remet d’une jambe cassée (James Stewart) soupçonne son voisin d’en face d’avoir assassiné quelqu’un. Avec l’aide de sa petite amie mondaine (Grace Kelly) et de son infirmière (Thelma Ritter), Jeff, le personnage de Stewart, cherche à obtenir justice sans perdre la raison. Même à l’époque moderne, où nos fils d’actualité utilisent pleinement le POV et où les caméras de nos smartphones ont fait de nous des photographes amateurs, le film d’Hitchcock montre la puissance dramatique d’une perspective limitée.
3. Umberto D. (1952)
(Crédit photo : Rialto Pictures)
Dans ce classique néoréaliste du cinéaste italien Vittorio De Sica, un vieil homme pauvre de Rome fait tout ce qu’il peut pour survivre avec son chien. Le film a été impopulaire auprès du public italien lors de sa sortie, étant donné que l’Italie dans son ensemble était en plein redressement après la guerre et qu’un homme frêle mendiant dans les rues n’était pas très flatteur pour son image. Mais les spectateurs du monde entier ont appris à admirer Umberto D. comme une histoire déchirante où la gentillesse a été érodée par la modernité. Classique du cinéma mondial, Umberto D. a peu à offrir mais beaucoup à donner.
2) Kiss Me Deadly (1955)
(Crédit photo : United Artists)
Si vous pensez que les années 1950 étaient bien rangées, bien élevées et pleines de valeurs saines, contemplez la noirceur de Kiss Me Deadly. L’adaptation cinématographique de Robert Aldrich du roman de Mickey Sillane raconte l’histoire d’un détective, Mike Hammer (Ralph Meeker), qui prend en stop une femme (Maxine Cooper), donnant ainsi le coup d’envoi d’une nuit terrible et inoubliable. Salué comme un précurseur de la Nouvelle Vague française et considéré comme une métaphore de la guerre froide, Kiss Me Deadly a influencé les géants les plus vénérés du cinéma, notamment François Truffaut, Jean-Luc Godard et Quentin Tarantino. Il s’agit tout simplement d’une œuvre gigantesque.
1) Vertigo
(Crédit photo : Paramount)
Le thriller psychologique Vertigo d’Alfred Hitchock, sorti en 1958, figure régulièrement sur de nombreuses listes de best-of. En 2012, il a notamment détrôné Citizen Kane de la place convoitée de numéro un dans The Sight & ; Sound Greatest Films of All Time (Les plus grands films de tous les temps). Ce n’est pas sans raison qu’il est salué comme tel. James Stewart incarne John « Scottie » Ferguson, un détective à la retraite qui a renoncé à son insigne après avoir contracté l’acrophobie, la peur des hauteurs. Mais lorsque Scottie est engagé par une connaissance pour suivre sa femme, Madeleine (Kim Novak), il doit affronter ses peurs. Avec sa préoccupation pour l’obsession psychologique, Vertigo sépare étroitement la différence entre le divertissement émeutier et le style cérébral de l’art et essai, brouillant parfois les deux d’une manière que seul Alfred Hitchcock a jamais su faire. Même si vous ne pensez pas qu’il s’agit du « plus grand film de tous les temps », c’est sans aucun doute l’un des meilleurs de sa décennie.