Parfois, vous n’avez même pas besoin de voir la bande-annonce pour savoir de quoi parle un film. Parfois, il suffit de regarder l’affiche.
Issue du vaudeville et de la publicité pour les fêtes foraines, l’histoire des affiches de cinéma remonte à environ 1890. C’est à cette époque que le court métrage francophone de Jules Cheret, Projections Aristiques, s’est annoncé par une illustration en noir et blanc d’une jeune fille brandissant l’affiche indiquant aux observateurs où et quand voir le film. (C’était, bien sûr, bien avant l’époque de la distribution de masse des films).
Quelques années plus tard, en 1895, l’affiche du film muet L’Arroseur Arrose (en anglais, The Waterer Watered) est la première à donner un aperçu du contenu du film lui-même, alors que les affiches précédentes se contentaient de promouvoir la nouveauté technologique ou la qualité des enregistrements. L’Arroseur Arrose a été le premier à évoquer l’histoire, celle d’un jardinier victime d’une mésaventure amusante. À partir de là, le reste n’est qu’une longue histoire (vous comprenez ?).
Tout au long du XXe siècle, l’ascension fulgurante des studios hollywoodiens a conduit les services marketing à embaucher des illustrateurs de magazines et de romans de poche pour dessiner les affiches des sorties en salle. Au XXIe siècle, des artistes dévoués utilisent désormais toute une série d’outils numériques pour créer des affiches qui sont parfois tout aussi mémorables que les œuvres d’art dessinées à la main. Pour célébrer l’histoire des affiches de cinéma, voici 32 des affiches les plus emblématiques de tous les temps.
32. M. et Mme Smith (2005)
(Crédit photo : 20th Century Studios)
Depuis la sortie de ce film sur les « Brangelina » en 2005, les fiancés du monde entier ont imité cette affiche à la fois grivoise et drôle, qui met en scène Brad Pitt et Angelina Jolie (eux-mêmes mariés dans la vraie vie), pour leurs invitations de mariage. Si l’image d’un mari et d’une femme chargés de s’entretuer peut être gênante pour les jeunes mariés, le fait de recevoir l’une de ces affiches par la poste vous permet de connaître le sens de l’humour des futurs mariés.
31. Massacre à la tronçonneuse (1974)
(Crédit photo : Bryanston Distributing Company)
« Qui survivra et que restera-t-il d’eux ? » demande l’affiche de ce classique de l’horreur en gros caractères noirs. Entre cette question rhétorique frappante et une illustration très réaliste de Leatherface actionnant une tronçonneuse devant une fille ligotée appelant à l’aide – le tout encadré stratégiquement pour laisser votre propre imagination remplir les blancs – vous obtenez une affiche profondément troublante pour l’un des plus grands films de tous les temps.
30. Fear and Loathing in Las Vegas (1998)
(Crédit photo : Universal)
La comédie surréaliste de Terry Gilliam, adaptation du pseudo-mémoire de Hunter S. Thompson sur un voyage de travail à Las Vegas, a fait l’effet d’une bombe dans les salles de cinéma lors de sa sortie en 1998. Mais comme le film est devenu culte, les étudiants de tous horizons ont adopté l’affiche psychédélique du film pour leur chambre de dortoir, probablement pour commémorer sa représentation d’une défonce maniaque alors qu’ils essayaient eux-mêmes de s’en procurer de bonnes. Entre le cou de Johnny Depp en forme de serpent qui s’évapore de son corps et les néons de Las Vegas qui bombardent ses lunettes de soleil, l’affiche de Fear and Loathing in Las Vegas est une œuvre d’art à part entière. Il faut dire que le film est lui aussi génial.
29. l’attaque de la femme de 50 pieds (1958)
(Crédit photo : Monogram Pictures)
C’est l’une de ces affiches qui sont plus emblématiques que le film lui-même. Le film de science-fiction de Nathan Hertz raconte l’histoire d’une riche héritière – interprétée par Allison Hayes – qui est transformée en géante après une rencontre avec un extraterrestre. Si le titre ne suffit pas à communiquer le sujet du film, l’immortelle affiche de Reynold Brown le fait, avec sa magnifique représentation de Hayes dans un deux-pièces en train de semer le désordre sur un pont de la ville. Fouillez dans une étagère d’affiches de films d’époque et vous trouverez certainement celle-ci.
En 2016, la comédienne Ali Wong a parodié cette affiche pour sa célèbre émission spéciale de Netflix, Baby Cobra. En 2023, Taylor Swift a rendu hommage au film lors de sa tournée Eras Tour, où on la voit détruire une ville dans un affichage vidéo en arrière-plan pendant son interprétation de « Anti-Hero ».
28. le bonhomme de neige (2017)
(Crédit d’image : Universal)
Nous admettons que celui-ci est ici en raison des nombreux mèmes qu’il a inspirés. Mais indépendamment d’un sens de l’humour ironique, il y a en fait quelque chose de glaçant (ha-ha) dans cette affiche pour The Snowman, un thriller d’horreur impopulaire sur un tueur en série qui laisse derrière lui des bonshommes de neige sur ses propres scènes de crime. Composée d’un dessin grossier d’un bonhomme de neige et du message désespéré d’un enfant aux policiers qui n’ont pas sauvé sa mère, qui dit « MISTER POLICE YOU COULD HAVE SAVED HER I GAVE YOU ALL THE CLUES » en crayon bleu, l’affiche de The Snowman est plus troublante que tout ce qui est contenu dans le film.
L’ambiance simple mais angoissante de l’affiche de The Snowman a en fait été créée plus de dix ans auparavant. En 2007, le film d’horreur The Invasion, dirigé par Nicole Kidman, avait sa propre affiche reproduisant le message d’une mère à ses enfants, avec les mots « DON’T SLEEP, DON’T GO HOME, I’LL FIND YOU, MOM » (Ne dormez pas, ne rentrez pas chez vous, je vous retrouverai, maman) écrits à l’encre.
27 Parasite (2019)
(Crédit d’image : NEON)
L’affiche américaine de la satire coréenne oscarisée Parasite est l’une de ces affiches devenues iconiques presque dès sa sortie. L’affiche de Parasite communique très bien l’intrigue de base du film et les thèmes généraux sur l’identité et la classe, sans même vous montrer qui en fait partie.
26. la vierge de 40 ans (2005)
(Crédit photo : Universal)
2005 a été une année charnière pour la comédie, et plus particulièrement pour l’acteur Steve Carrell, nommé aux Oscars et aux Emmy Awards. C’est la même année que la sitcom drolatique The Office a été diffusée pour la première fois sur NBC, avec Carrell dans le rôle du manager malchanceux Michael Scott. La série n’a pas connu un succès immédiat, mais elle a explosé après le succès de The 40-Year-Old Virgin de Judd Apatow, qui mettait également en scène Carrell dans le rôle d’une vierge d’âge moyen, gentille mais solitaire, dont les amis l’aident à s’amuser comme il se doit.
Parce que Carrell n’était pas encore une entité connue lorsque The 40-year-Old Virgin est sorti en salles, son affiche est en fait géniale. Elle présente un portrait agrandi de Carrell dans un polo bleu bébé, sur un fond orange qui demande toute votre attention. Est-ce un sale type ? Ou est-ce juste un gars qui n’a pas de chance ? Si l’on ajoute à cela le titre hilarant du film, on obtient une affiche parfaite et hilarante, même si elle n’est pas une œuvre d’art.
25. Superman (1978) et Batman (1989)
(Crédit photo : Warner Bros.)
Il est tout à fait approprié que les deux plus grandes icônes de super-héros de DC Comics aient des affiches quelque peu similaires. L’affiche de Superman a été la première, avec son logo « S » familier, dessiné dans un blanc argenté, placé juste en dessous du cadre central d’un ciel pittoresque avec une traînée rouge, bleue et jaune – peut-être s’agit-il de Superman lui-même qui passe comme une balle à toute vitesse. Réalisé par Richard Donner, le film dirigé par Christopher Reeve a connu un grand succès et a été le premier à prouver que les super-héros avaient leur place sur le grand écran. Après tout, nous croyions enfin qu’un homme pouvait voler.
Quelque 11 ans plus tard, l’affiche de Batman, de Tim Burton, s’inscrit dans la même veine, mais d’une manière propre à Batman. Il n’y avait que le logo de Batman, agrandi pour être coupé sur les côtés gauche et droit. La fin des années 80 a été une période de prospérité économique folle, ce qui a permis au logo noir et or de Batman de s’adapter à l’époque en tant que film sur un milliardaire insaisissable menant une double vie. Alors que la grande majorité des superproductions de super-héros imitent mal le style emblématique des « têtes flottantes » de Drew Struzan, il y a toujours un tentpole occasionnel de super-héros qui arrive – comme The Avengers ou Blue Beetle – et qui émule la simplicité de ce que Batman et Superman ont si bien fait.
24. Apocalypse Now (1979)
(Crédit photo : MGM)
La descente cauchemardesque de Francis Ford Coppola dans la guerre du Viêt Nam a quelques affiches emblématiques à son actif. Mais l’affiche originale, qui présente les visages terrifiants et moites de Marlon Brando et Charlie Sheen au-dessus du pont Do Lung, reste inégalée. Thriller psychologique déguisé en film de guerre, Coppola lui-même s’est efforcé de donner vie à Apocalypse Now tout au long d’une production très perturbée. Mais une grande partie du film reste une œuvre emblématique, tout comme son inoubliable affiche illustrée par Bob Peak.
23. l’avion ! (1980)
(Crédit photo : Paramount)
La comédie emblématique coréalisée par Jim Abrahams et les frères Zucker avait une affiche tout aussi mémorable que des répliques comme « Et ne m’appelez pas Shirley », avec une illustration de Robert Grossman d’un avion volant dans le ciel, impossiblement tordu en nœuds, communiquant astucieusement l’humour surréaliste à rebondissements qui attend tous ceux qui montent à bord de ce vol.
22. le réseau social (2010)
(Crédit photo : Sony Pictures Releasing)
Le drame de David Fincher sur la création de Facebook est l’un des films les plus prémonitoires du 21e siècle, et son affiche était à la fois intelligente et prémonitoire de l’influence de la technologie sur la décennie à venir. À l’extrême droite se trouve l’interface utilisateur bleu marine de Facebook, mais au centre se trouve un portrait agrandi de Jesse Eisenberg (dans le rôle de Mark Zuckerberg) avec les mots « YOU DON’T GET TO 500 MILLION FRIENDS WITHOUT MAKING A FEW ENEMIES » (Vous n’arrivez pas à 500 millions d’amis sans vous faire quelques ennemis) imprimés directement sur lui. Tout cela illustre l’histoire de la création de Facebook, qui a rapporté des milliards de dollars : comment l’homme qui s’est fait des amis dans le monde entier a perdu les siens.
21. Planète interdite (1956)
(Crédit photo : MGM)
Pour ce classique de la science-fiction avec Leslie Nielsen et Anne Francis, l’artiste Roger Soubie a reproduit l’esthétique des livres de poche et des bandes dessinées de l’âge d’argent. Dans son illustration caractéristique du milieu du siècle, Robby le robot porte dans ses bras le corps svelte de la belle extraterrestre Alta (Francis), devant un décor nettement extraterrestre. Planète interdite, ainsi que son incroyable affiche, reste l’incarnation de la science-fiction telle qu’elle était avant qu’elle ne change à jamais avec Star Wars.
20. Petit déjeuner chez Tiffany (1961)
(Crédit photo : Paramount)
Pour sa toute première affiche de film, l’illustrateur de livres de poche Robert E. McGinnis a fait d’Audrey Hepburn la définition même du chic des années 1960 avec son affiche emblématique de Breakfast at Tiffany’s, un classique de la comédie romantique. Oubliez le couple qui s’embrasse là-bas. C’est le fond blanc entouré de barres orange, violettes et rouges qui permet à Hepburn d’être élégamment magnifique dans sa robe noire ajustée et ses bijoux argentés ostentatoires. Pour un débutant, McGinnis a frappé un grand coup, et il n’est donc pas étonnant qu’il ait réalisé par la suite plus de 40 autres affiches pour des films.
19. Halloween (1978)
(Crédit photo : Compass International Pictures)
Le film Halloween de John Carpenter possède l’une de ces affiches qui ne fait que s’améliorer au fur et à mesure qu’on la regarde. Illustrée par Bob Gleason, l’affiche ne représente pas Michael Myers mais une illusion d’optique d’une citrouille en forme de lanterne qui fait doublement office de couteau de cuisine. C’est une illustration de génie qui ne pourrait jamais se produire aujourd’hui, où la priorité est donnée à l’image de marque.
Lorsque Bob Gleason a réalisé une nouvelle affiche pour la suite d’Halloween Ends (2022), il s’est souvenu de l’expérience qu’il avait vécue en réalisant l’affiche originale pour Fangoria. « C’était mon idée originale », a déclaré Bob Gleason. « Je travaillais avec B.D. Fox and Friends, une société de design spécialisée dans les affiches de films, je leur ai montré un croquis et je leur ai expliqué ce que je voulais faire. Je veux avoir le couteau, et je veux montrer le motif en écho et que ce soit un jack-o’-lantern en même temps. »
L’entreprise a d’abord « rejeté » l’idée de M. Gleason avant de l’accepter. Gleason a livré le travail final quelques jours plus tard. « Je pense que c’est parce que le film est tellement emblématique et que l’image est simple mais puissante. Cela a vraiment fonctionné. Je pensais que c’était une très bonne idée, et c’est ce qui s’est passé.
18. Orange mécanique (1971)
(Crédit photo : Warner Bros.)
Si certaines affiches de films ont plus de sens à mesure qu’on les regarde, l’affiche de Philip Castle pour le film de Stanley Kubrick, Orange mécanique, a moins de sens à mesure qu’on l’inspecte. Au premier coup d’œil, on comprend les grandes lignes : il s’agit de Malcolm McDowell, dans le rôle de son anti-héros Alex, portant son chapeau melon caractéristique et brandissant ce qui semble être un couteau. Mais regardez de plus près. Il regarde à travers une pyramide abstraite noire et orange, et il y a une statue de femme blanc argenté en dessous de lui. Il y a aussi un globe oculaire, qui évoque le moment déchirant du film où Alex est torturé pour faire de la propagande nazie.
Illustré par Philip Castle en étroite collaboration avec Kubrick, Castle a travaillé à partir des notes que lui avait données Kubrick, dont la principale exigence était que l’affiche comprenne le chapeau melon. Dans une interview accordée en 2014 à Design Curial, Castle a déclaré : « Lorsque je lui rendais visite, j’aimais lui présenter les dessins et en discuter. C’était une grande affaire pour moi et je ne voulais pas la gâcher… Ce travail peut être très ennuyeux. Les meilleurs moments sont ceux où l’on obtient le travail en premier lieu ; le dessiner est formidable, et le terminer est formidable, mais le processus entre les deux est long et laborieux. »
17. retour vers le futur (1985)
(Crédit photo : Universal)
Des décennies avant que les superproductions n’adoptent toutes des teintes bleu-orange pour leurs affiches, l’énergique classique Retour vers le futur de Robert Zemeckis, réalisé au milieu des années 80, l’a fait et l’a bien fait. Son affiche emblématique est l’œuvre du géant de l’industrie Drew Struzan, connu pour ses têtes flottantes, ses reproductions de décors et ses illustrations réalistes ; son travail pourrait à lui seul inspirer sa propre liste.
Pour Retour vers le futur, cependant, Struzan a adopté une approche légèrement différente : Michael J. Fox, dans le rôle de Marty McFly, se tient à côté de la DeLorean dans une pose recréée par tous ceux qui se déguisent en personnages du film pour Halloween. Même si les proportions de Marty et de la DeLorean ne sont pas tout à fait exactes, on ne peut nier le caractère intemporel de cette œuvre.
16. le Graduate (1967)
(Crédit photo : Embassy Pictures)
Le plus souvent, les meilleures affiches de film sont des illustrations dessinées à la main. Mais parfois, une grande affiche peut utiliser une photographie et s’imprimer dans la conscience collective. C’est le cas de The Graduate de Mike Nichols, une comédie romantique classique de 1967 qui raconte l’histoire d’un étudiant diplômé sans but (Dustin Hoffman) qui entame une liaison avec une femme plus âgée, Mme Robinson (jouée par Anne Bancroft), tout en tombant amoureux de la fille de cette dernière.
Le film est un classique, mais l’affiche est un classique, même si elle n’est pas tout à fait fidèle à ce que l’on voit dans le film. (Il y a toutes sortes de différences dans la façon dont la jambe de Bancroft est placée visuellement par rapport à Hoffman qui se tient devant elle). Il s’agit d’un film sur la tension interdite entre deux personnes qui ne devraient peut-être pas se rencontrer, même si elles savent qu’elles le feront.
15. Autant en emporte le vent (1939)
(Crédit photo : MGM)
Autant en emporte le vent, le drame romantique épique de Victor Fleming qui se déroule pendant la guerre de Sécession, est sorti pour la première fois en 1939 et a été réédité par la MGM en 1967, ce qui a donné lieu à l’une des rééditions les plus réussies de tous les temps. La réédition de 1967 était accompagnée d’une toute nouvelle affiche réalisée par le dessinateur de magazines Howard Terpning, qui devint par la suite un illustrateur d’art représentant principalement des paysages de l’Ouest américain et des Indiens des plaines. Pour Autant en emporte le vent, Terpning fait monter la température entre les stars Clark Gable et Vivian Leigh, cette dernière étant bercée dans les bras de Gable et entourée de flammes orange. Il ne s’agit peut-être pas de l’affiche originale, mais l’œuvre de Terpning est sans aucun doute celle dont les gens se souviennent le plus.
14. le silence des agneaux (1992) et Scream (1996)
(Crédit photo : Orion Pictures, Miramax)
Le Silence des agneaux et Scream sont deux films d’horreur différents, réalisés par deux réalisateurs différents – Jonathan Demme et Wes Craven respectivement – et pourtant ils partagent tous deux des affiches visuellement similaires qui utilisent des motifs frappants : des visages fantomatiques d’un blanc immaculé.
Pour Le silence des agneaux, le visage de Jodie Foster apparaît en blanc très contrasté (avec une teinte bleutée), avec un papillon de nuit orange sur la bouche. Ce papillon de nuit est connu sous le nom de papillon de la tête de mort, ainsi nommé parce que l’espèce a un motif en forme de crâne sur le dos. Ce qui échappe à la plupart des gens, c’est que le « crâne » de la mite est en fait composé de corps de femmes (et qu’il est en fait l’œuvre de Salvador Dali et de Philippe Halsman, qui ont utilisé leur photographie « In Voluptas Mors »). Cela évoque évidemment le tueur en série Buffalo Bill, qui s’en prend aux femmes.
Scream, quant à lui, utilise des visages blancs très contrastés, mais avec des effets différents. L’affiche de Scream met en scène Drew Barrymore, qui n’est pas forcément reconnaissable en raison de la lourdeur du montage et des gros plans. Il s’agit tout de même de Barrymore, ce qui laisse penser qu’elle est le personnage principal du film jusqu’à ce qu’elle soit (spoilers !) tuée très tôt, ce qui était un choix intentionnel pour que le public ne puisse pas deviner la suite de l’histoire. Il n’y a pas de détails supplémentaires dans l’affiche comme dans Le silence des agneaux, mais les deux affiches sont du genre que vous ne voulez peut-être pas voir de l’autre côté d’une pièce sombre la nuit.
13. American Beauty (1999)
(Crédit photo : DreamWorks)
Vous pensez peut-être qu’il s’agit de la main et du ventre de Mena Suvari, la star d’American Beauty, sur l’affiche suggestive et emblématique du célèbre drame de Sam Mendes (qui raconte, entre autres, l’histoire d’un vendeur qui commence à tomber amoureux de l’amie de sa fille adolescente). Mais parce qu’Hollywood est un endroit stupide et compliqué, l’affiche est en fait composée de deux autres femmes : Chloe Hunter (ventre) et Christina Hendricks (main), la future star de Mad Men.
Dans une interview accordée en 2021 au Rich Eisen Show, Christina Hendricks s’est souvenue du contrat pour l’affiche d’American Beauty : « J’étais mannequin, et l’un des contrats que j’ai obtenus consistait à photographier une affiche de film. Je n’avais aucune idée du film. Il y avait deux mannequins, moi et une autre. Nous avons fait différentes versions de sa main et de son ventre, de mon ventre et de sa main, de ma main et des deux. Ma main est entrée et son ventre est entré.
Rappelant qu’il s’agissait d’un très petit spectacle modestement rémunéré, elle était tout de même « ravie d’avoir un travail ».
Elle a ajouté : « Je ne savais pas ce qu’allait être American Beauty, puis j’ai fini par le voir et je me suis dit : « Hé, c’est ma main ! » ».
13. Blade Runner (1982)
(Crédit photo : Warner Bros. Pictures)
Alors qu’il concevait l’affiche du classique de science-fiction de Ridley Scott, le regretté John Alvin a eu un petit problème. Littéralement. La seule photo de référence dont il disposait de Harrison Ford dans son costume complet (Deckard) était de la taille d’un timbre-poste. Selon le site officiel d’Alvin, ce dernier a dû utiliser une loupe pour voir clairement la photo.
Pour créer l’affiche désormais emblématique de Blade Runner, Alvin s’est donc référé aux compositions des films noirs de l’âge d’or (avec des films comme Out of the Past et This Gun for Hire) ; le fait que Blade Runner soit spirituellement un film noir a également contribué à lui donner l’ADN de ce type de langage visuel.
Alvin a également suggéré à Ridley Scott que l’affiche mette l’accent sur l’architecture cyberpunk imaginative que le film présente en abondance, ce qui a plu à Scott. Le résultat est une affiche de film emblématique qui rappelle le Hollywood classique tout en promettant quelque chose de totalement nouveau et excitant, ce qui était exactement ce que Blade Runner était et est toujours.
12. E.T. L’extra-terrestre (1982)
(Crédit photo : Universal)
Avant sa mort en 2008, John Alvin était un géant de l’industrie dont le talent pour les affiches a permis de transformer des films apparemment difficiles à vendre en superproductions. Outre les affiches de films comme Blade Runner et de films de Disney comme Aladin et La Petite Sirène, Alvin a travaillé avec Steven Spielberg sur le classique familial du réalisateur, E.T. : l’extra-terrestre.
Tout comme pour Blade Runner, l’affiche emblématique d’E.T. touchant la main d’Elliot (joué par l’acteur Henry Thomas) est née d’une nécessité. Les réalisateurs étaient réticents à laisser voir le design final de l’extraterrestre, et n’ont donc envoyé à John Alvin qu’une main verte en caoutchouc pour qu’il s’y réfère.
D’abord déconcerté par le manque de soutien – et qualifiant la tâche d' »impossible » selon un article de blog d’ArtInsights datant de 2022 – John Alvin a ensuite eu une idée (peut-être inspirée par « La création d’Adam » de Michaelangelo). Il en résulte une image intemporelle qui évoque la magie de l’autre monde du chef-d’œuvre de Spielberg. Et tout cela parce qu’Alvin ne savait tout simplement pas à quoi ressemblait réellement l’extraterrestre.
11. Titanic (1997)
(Crédit photo : Paramount)
Le fait qu’il s’agisse de l’un des plus grands films de tous les temps rend peut-être l’affiche iconique par association. Mais l’affiche du film Titanic de James Cameron est plutôt minimaliste par rapport au maximalisme qui caractérise souvent les films de Cameron (y compris Titanic). L’affiche présente une image délavée de Leonardo DiCaprio et Kate Winslet dans une tendre étreinte, tandis que la proue imposante du Titanic pointe vers le haut pour communiquer la taille incroyable du navire que l’on croyait insubmersible et sa chute inévitable. Le fait que la pointe du Titanic sépare subtilement DiCaprio et Winslet indique la tragédie au cœur de cette romance, qui fonctionne de concert avec son slogan inquiétant : « Nothing on Earth could come between them » (Rien sur terre ne pourrait les séparer). Oh Jack, je ne le lâcherai jamais !
10. la chose (1982)
(Crédit photo : Universal)
Un autre film de Drew Struzan, l’affiche de The Thing est techniquement un spoiler : quelqu’un dans le film devient « The Thing » à la fin. Mais qui ? Aujourd’hui encore, le film fait l’objet de spéculations effrénées sur Internet, tandis que le réalisateur John Carpenter affirme savoir exactement qui c’est et ne veut pas le dire. Néanmoins, le film perdure, tout comme son affiche, dont l’image saisissante d’un des chercheurs en tenue d’hiver arctique, surpris par une force extraterrestre malveillante et diabolique, suffit à figer n’importe qui à sa place au premier coup d’œil.
9. Jurassic Park (1993)
(Crédit photo : Universal)
Parfois, tout ce dont vous avez besoin, c’est d’un logo qui tue et d’un slogan génial. C’est le cas de Jurassic Park de Steven Spielberg. L’affiche est dépouillée, ne comportant que le logo de l’univers de Jurassic Park – lui-même une œuvre graphique incroyable, avec un squelette de tyrannosaure errant sur un fond rouge audacieux et inquiétant – et le titre d’appel très astucieux : « Une aventure de 65 millions d’années en préparation ». Pas de visages de célébrités, pas de scènes du film magnifiquement reproduites, et certainement pas d’allusion au fait que Jurassic Park présente les dinosaures les plus réalistes jamais imaginés. Pourtant, Jurassic Park prend une longueur d’avance sur la concurrence en faisant tant avec si peu.
8. Alien (1978)
(Crédit photo : 20th Century Studios)
Entre le slogan alarmant « Dans l’espace, personne ne peut vous entendre crier » et l’œuf vert suintant d’un extraterrestre qui s’ouvre, l’affiche d’Alien de Ridley Scott est une autre affiche digne de figurer au panthéon des affiches de films théoriques, même si elle ne montre pas un seul visage de l’ensemble de l’équipe du film. A une époque où les films de science-fiction comme Star Wars faisaient de l’espace le lieu de l’aventure, Alien nous a rappelé que le vaste néant de la dernière frontière est en fait solitaire – et dangereux.
7) Metropolis (1927)
(Crédit photo : Parufamet)
Le film muet de science-fiction de Fritz Lang est une réussite, mais son affiche, conçue par l’artiste allemand Heinz Shulz-Neudamm, est sans doute la quintessence du style art déco. Mettant en scène l’homme-machine (incarné dans le film par Brigitte Helm) dans un paysage urbain abstrait, l’affiche de Metropolis a brisé toutes les règles bien avant qu’elles ne soient écrites. De quoi parle Metropolis ? Qui en fait partie ? Où cela se passe-t-il et quand ? L’affiche de Metropolis ne répond à rien, mais elle promet beaucoup plus. Et le film tient ses promesses. En 2012, l’affiche faisait partie d’une collection vendue pour 1,2 million de dollars.
6. Pulp Fiction (1994)
(Crédit photo : Miramax)
Dotée de l’une des images les plus emblématiques de tous les temps, l’affiche de Pulp Fiction ne laisse rien présager d’autre que des armes à feu et une Uma Thurman fumante. La photo originale a été prise par Firooz Zahedi, un photographe célèbre qui a photographié Uma Thurman – dans le rôle de Mia Wallace – dans son studio privé en avril 1994. La propriété de la photo a fait l’objet d’une bataille juridique tendue en 2021.
Quel que soit le propriétaire de l’image, l’affiche de Pulp Fiction reste un élément incontournable des dortoirs d’université et a été apposée sur toutes sortes d’objets, des t-shirts aux tasses à café. Il n’est pas difficile de comprendre pourquoi. Entre son imitation astucieuse des livres de poche « pulp fiction » et la beauté intimidante de Thurman qui vous fixe directement, vous avez là une affiche qui incarne une époque spécifique d’Hollywood tout en étant intemporelle.
5. l’Exorciste (1973)
(Crédit photo : Universal)
Le directeur de la photographie Owen Roizman a capturé une image d’une beauté obsédante de l’acteur Max Von Sydow, dans le rôle de l’exorciste titulaire, le père Merrin, debout sous une lampe à gaz alors qu’il s’apprête à affronter un mal maléfique. Le graphiste Bill Gold a modifié l’image de Roizman pour créer l’affiche de L’Exorciste de William Friedkin, qui restitue sans peine l’atmosphère impie du film sans pour autant mettre en valeur les effets et les maquillages ingénieux (et horribles) du film.
L’Exorciste possède tout simplement l’une des meilleures affiches de film de tous les temps et s’impose comme l’une des plus terrifiantes, non pas à cause de ce qu’elle montre, mais à cause de ce qu’elle ne montre pas. Dans ce moment, c’est l’inspiration du souffle avant que les cris ne commencent.
4) Scarface (1983)
(Crédit photo : Universal)
Le monde de Scarface est-il noir et blanc ? L’éternelle affiche du film policier de Brian de Palma laisse entendre que le monde de Tony Montana (joué par Al Pacino), qui s’élève et tombe plus tard en tant que puissant baron de la drogue à Miami, fonctionne selon ce schéma binaire. Il n’y a pas de bien et de mal. Il n’y a que la force et la faiblesse, la richesse et la pauvreté, la vie et la mort. Pacino lui-même apparaît en noir et blanc, entre la lumière et l’obscurité, ce qui annonce sa lutte contre les dangers qui l’attendent sur la route du rêve américain.
3. la guerre des étoiles, style A et style C (1977)
(Crédit photo : 20th Century Studios)
L’un des films les plus influents de tous les temps pour des raisons évidentes, le film original de George Lucas, La Guerre des étoiles, ne possède pas une, mais deux affiches emblématiques. Le « Style A », réalisé pour le marché américain, a été dessiné par Tom Jung, qui s’est basé sur de nombreuses photos de référence, mais s’est contenté de tracer les grandes lignes de l’histoire, y compris le thème de base du « bien contre le mal ». C’est peut-être la raison pour laquelle Jung dessine Luke comme un super-héros, alors que sa propre sœur Lea pose comme une mégère tirée d’une bande dessinée des années 1930. La « croix » formée par le sabre de Luke et divisant le casque menaçant de Dark Vador derrière eux provient de la propre interprétation de Jung de l’histoire.
Pour le marché britannique, une deuxième affiche (« Style B ») a été réalisée par les frères Tim et Greg Hildebrandt, reprenant la composition de Jung. Une troisième affiche, « Style C », réalisée par Tom Chantrell, a adopté une approche différente. Cette affiche présente des recréations plus authentiques des personnages, même si quelqu’un a certainement pinaillé sur l’imprécision du sabre laser de Vador.
Les affiches A et C sont toutes deux devenues des éléments iconographiques mémorables du vaste empire de Star Wars et ont inspiré d’innombrables imitations, parodies et hommages. Chaque pièce est une œuvre d’art à part entière, qui contribue à la grandeur d’une galaxie lointaine, très lointaine.
2. le Parrain (1972)
(Crédit photo : Paramount)
On pourrait dire que l’affiche du Parrain est la plus paresseuse de tous les temps. L’équipe marketing du film de Francis Ford Coppola a simplement recyclé la couverture du roman original de Mario Puzo, illustré par S. Neil Fujita, avec son dessin abstrait d’une main tenant les fils d’une marionnette. (Parce que le film traite du pouvoir et du contrôle au sein de la mafia italienne, voyez-vous). Mais il s’agissait tout de même d’un coup de génie, car la relecture fidèle et captivante du roman de Puzo par Coppola signifiait que le symbolisme était toujours pertinent et élégant. Il s’agit aujourd’hui d’une œuvre emblématique du cinéma et, rétrospectivement, d’une offre qui ne pouvait être refusée.
1. les dents de la mer (1975)
(Crédit photo : Universal)
Comment communiquer la terreur des profondeurs ? Les Dents de la mer, monumental film d’horreur de Steven Spielberg, a inspiré à des générations de cinéphiles la peur de s’éloigner de la sécurité. Son affiche, réalisée par Roger Kastel, est tout aussi emblématique que son texte (« We’re gonna need a bigger boat »), avec une image monstrueusement réaliste du requin tapi sous un nageur des plus vulnérables. Bien que l’affiche ait fait l’objet de nombreuses parodies – nous en avons tous vu une réimaginée avec des chats, j’en suis certain -, elle reste invaincue dans sa place au sommet de la hiérarchie.