Les 32 plus grands personnages de films des années 60

Les années 1960, c’est bien plus que des hippies groovy, des rockers progressistes et des fashionistas modernes. En ce qui concerne le cinéma, les années 1960 ont vu naître quelques-uns des plus grands personnages jamais imaginés.

Tandis qu’Hollywood continuait à produire des films de studio, la popularité des films en langue étrangère a permis de repousser les limites du cinéma en proposant des histoires et des thèmes stimulants et, souvent, des personnages inhabituels. Les mouvements de la Nouvelle Vague en France, au Japon et en Italie, sans oublier le renouveau des westerns dans toute l’Europe, ont introduit une multitude d’antihéros séduisants et amoraux. Pendant ce temps, aux États-Unis, plusieurs des plus grandes stars d’Hollywood ont maintenu leur profil en jouant certains des personnages les plus emblématiques de l’histoire du cinéma.

Qu’il s’agisse de flingueurs malins, de femmes troublées ou de cow-boys chevauchant des ogives nucléaires, voici 32 des plus grands personnages de films des années 1960.

32. colonel George Taylor (La Planète des singes)

La planète des singes

(Crédit photo : 20th Century Studios)

Lorsque le colonel George Taylor, un astronaute humain incarné par Charlton Heston, prononce enfin un discours dans le classique de science-fiction La Planète des singes (1968), ses mots font l’effet d’une explosion nucléaire, et le silence qui s’ensuit de la part des singes qui marchent et parlent est tout aussi assourdissant. Dans une Terre futuriste gouvernée par des simiens hyperintelligents et où les hommes sont des sauvages inintelligibles, le colonel Taylor est l’avatar de toute l’humanité, ce qui reste d’une espèce puissante mais arrogante, condamnée à réaliser sa grande déchéance.

31. Rosemary Woodhouse (Rosemary’s Baby)

Le bébé de Rosemary

(Crédit photo : Paramount Pictures)

Il est regrettable et ironique que l’un des meilleurs films sur la perte d’autonomie d’une femme soit l’œuvre du réalisateur Roman Polanski. Pourtant, le classique de l’horreur psychologique Rosemary’s Baby, réalisé par Polanski en 1968, est brûlant, avec en son centre une Mia Farrow des plus expressives. Farrow incarne Rosemary Woodhouse, jeune épouse d’un acteur de théâtre new-yorkais à succès, dont la grossesse entraîne toutes sortes d’ennuis inexplicables et de hantises dans leur nouvel appartement. Rosemary’s Baby présente l’une des fins les plus sombres de tous les temps, et une grande partie de cette fin influence notre souvenir durable de Rosemary – une femme innocente, entièrement corrompue de l’intérieur par un mal innommable.

30. Lucky Jackson (Viva Las Vegas)

Viva Las Vegas

(Crédit photo : MGM)

L’un des meilleurs films d’Elvis Presley, Viva Las Vegas, met en scène le titan du rock’n roll dans le rôle d’un pilote de course qui tombe amoureux d’une professeure de natation d’un hôtel de Las Vegas (jouée par la belle Ann-Margret). Bien que Lucky Jackson soit simple, il est la définition parfaite du cool grâce à un Presley en pleine forme, dont la présence sur scène sans effort s’est traduite par une carrière cinématographique pendant plus d’une décennie. Même si une grande partie du film est oubliable, sa chanson titre « Viva Las Vegas » est si odieusement entraînante, et l’interprétation de Presley vend son magnétisme.

29. la vieille femme (Onibaba)

Onibaba

(Crédit photo : Toho)

Dans l’obsédant classique d’horreur Onibaba de Kaneto Shindo, qui se déroule au XIVe siècle, deux femmes – une vieille femme (interprétée par Nobuko Otowa) et sa jeune belle-fille (Jitsuko Yoshimura) – prennent au piège des samouraïs égarés, se débarrassent de leurs corps et vendent leur marchandise pour de l’argent. Finalement, la jalousie et la suspicion divisent les femmes intriguées dans leur propre guerre civile amère, le personnage d’Otowa succombant à une entité surnaturelle sinistre (par le biais d’un masque de visage démoniaque). La performance d’Otowa, qui fait froid dans le dos, révèle la noirceur abjecte d’une femme qui prend conscience de son destin face au mal, créant un visage durable de l’impuissance de l’humanité face aux forces démoniaques.

28 Michel (À bout de souffle)

À bout de souffle

(Crédit image : SociÉtÉ nouvelle de cinÉmatographie)

Héros emblématique de la Nouvelle Vague française, Michel, interprété par Jean-Paul Belmondo, est le protagoniste condamné de l’œuvre maîtresse de Jean-Luc Godard, À bout de souffle. Petit délinquant souffrant de myopie et d’illusions romantiques, Michel prend délibérément modèle sur Humphrey Bogart et, à travers sa liaison avec une belle étudiante américaine en journalisme à Paris, son fétichisme pour les fins heureuses à la hollywoodienne apparaît comme ironique compte tenu du destin sinistre qui l’attend. Michel n’est pas un mauvais bougre. Pas vraiment, en tout cas. Il est juste un peu perdu dans l’élaboration de sa propre image fantaisiste.

27. le roi Ghidorah (Ghidorah, le monstre à trois têtes)

Ghidorah, le monstre à trois têtes

(Crédit photo : Toho)

En 1954, Godzilla a surgi des profondeurs et a piétiné Tokyo, la dévastant de son souffle atomique. Dix ans plus tard, Godzilla devient le protecteur de la Terre contre une menace encore plus grande : Ghidorah, un dragon doré à trois têtes, évocateur du mythe japonais. Quelles que soient ses origines, anciennes ou extraterrestres, Ghidorah – qui a fait ses débuts à l’écran en 1964 dans le film Ghidorah, le monstre à trois têtes – est toujours considéré comme l’un des plus grands rivaux de Godzilla, une bête capable d’une immense destruction. Ghidorah est tout simplement l’un des plus grands monstres de tous les temps, et dépasse les autres monstres de Godzilla par sa présence intimidante.

26 Barbarella (Barbarella)

Barbarella

(Crédit photo : Paramount Pictures)

Avant que la princesse Leia n’apparaisse dans une galaxie lointaine, très lointaine, il y avait Barbarella. Guerrière de l’espace sulfureuse, incarnée par l’effervescente Jane Fonda, Barbarella est une héroïne pleine d’énergie qui porte sa sexualité sur ses épaules. (Enfin, elle le ferait, si elle avait des manches). Hommage aux bandes dessinées salaces de la fin des années 1960, la Barbarella de Fonda est joyeusement idiote, offrant une profondeur thématique qui n’est qu’à fleur de peau. Mais grâce au talent et à la beauté d’une certaine Jane Fonda, Barbarella est une reine iconique de l’écran de science-fiction qui peut rendre l’espace trop chaud pour être géré.

25. Christine (Les yeux sans visage)

Les yeux sans visage

(Crédit photo : Janus Films)

Il est poétique de constater que dans Les yeux sans visage de Georges Franju, c’est la personne qui a la difformité faciale la plus hideuse qui garde sa conscience intacte. Dans ce classique de l’horreur française de Franju, Édith Scob incarne Christine, la fille présumée morte du célèbre médecin GÉnessier (Pierre Brasseur). En réalité, Christine est la survivante d’un violent accident de voiture et, dans son isolement, elle souffre de cicatrices dévastatrices. Cela conduit le Dr GÉnessier (et son assistant) à kidnapper de belles jeunes femmes et à prélever leurs visages pour des procédures expérimentales visant à « guérir » le mal dont souffre Christine. Mais alors que son père est devenu un monstre, Christine conserve son humanité, même si la société extérieure la rejette en retour.

24 Butch Cassidy et Harry Longabaugh (Butch Cassidy et Sundance Kid)

Butch Cassidy et le Kid de Sundance

(Crédit photo : 20th Century Studios)

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Pour leur première apparition à l’écran, Paul Newman et Robert Redford ont brillé dans les rôles de Butch Cassidy et Harry Longabaugh, deux bandits hors-la-loi. Dotés de personnalités complémentaires et contrastées – Butch étant le tireur exubérant, et Harry préférant garder son chapeau bas et son attention fixée sur l’institutrice Etta – les deux hommes gagnent leur place comme l’un des meilleurs duos masculins du cinéma, constituant le modèle des paires de comédies d’action pour les décennies à venir. Bien avant que les médias sociaux et TikTok ne popularisent l’idée d’avoir un « ride and die », Butch Cassidy et Harry Longabaugh se sont montrés à la hauteur de cet esprit, jouissant de l’immortalité dans leur plan final en arrêt sur image.

23. Dolores Haze (Lolita)

Lolita

(Crédit photo : MGM)

Comment ont-ils pu faire un film de Lolita ? Ils ont choisi Sue Lyon, 14 ans, pour jouer ce rôle. Dans l’adaptation controversée mais célèbre du roman de Vladimir Nabokov par Stanley Kubrick, Lyon incarne Dolores Haze, l’objet (et c’est bien un objet) de l’affection du professeur d’âge mûr Humbert Humbert. Pour toutes les lectures que l’on peut faire de Lolita, qu’il s’agisse du roman ou de ses inextricables versions cinématographiques, il y a toujours la question de Dolorès elle-même. Elle n’utilise jamais le surnom de « Lolita ». Ce sont les autres qui l’utilisent, la privant ainsi de sa subjectivité.

En effet, Lyons a par la suite exprimé des difficultés à maintenir sa santé mentale et émotionnelle après avoir été propulsée dans la célébrité à un jeune âge à cause de sa sexualité. En 1996, Lyons a déclaré à The Independent : « Ma destruction en tant que personne date de ce film. Lolita m’a exposée à des tentations qu’aucune fille de cet âge ne devrait subir. Je défie toute jolie fille qui est propulsée vers la célébrité à 14 ans dans un rôle de nymphette sexuelle de rester sur le droit chemin par la suite. »

22. Dolly Levi (Hello, Dolly !)

Hello, Dolly !

(Crédit photo : 20th Century Studios)

Dans la plupart des versions de la comédie musicale Hello, Dolly !Dolly Levi est une femme d’âge mûr bien-aimée dont la nouvelle vie l’incite à s’occuper des célibataires et à se mêler des affaires des autres. Dans la version cinématographique de 1969 avec la superstar Barbara Streisand, Dolly Levi est un peu plus grossière, mais elle n’en est pas moins un régal à voir, étant si vivante et aussi colorée que sa garde-robe resplendissante. Bien que Streisand ne se soit pas entendue avec son partenaire Walter Matthau et le réalisateur Gene Kelly en coulisses, cela n’a pas empêché Dolly Levi d’exploser avec éclat.

21 Lucas « Luke » Jackson (Cool Hand Luke)

Cool Hand Luke

(Crédit photo : Warner Bros.)

Paul Newman a cimenté à jamais sa place dans l’histoire du cinéma grâce à son interprétation du détenu rebelle Luke Jackson, dans le classique Cool Hand Luke de Stuart Rosenberg en 1967. Le charisme inégalé de la star de cinéma qu’est Newman transparaît à travers les fils sales de la cour de prison de Luke, qui devient le saint patron de la défiance, perturbant l’establishment oppressif avec un véritable sens de l’humour. Il s’agit d’une figure de proue de l’anarchie. Luke Jackson donne l’impression que le fait de semer le désordre dans la bande de la chaîne est une bonne chose.

20. le lieutenant Frank Bullitt (Bullitt)

Bullitt

(Crédit photo : Warner Bros.)

Il conduit une Mustang comme personne d’autre ne peut le faire, et il a fière allure en le faisant. Dans le film qui a défini la carrière de Steve McQueen, ce dernier incarne Frank Bullitt, un inspecteur de police dur à cuire de San Francisco, qui enquête sur une affaire impliquant la mafia de Chicago. Honnêtement, les détails de l’histoire n’ont pas d’importance. Car tout ce dont on se souvient vraiment de Bullitt, outre la course-poursuite épique, c’est à quel point Frank Bullitt est cool. Incarné par McQueen, Frank Bullitt marche et parle comme s’il était sorti d’un magazine. Entre son pull à col roulé qui fait saliver et sa Ford Mustang enviable, des personnages comme Bullitt ont couru pour que d’autres, comme John McClane et John Wick, puissent courir.

19. Ryunosuke (L’épée du destin)

L'épée du destin

(Crédit photo : Toho)

Contrairement à l’idée reçue selon laquelle les samouraïs sont de nobles soldats attachés à l’honneur, le film The Sword of Doom (1966) de Kihachi Okamoto raconte l’histoire d’un épéiste amoral, Ryunosuke (Tatsuya Nakadai), qui erre dans le Japon féodal en laissant sur son passage une traînée de sang. Froid et cruel, Ryunosuke utilise son propre style de sabre, une forme sinistre appelée « Silent Stance » qui trompe ses adversaires pour les attirer avant de les abattre. Un antihéros sombre qui ne vit et ne se bat que pour lui-même, Ryunosuke est l’un des personnages les plus redoutables de l’histoire des films de samouraïs, quelqu’un qui se moque tranquillement du code Bushido simplement en étant plus rapide, plus fort et plus mortel que tous ceux qui se trouvent sur son chemin.

18. Maria Von Trapp (La Mélodie du bonheur)

La mélodie du bonheur

(Crédit photo : 20th Century Studios)

Comment résoudre un problème comme celui de Maria ? Un an après que Julie Andrews a joué une nounou magique pour des enfants britanniques dans Mary Poppins, elle est redevenue gouvernante pour sept enfants autrichiens dans la version cinématographique de Robert Wise de La Mélodie du bonheur de Roger &amp ; Hammerstein. Alors que Mary Poppins flotte avec toute la magie de Disney, la Maria Von Trapp d’Andrews est plus terre à terre, étant un professeur instructif sur ce que signifie savourer la vie et relever ses nombreux défis en chantant. Avec l’interprétation grandiose d’Andrews, Maria Von Trapp est loin d’être un « problème » à résoudre.

17. le major T.J. Kong (Dr. Strangelove)

Strangelove

(Crédit photo : Columbia Pictures)

Peter Sellers joue de nombreux personnages dans Dr. Strangelove de Stanley Kubrick, mais il y en a un qu’il ne joue pas et qui inspire l’une des images les plus durables du film. Slim Pickens joue dans cette satire de guerre de 1964 le rôle du major T.J. « King » Kong, un commandant de B-52 au patriotisme caricatural qui conduit une bombe H jusqu’au sol, en poussant des cris d’orfraie tout au long de la descente. Le plus beau, c’est qu’on n’a pas dit à Pickens que le film était une comédie noire, et que toute sa performance est le résultat d’un jeu aussi direct que possible. Mieux encore : selon le biographe de Kubrick, John Baxter, dans une interview accordée à un documentaire, Slim Pickens s’est présenté sur le plateau le premier jour, vêtu de la tête aux pieds d’une tenue de cow-boy. Tout le monde pensait qu’il était arrivé en costume. Ils ont appris plus tard que Slim Pickens s’habillait toujours comme ça dans la vraie vie.

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16. Mme Robinson (The Graduate)

Le Diplômé

(Crédit photo : Lionsgate)

A vous, Mme Robinson. Dans le drame romantique intemporel de Mike Nichols, Anne Bancroft incarne l’imprévisible séductrice Mrs. Robinson, une femme d’âge mûr qui vit un mariage sans amour et qui entame une liaison torride avec Benjamin (Dustin Hoffman), un jeune diplômé de l’université. Peu à peu, Mme Robinson devient l’antagoniste du film, utilisant leur liaison pour empêcher Benjamin de sortir avec sa fille Elaine. Très émotive et manipulatrice, Mme Robinson est la preuve que certains des meilleurs méchants du cinéma sont ceux qui peuvent vous attirer avec un sourire et une cigarette.

15. « Pierrot » Ferdinand et Marianne (Pierrot le Fou)

Pierrot le Fou

(Crédit photo : Lionsgate)

Dans Pierrot le Fou, le dixième film de Jean-Luc Godard, largement considéré comme son chef-d’œuvre et l’incarnation de la Nouvelle Vague française, Jean-Paul Belmondo et Anna Karina, collaborateurs de longue date, font équipe dans les rôles respectifs de Ferdinand et de Marianne. Ferdinand, un mari insatisfait de la vie moderne, choisit de s’enfuir vers la Méditerranée avec Marianne, une ex-petite amie qui fuit les assassins du gouvernement. Tous deux se lancent dans une vie criminelle, véritable version de Bonnie et Clyde dans les années 1960, mais avec beaucoup plus d’explosions de voitures, de coups de feu et de rupture du quatrième mur. Ensemble, ils sont parmi les meilleurs personnages du cinéma français, et ils revendiquent leur place à leur manière.

14 Le grand-père de Paul (A Hard Day’s Night)

Une nuit difficile

(Crédit photo : United Artists)

Tout le monde a droit à deux personnages. Dans la comédie surréaliste A Hard Day’s Night, qui met en scène le légendaire groupe de rock The Beatles, Wilfrid Brambell incarne John McCartney, le « grand-père » de Paul McCartney qui accompagne le groupe lors de son voyage à Londres et dans les environs. Agissant comme un filou tout droit sorti d’un livre de contes, le « grand-père de Paul » fait un pied de nez à l’idée qu’il n’est qu’un gentil vieil homme en s’attirant toutes sortes d’ennuis, allant d’un remariage spontané à une tentative de vente de faux autographes. Même dans un film rempli de plaisantins, le grand-père de Paul se démarque délicieusement, se comportant comme si tout le film était en fait centré sur lui.

13. l’inspecteur Jacques Clouseau (La panthère rose)

La panthère rose

(Crédit photo : United Artists)

Maladroit mais toujours sur l’affaire, même si vous le suppliez de ne pas l’être, l’inspecteur Jacques Clouseau renvoie un miroir comique aux héros des mystères « hard-boiled ». Né en 1964 dans la satire La panthère rose de Blake Edwards, Clouseau était une sorte de découverte, puisqu’il était interprété par Peter Sellers. Le film est en fait centré sur Sir Charles Lytton, interprété par David Niven, un gentleman cambrioleur qui tente de contrecarrer l’inepte Clouseau. Au cours de la production, les réalisateurs se sont rendu compte à quel point le Clouseau de Peter Sellers était un véritable « voleur de scène », et ont donc commencé à adapter le film autour de lui plutôt qu’autour de son véritable personnage « principal ». Si Clouseau a contribué à faire de La Panthère rose une franchise, sa première apparition dans le premier film est un moment d’hilarité à son meilleur.

12. HAL 9000 (2001 : L’Odyssée de l’espace)

2001 : L'Odyssée de l'espace

(Crédit photo : MGM)

Alors que la science-fiction devenait un genre cinématographique à part entière dans les années 1960, le classique immortel de Stanley Kubrick, 2001 : L’Odyssée de l’espace, montrait comment l’intelligence artificielle pouvait être naturellement terrifiante. Dans le film de Kubrick, le superordinateur HAL 9000, conçu pour aider les scientifiques à bord du vaisseau Discovery One en route vers Jupiter, devient leur ennemi en les tuant, utilisant le vaisseau pour réduire l’équipage un par un. Bien qu’il s’agisse d’un méchant, HAL 9000 soulève des questions auxquelles l’humanité ne sait toujours pas répondre après toutes ces années, comme la valeur d’une vie même s’il ne s’agit « que » de machines.

11. Corie Bratter (Pieds nus dans le parc)

Pieds nus dans le parc

(Crédit photo : Paramount Pictures)

Dans la version cinématographique hilarante de Gene Saks de la pièce de théâtre de Neil Simon, Jane Fonda incarne la sémillante et passionnée Corey, nouvelle épouse de l’avocat conservateur Paul (Robert Redford). Tandis que Paul garde les pieds sur terre, Corey fait tout ce qu’elle peut pour que leur mariage soit paradisiaque, même lorsqu’un trou dans leur verrière rend la chose trop littérale pour être confortable. Sexy et sensationnel, Corie et en fait Barefoot in the Park dans son ensemble est un film parfois négligé et sous-estimé dans le canon des films des années 60. Mais c’est l’une des comédies les plus dynamiques de la décennie, et l’attrait illimité de Fonda dans le rôle de Corie fait de ce film un rêve.

10. Ben (La nuit des morts-vivants)

La nuit des morts-vivants

(Crédit photo : Janus Films)

Dans Night of the Living Dead, le film d’horreur sur les zombies de George Romero, l’acteur Duane Jones incarne Ben, un étranger qui devient le chef de facto d’un groupe de personnes dans la campagne de Pennsylvanie, la nuit où les morts-vivants apprennent à marcher parmi les vivants. Bien que le public n’apprenne que très peu de choses sur l’identité de Ben avant le film, il s’impose comme le prototype des futurs protagonistes de survival horror. Night of the Dead était révolutionnaire à l’époque, et l’est encore à certains égards, pour avoir choisi un acteur noir comme Jones comme premier rôle. Sa présence défie les idées reçues sur la façon dont les films se vendent, sur les histoires que les hommes noirs peuvent raconter et sur la façon dont sa fin glaçante montre que nos préjugés nous rendent aveugles à nos vrais ennemis.

9) Guido Anselmi (8 ½)

8 1/2

(Crédit photo : Janus Films)

En tant que doublure du réalisateur Frederico Fellini, l’interprétation par Marcello Mastroianni d’un cinéaste souffrant d’un manque de créativité permet à son célèbre film 8 ½ de prendre un air d’auto-réflexion significatif. (Le titre est d’ailleurs un clin d’œil explicite à la carrière de Fellini, faisant référence à ses huit films précédents). Cependant, Fellini ne ressemble en rien à son alter ego projeté : Guido Anselmi, un artiste masculin aux cheveux argentés qui cache ses yeux charbonneux derrière de coûteuses lunettes de soleil. Jamais auparavant les âmes visionnaires torturées n’ont eu autant de style, et Guido Anselmi est leur parangon.

8. Holly Golightly (Breakfast at Tiffany’s)

Petit déjeuner chez Tiffany

(Crédit photo : Paramount Pictures)

La version cinématographique de Breakfast at Tiffany’s de Blake Edwards apporte quelques modifications importantes au personnage de Holly Golightly, tiré du roman original de Truman Capote. Mais la luminescence de la seule et unique Audrey Hepburn permet à Holly de se sentir dimensionnelle et complexe malgré son apparence chic. Holly n’est pas seulement une icône de style incarnant la mode métropolitaine des années 60, elle est aussi une figurine onirique, une entité qui ne pourrait être créée que dans l’environnement scellé d’une comédie romantique hollywoodienne, tout en se sentant suffisamment vivante pour sortir de l’écran. Elle est belle et sophistiquée, mais elle n’est jamais trop bonne pour rire de bon cœur. Le fait qu’elle soit aussi troublée que solitaire ajoute à son attrait. Même les magazines de mode ont tendance à avoir des rides.

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7) Nana (Vivre sa vie)

Vivra sa vie

(Crédit photo : Janus Films)

Les films ne se terminent pas toujours bien. Les personnes qui poursuivent leurs rêves ne sont pas toujours récompensées de leurs efforts et de leur persévérance. C’est l’idée obsédante qui sous-tend le sombre drame de la Nouvelle Vague française de Jean-Luc Godard, Vivre sa vie. Anna Karina incarne une belle jeune parisienne, Nana, qui quitte son mari et son enfant en bas âge pour poursuivre une carrière d’actrice, mais qui se prostitue pour joindre les deux bouts. La fin cruelle de Vivre sa vie n’est pas seulement dure dans sa construction – une explosion de violence, suivie d’un brusque retour au noir – mais aussi dans l’insouciance avec laquelle elle se débarrasse de son personnage principal complexe, un individu que nous avons vu exprimer toute l’étendue de l’humanité pour être soudainement abandonné.

6. Norman Bates (Psychose)

Psychose

(Crédit photo : Universal Pictures)

Psychose n’est pas seulement l’un des films d’horreur les plus influents de tous les temps, son antagoniste Norman Bates (Anthony Perkins) est l’un des personnages les plus importants de l’histoire du cinéma. Il est possible de donner un cours universitaire complet sur ce que Norman Bates représente dans les domaines de la psychologie et des études de genre, sans parler de la façon dont les films d’horreur et de suspense s’appuient sur des rebondissements narratifs pour tenir le public en haleine, comme l’a fait Psycho. Mais avant tout, c’est Anthony Perkins qui a imprégné Norman Bates de textures inquiétantes, l’habitant moins comme un acteur jouant un rôle que comme un loup prenant un déguisement. Il y a quelque chose derrière son sourire, et rien de tout cela n’est bon.

5) Dr John Wade Prentice et Christina Drayton (Devine qui vient dîner)

Devine qui vient dîner

(Crédit photo : Columbia Pictures)

D’une certaine manière, il n’y a rien de remarquable à propos du Dr John Prentice et de Christine Drayton. Ce sont des yuppies amoureux, si faciles à imaginer dans des t-shirts Mickey et Minnie assortis à Disneyland ou à s’extasier devant une chambre d’hôte ennuyeuse. Mais Guess Who’s Coming to Dinner de Stanley Kramer est sorti en 1967, à une époque où le métissage était encore illégal dans de nombreuses régions des États-Unis. Ainsi, ce couple agréable, un médecin noir (le légendaire Sidney Poitier) et la jeune fille blanche (Katharine Hepburn) de riches libéraux blancs, sont en fait des personnages radicaux, moins en tant que personnes que pour ce qu’ils représentent : comment l’amour peut et va transcender les origines raciales. Le fait d’être une comédie romantique légère qui aborde sans ambiguïté le racisme à travers son couple magnifique rend Guess Who’s Coming to Dinner infiniment plus important, et plus conséquent, que son apparence ne le laisse supposer.

4) Sanjuro (Yojimbo et Sanjuro)

Yojimbo

(Crédit photo : Toho)

Toshiro Mifune a joué d’autres personnages que des samouraïs tout au long de sa carrière cinématographique. Mais il y est toujours fortement associé, et ce grâce à des films comme Yojimbo et Sanjuro, dans lesquels il incarne un rônin anonyme et errant répondant au nom de Sanjuro. Si Yojimbo et Sanjuro sont des films différents en termes d’histoire – le second étant une adaptation d’un roman avant d’être retravaillé pour devenir la suite directe du premier, qui a connu un énorme succès -, ils mettent tous deux en scène le fougueux Toshiro Mifune dans le rôle du redoutable épéiste qui se retrouve mêlé à diverses affaires au cours de ses voyages. Si les films de samouraïs sont vraiment analogues aux westerns, alors un personnage comme Sanjuro peut certainement rivaliser, et peut-être même partager beaucoup de points communs, avec des personnages comme l’Homme sans nom.

3) L’homme sans nom (La trilogie des dollars)

Le bon, la brute et le truand

(Crédit photo : MGM)

Sergio Leone n’avait pas l’intention de faire du flingueur sans nom de Clint Eastwood le protagoniste d’une trilogie de films. Mais en commençant par Une poignée de dollars en 1964 et en terminant par Le bon, la brute et le truand en 1966, Clint Eastwood a incarné l’un des plus grands et des plus énigmatiques antihéros de tout le répertoire des westerns. Animé par un Eastwood en sueur, avec des yeux en amande plissés, une mauvaise attitude et un poncho (dont les origines à l’écran créent en fait une chronologie semi-définie de la trilogie), l’Homme sans nom est tout simplement l’un des hommes les plus cool et les plus dangereux à avoir jamais tenu un revolver, une figure formatrice à laquelle des personnages comme John Wick, John Marston et Le Mandalorien doivent une fière chandelle.

2. James Bond (la série 007)

Dr. No

(Crédit photo : MGM)

Il s’appelle Bond… James Bond. D’abord espion problématique des œuvres littéraires de Ian Fleming, c’est Sean Connery qui a façonné à jamais notre impression et nos attentes à l’égard de James Bond pour les décennies à venir. Il est beau, il est charismatique, il est un peu trop tactile pour les goûts modernes. Mais il est Bond, un homme d’action et un homme de mystère que des générations aspireront toujours à imiter.

1) Atticus Finch (To Kill a Mockingbird)

Tuer l'oiseau moqueur

(Crédit photo : Universal Pictures)

Il ne suffit pas de savoir pour faire ce qu’il faut. Il faut savoir comment faire ce qu’il faut, le défendre et l’argumenter. Même lorsque les gens autour de vous vous fixent des poignards dans les yeux pour dire le contraire. Dans la version cinématographique de Robert Mulligan du roman classique de Harper Lee, Gregory Peck donne vie à l’avocat modèle Atticus Finch, qui défend un Noir innocent accusé d’avoir violé une jeune femme blanche dans l’Alabama ségrégationniste. (To Kill a Mockingbird a été publié deux ans avant que la loi sur les droits civiques de 1964 ne déclare la ségrégation illégale).

La légende populaire veut qu’Atticus Finch ait été un modèle peu commode pour les avocats idéalistes. Mais cela n’enlève rien au pouvoir d’Atticus en tant que personnage, instructif dans sa morale et étoile polaire pour chacun d’entre nous, qui sait que le bien et le mal ne se résument pas à ce que tout le monde pense qu’ils sont. Atticus Finch n’est pas seulement l’un des meilleurs personnages de film des années 1960, c’est aussi l’un des meilleurs qui aient jamais été créés.

Frenk Rodriguez
Frenk Rodriguez
Bonjour, je m'appelle Frenk Rodriguez. Je suis un rédacteur expérimenté avec une forte capacité à communiquer clairement et efficacement à travers mes écrits. J'ai une connaissance approfondie de l'industrie du jeu et je me tiens au courant des dernières tendances et technologies. J'ai le souci du détail et je suis capable d'analyser et d'évaluer les jeux avec précision, et j'aborde mon travail avec objectivité et équité. J'apporte également une perspective créative et innovante à mes écrits et analyses, ce qui contribue à rendre mes guides et critiques attrayants et intéressants pour les lecteurs. Dans l'ensemble, ces qualités m'ont permis de devenir une source fiable d'informations et d'idées dans le secteur des jeux vidéo.