(Crédit d’image: Future)
Ça fait pas mal d’un an. Pourtant, malgré la fermeture des cinémas dans le monde entier, 2020 a été encore douze mois stellaires pour le cinéma. Grâce aux services de streaming et à la demande, certains des meilleurs films de 2020 ne sont pas diffusés sur grand écran, mais sur nos télévisions. Cela n’a rien fait pour atténuer la qualité de ces films brillants – et choisir cette liste était, comme chaque année, une lutte.
Il y a eu des larmes, des crises de colère, mais les scribes de Total Film se sont finalement mis d’accord sur les meilleurs films de 2020. La mauvaise nouvelle? Hubie Halloween n’a pas réussi. La bonne nouvelle? Uncut Gems l’a fait. Et la concurrence était féroce. A noter: notre personnel étant basé au Royaume-Uni, nous avons choisi des films sortis entre le 1er janvier et le 31 décembre au Royaume-Uni. Cela signifie pas de Nomadland, mais le parasite compte.
25. Shirley
(Crédit d’image: Neon)
L’auteur américaine Shirley Jackson est surtout connue pour avoir évoqué The Haunting Of Hill House. Mais la création de son bildungsroman Hangsaman de 1951 est au centre du «biopic» expérimental de Josephine Decker, qui recadre une période de la vie de Jackson comme s’il s’agissait de l’une de ses histoires les plus troublantes.
En tant qu’œuvre de fiction, c’est un conte captivant et tordu qui joue sur les tropes des propres histoires de Jackson (maisons effrayantes, mariages occultes, malheureux) de manière assez ingénieuse. Parfois, cela peut ressembler à une adaptation d’une nouvelle de Jackson perdue, Decker lançant un sort avec une caméra envoûtante et peu profonde.
24. Chanson sans nom
(Crédit d’image: chanson sans nom)
Le récit de Melina León sur Georgina (Pamela Mendoza), une jeune mère démunie au Pérou frappé par la guerre civile, qui s’est fait voler son enfant après avoir accouché dans une fausse clinique, montre le sort de ceux qui n’ont rien essayant de s’attaquer à un monde qui à peine reconnaît leur existence.
Un journaliste (Tommy Párraga) découvre son cas et commence à dévoiler l’horrible vérité inspirée de la vie réelle. Parfaitement capturé dans un monochrome intemporel 4: 3, c’est une œuvre d’une délicatesse singulière, d’une beauté saisissante dans sa désolation et profondément triste.
23. Harley Quinn: oiseaux de proie
(Crédit d’image: DC Films)
Ayant largement éliminé le gambit de l’univers étendu, DC Comics a trouvé son rythme, et Birds Of Prey prouve que DC est à son meilleur lorsqu’il se détache. Bien que cela reprenne avec Harley Quinn après la Suicide Squad de 2016, vous ne l’appelleriez pas exactement une suite; il est très différent et ne comporte aucun personnage en dehors de Harley. En fait, il ressemble le plus à Deadpool, avec son anti-héros classé R, sa démolition du quatrième mur et son ton irrévérencieux qui s’inspire du personnage principal.
Avec un rythme qui résonne comme un roller derby, un taux de bâillon réussi et un ton général d’irrévérence – un sandwich crasseusement délicieux fait partie intégrante de l’arc de l’intrigue de Harley – c’est implacable, hyperactif et vicieusement divertissant. Tout comme Harley elle-même.
22. Bombe
(Crédit d’image: Lionsgate)
Premier grand film #MeToo, Bombshell retrace la lutte pour mettre fin au règne de 20 ans de Roger Ailes, le suprême de Fox News, en tant que prédateur sexuel. Un drame pacy, brillant et rempli d’étoiles sur le coût élevé de faire la bonne chose, il dévie le mode de conférence prêcheur, les femmes en tant que victimes. Au lieu de cela, il vous plonge la tête la première dans la forteresse folle et ultra-républicaine Fox News de Manhattan, le réseau câblé le plus regardé en Amérique. L’étrange et faisant autorité Megyn Kelly (la célèbre reine des abeilles de la Fox) de Charlize Theron nous emmène dans une tournée ludique de style Vice et s’adressant au public du royaume d’Ailes,
Les blondes de Bombshell ont des défauts engageants – moralement compromises, professionnellement impitoyables, pleines de loyautés partagées. La plus grande réussite de Roach et Randolph ici est de se mettre sous leur peau, de montrer comment le harcèlement sexuel crée un lieu de travail qui craque de danger et d’incertitude pour les femmes. Comme leur prédécesseur Network (1976), ils sont fous comme l’enfer, et ils ne vont plus le supporter.
21. 1917
(Crédit d’image: Universal)
Bien que ce ne soit pas un véritable «oner», les prises incroyablement longues de 1917 figuraient parmi les exploits techniques les plus impressionnants de 2020 dans le cinéma. Emballant The Deaks son deuxième Oscar, la cinématographie à couper le souffle était tout sauf un gadget, immergeant complètement les téléspectateurs alors que le squaddie de George MacKay se traîne dans les tranchées boueuses et évite les tirs de fusil incessants.
Co-scénarisé par le réalisateur Sam Mendes, et avec une histoire inspirée des expériences de son grand-père pendant la Première Guerre mondiale, c’était un projet passionnel qui – comme Dunkerque de Christopher Nolan avant lui – a insufflé une nouvelle vie à un genre bien usé.
20. La vaste nuit
(Crédit d’image: Amazon)
Peu de genres conviennent aux grands et petits films comme la science-fiction. Les débuts d’Andrew Patterson ont coûté moins d’un million de dollars, mais ont agi comme une puissante carte de visite en mélangeant drame pour adolescents et paranoïa de science-fiction tout en rendant hommage à l’âge d’or de la radio et à l’avènement de la télévision.
Situé dans une petite ville du Nouveau-Mexique dans les années 1950, alors qu’un DJ radio (Jake Horowitz) et un standardiste (Sierra McCormick) découvrent une étrange fréquence audio, il a maintenu une maîtrise de l’humeur tout au long et a offert l’un des suivis les plus surprenants de l’année.
19. Jamais Rarement Parfois Toujours
(Crédit d’image: Focus Features)
Le drame aux yeux clairs d’Eliza Hittman sur une adolescente (talentueuse nouvelle venue Sidney Flanigan) cherchant un avortement hors de l’État était certainement un «film de problèmes» dans une année où les soins de santé des femmes étaient gravement menacés. Mais la délicatesse avec laquelle Hittman découvrit la misogynie occasionnelle, la fraternité d’amis et la socio-économie rurale assurèrent une histoire féministe urgente. Et cette scène qui a donné son titre au film a été réalisée en une seule prise.
«J’essaie d’éviter de faire un travail plus axé sur les messages», a déclaré Hittman, «mais ce film parle vraiment de l’impact que ces obstacles [pour obtenir un licenciement] ont sur la vie des gens.»
18. Roches
(Crédit d’image: Film4)
«Rappelle The Bicycle Thief refait dans des couleurs riches avec une bande-son Afrobeat branchée», a écrit Variety. Un grand éloge en effet pour le drame réaliste de Sarah Gavron à Londres, qui s’est également tourné vers des acteurs non professionnels pour raconter l’histoire de l’adolescente Shola (Bukky Bakray), laissée pour prendre soin d’elle-même et de son jeune frère (D’angelou Osei Kissiedu) lorsque leur maman fait un coureur.
Ayant travaillé pendant un an, Rocks se sentait vivant et authentique, refusant de frapper les téléspectateurs avec l’évier de la cuisine, mais mettant beaucoup de courage à sa célébration de l’amitié féminine.
17. Possesseur
(Crédit d’image: Neon)
Brandon Cronenberg a prouvé qu’il était en bonne voie de devenir l’égal de son célèbre père avec une horreur corporelle de science-fiction si dérangeante que Crash ressemblait à Cars. Le film met en vedette Andrea Riseborough en tant qu’assassin fantôme dans la coquille qui détourne les esprits pour réussir la mise à mort parfaite, et la construction du monde accomplie de Cronenberg et l’exploration intelligente de thèmes charnus (l’identité, la connexion entre le corps et l’esprit) ont été assorties de manière impressionnante. par les effets spéciaux dégoûtants de Dan Martin.
« Le film ne se détourne pas », a déclaré Cronenberg à propos de la représentation inébranlable de la violence viscérale de Possessor. Tu seras aussi fasciné.
16. Relique
(Crédit d’image: IFC Midnight)
Apparemment, une histoire surnaturelle d’une femme (Emily Mortimer) essayant de résoudre la disparition de sa mère OAP et les bosses littérales dans la nuit dans la maison ancestrale grinçante de Ma, ce début imaginatif troublant de l’écrivain / réalisateur japonais-australien Natalie Erika James était vraiment un traité sur le vieillissement, la démence, le deuil et le fardeau des soins pour les femmes.
« Il y a quelque chose de vraiment réconfortant à le partager avec les gens et à se rendre compte que d’autres personnes ont vécu des choses similaires », a déclaré Mortimer, dont le défunt père souffrait de démence. «Cela nous rend humains.»
15. Wolfwalkers
(Crédit d’image: IMDb)
Loups, magie, combat médiéval, Sean Bean. il serait tentant d’appeler le conte poilu haut de gamme de Cartoon Saloon «Game Of Thrones for kids», s’il ne s’agissait pas de l’un de ces rares personnages animés qui font aussi pleurer les adultes! Encore! » Derrière la simplicité narrative – loups vs bûcherons – il y a une sophistication émotionnelle et une ambition artistique sauvage: des fioritures expressionnistes, des styles contrastés (gravure sur bois, aquarelle) et la meilleure utilisation des sentiers d’odeur tourbillonnante de ce côté d’une publicité Bisto.
Il a également tissé de manière transparente le mythique (métamorphes de la forêt) avec le factuel (antagoniste Oliver Cromwell). «C’est amusant de jouer avec l’histoire», a déclaré le codirecteur Ross Stewart.
14. Wonder Woman 1984
(Crédit d’image: Warner Bros.)
Wonder Woman 1984 n’est que le blockbuster 2020 nécessaire. Comme Joker, il se branche sur toute la solitude, la déception, la peur et la rage que tant de gens ont nourrie ces dernières années, mais donne à tout cela une tournure positive pour transmettre un message d’amour, d’espoir et de connexion à travers toutes les frontières. Il y a une pureté dans l’image de Jenkins qui aurait pu sembler naïve il y a cinq ans, mais qui se sent maintenant non seulement la plus bienvenue, mais aussi nécessaire.
Cette suite révèle la vérité de l’ici et maintenant alors même que des gens en costume de coquille passent devant de gigantesques magasins de musique. Il est temps de retourner le compte rendu, dit-il – temps pour le sacrifice et la gentillesse. Maintenant c’est de la musique pour le cœur.
13. Je pense à la fin des choses
(Crédit d’image: Netflix)
«J’ai pris l’habitude tout au long de ma carrière de ne pas expliquer mon intention», a déclaré Charlie Kaufman en juillet lors de la publication de son premier roman, Antkind. Mieux, il laisse aux autres le soin de théoriser – et mon garçon, est-ce que tout le monde et leur chien tremblant ont eu une vision chaude de son film Netflix Je pense à la fin des choses, dans lequel le temps et la vérité se défont quand un couple qui sort maladroitement (Jessie Buckley, Jesse Plemons) vont rendre visite à ses parents (Toni Collette, David Thewlis).
Une odyssée époustouflante, c’était magnifique et horrible, plein d’espoir et sombre. Buckley et Plemons sont excellents en tant que duo central.
12. Hôte
(Crédit d’image: Shudder)
Bienvenue dans le nouveau paranormal: un film qui a utilisé l’application de vidéoconférence Zoom pour redynamiser le genre des images trouvées, alors que six amis (si vous comptez Teddy) se réunissent en lock-out pour une séance virtuelle qui tourne violemment mal. «Je voulais subvertir les attentes des gens», a déclaré le directeur Rob Savage. « Parce que je pense que cela ressemble à une idée de merde sur papier. »
Sur Shudder, cependant, il est devenu un phénomène, attirant des halètements d’admiration pour sa débrouillardise (tout le monde se réunissant pour travailler à distance) et des cris de terreur face à ses tactiques de peur, qui vont de l’exploitation d’isolement topique au bon vieux Boo! (et faux Boo!) moments. App fab.
11. Calme avec les chevaux
(Crédit d’image: Film4)
Un début torride de Nick Rowland, diplômé de l’École nationale de cinéma et de télévision, a suivi les malheurs du boxeur devenu lourd Arm (Cosmo Jarvis) en Irlande rurale alors qu’il luttait pour équilibrer la paternité d’un enfant autiste, la servitude d’un gangster impitoyable et d’une sorte de l’humanité au milieu du carnage. Avec une bande-son palpitante de Blanck Mass amplifiant la tension, Calm With Horses était aimé des festivals et bouleversé par le verrouillage.
«Deux jours après leur sortie, tous les cinémas ont fermé leurs portes», a déclaré Rowland. «C’est déchirant, mais il faut mettre les choses en perspective; au moins le film existe. C’est maintenant sur Netflix au Royaume-Uni.
10. L’assistant
(Crédit d’image: Bleecker Street)
«C’est un film sur la monotonie», a déclaré la scénariste / réalisatrice Kitty Green. « Mais je ne voulais pas que ce soit trop monotone. » Au contraire, cette étude de l’ère #MeToo sur les corvées quotidiennes, la misère et la misogynie n’a jamais été moins que sinistre.
Certains de ses thèmes sonnaient avec Bombshell, mais le film de Green a eu un impact dramatique plus important à une échelle beaucoup plus petite, en se concentrant sur la performance brillamment discrète de Julia Garner en tant que Jane, assistante de bureau d’un magnat du cinéma jamais vu. Alors que les parallèles Weinstein étaient inévitables, le véritable pouvoir dévastateur du film résidait dans son évocation aiguë de la complaisance, de la complicité et du droit des hommes dans tous les bureaux.
9. Saint Maud
(Crédit d’image: Studio Canal)
Les débuts audacieux de Rose Glass sont profondément ancrés dans l’esprit de l’infirmière évangélique du titre (Morfydd Clark), dont la ferveur religieuse culmine lorsqu’elle tente de «sauver» sa patiente (Jennifer Ehle). Tournée de manière évocatrice à Scarborough et offrant plusieurs lectures (Maud est-elle mentalement malade ou ointe?), Cette horreur gothique a défié le public et a fait en sorte qu’il ne voulait plus jamais voir un coup de pouce.
Ne l’appelez pas simplement «élevé», un terme snob selon Glass. Sa propre description? «Une étude de personnage foutue et amusante, espérons-le, qui vire à l’horreur. C’est toujours ainsi que j’y ai pensé. »
8. L’homme invisible
(Crédit d’image: Universal)
Les remakes d’horreur ont tendance à se présenter sous deux formes: une terrible perte de temps (* toux * The Mummy) ou une nouvelle rotation terriblement intelligente. La réinvention par Leigh Whannell du classique d’horreur de James Whale s’inscrit parfaitement dans cette dernière catégorie. Déployant l’invisibilité comme une métaphore férocement efficace de l’éclairage au gaz et de la torture psychologique, il a réinventé le type transparent titulaire de HG Wells comme un épouvantail enraciné dans un véritable traumatisme, bien que Cecilia d’Elisabeth Moss était loin d’être une victime malheureuse, ingénieuse et résiliente au coup de poing du film-le -air cadres finaux.
C’est peut-être sérieux, mais The Invisible Man n’a pas lésiné sur les frayeurs des montagnes russes, les amortisseurs confiants et créatifs de Whannell renforcés par des VFX intelligents et subtils. «Je voulais faire quelque chose qui ressemblait à une botte sur la gorge du public», a déclaré Whannell, dont le travail lui a valu une chance sur une autre icône de l’horreur avec The Wolfman, qui devrait jouer Ryan Gosling. Si vous êtes quelque chose comme nous, vous aurez toujours du mal à respirer.
7. Portrait d’une dame en feu
(Crédit d’image: Curzon)
Sorti fin février, la romance sensuelle et intellectuelle de la scénariste / réalisatrice CÉline Sciamma a heureusement atteint le grand écran avant la fermeture des cinémas britanniques; ce conte intime méritait une toile épique. C’était aussi un film à voir sans menace de distraction, exigeant – et amplement gratifiant – patience alors qu’il allumait l’étincelle de connexion entre la peintre française du XVIIIe siècle Marianne (NoÉmie Merlant) et son dernier sujet, la timide portraitiste HÉloÏse (AdÈle Haenel ).
«Je voulais vraiment m’éloigner de cette idée du coup de foudre», a déclaré Sciamma, qui a plutôt choisi de s’attarder sur «la montée du désir, comment il se construit, comment il naît». Le Merlant vigilant et Haenel initialement gardé ont apporté la nuance nécessaire, tandis que la DoP Claire Mathon a conçu des images dignes d’une galerie qui ont atteint un sommet sublime avec la célèbre scène de feu de joie. Sauf quelques applaudissements, aussi pour l’artiste de la vie réelle HÉlÈne Delmaire, dont les mains talentueuses ont remplacé celles de Merlant lors des séances de peinture hypnotique du film.
6. Le phare
(Crédit d’image: A24)
Ce n’était pas seulement la structure éponyme et incandescente qui brillait dans le deuxième long métrage de Robert Eggers – Willem Dafoe et Robert Pattinson étaient les meilleurs en carrière en tant que wickies aux yeux sauvages Tom Wake et Ephraim Winslow, qui perdent l’intrigue lorsqu’ils sont bloqués sur un île ravagée par le vent au large des côtes de la Nouvelle-Angleterre. Tourné en noir et blanc avec des lentilles fabriquées dans les années 1930 et dans le rapport hauteur / largeur archaïque de 1,19: 1, la vision cauchemardesque d’Eggers ne ressemblait à rien d’autre qu’un vieux chapeau.
Après des années de travail crédible sur des personnages indépendants, Pattinson a mis le dernier clou dans le cercueil d’Edward Cullen tout en luttant contre des mouettes vindicatives et des vagins de sirène. Quant à Dafoe, aucun autre acteur ne pouvait cracher de manière aussi convaincante des pages de dialogue écrites dans un authentique dialecte du Maine du XIXe siècle. «Rien de bon ne se passe lorsque deux hommes sont piégés dans un phallus géant», a plaisanté Eggers. Nous ne sommes pas d’accord – The Lighthouse était une réalisation cinématographique incomparable d’un réalisateur émergeant comme l’un des véritables pionniers de l’horreur contemporaine.
5. Âme
(Crédit d’image: IMDb)
Lorsque le 23e long métrage de Pixar a fait son arc au Festival du film de Londres en octobre, les critiques ont tous convenu que le géant de l’animation était sur son A-game. Alors que le musicien de jazz new-yorkais Joe (Jamie Foxx) était transporté hors de son corps, Soul nous a emmenés dans The Great Before, où les âmes infantiles sont prêtes à habiter des hôtes sur Terre. et où Joe doit encadrer le 22 précoce (Tina Fey ).
Se déplaçant entre un New York photoréaliste et le plus doux et plus abstrait The Great Before, Soul a offert une animation époustouflante et un message enflammé sur le fait de saisir la vie là où vous le pouvez. Nous avons besoin de cette histoire maintenant, et Pixar nous l’a offerte pour Noël – elle atterrit sur Disney + le 25 décembre, disponible pour les abonnés sans frais supplémentaires. «Les thèmes sont intensifiés en ce moment», a déclaré la productrice Dana Murray. «Nous avons tous convenu que nous devions sortir le film.»
4. Mank
(Crédit d’image: IMDb)
Cette fois, c’était personnel. Écrit par son défunt père Jack, Mank de David Fincher a également retenti avec toutes les connaissances que le cinéaste avait accumulées au cours de ses 30 ans à Hollywood, depuis, à 27 ans, il se tenait sur le tournage d’Alien3 armé. avec ambition, ego et talent. un peu comme un Orson Welles de 24 ans s’est écrasé à Hollywood des décennies avant lui. Dans Mank, le scénariste alcoolique Herman J.Mankiewicz (Gary Oldman donne le meilleur de lui-même pendant 30 ans) raconte les débuts de réalisateur de Welles, Citizen Kane, d’un ranch de Victorville, en Californie, en 1940, tandis que des flashbacks à la Kane nous montrent comment il est arrivé à son travail le plus important.
Tourné en noir et blanc avec une bande-son mono pour ressembler à un classique perdu de l’époque, Mank a égalé son génie technique avec un scénario plein d’esprit et perspicace traitant de l’ambition, du doute de soi, de la paternité, de la politique et du pouvoir du mot. «C’est l’histoire d’un brillant forgeron qui comprend enfin la valeur et l’importance de sa voix», a déclaré Fincher.
3. Gemmes non coupées
(Crédit d’image: Netflix)
Le titre dit tout, alors que les frères Safdie de New York (Good Time) ont creusé un indie sale et déchiqueté qui scintillait sous tous les angles. Leur père, un vendeur dans le quartier des diamants de Manhattan, a été l’inspiration du joaillier motorisé d’Adam Sandler, Howard Ratner, noyé dans les dettes de jeu mais espionnant une issue quand il atterrit un grand joyau éthiopien. « Les histoires de papa ont toujours été des thrillers aussi pulpeux et épiques », a déclaré Josh, frère aîné de Benny.
Eh bien, Uncut Gems était exactement cela, ne s’arrêtant jamais pour respirer alors que la tension suffocante se développait, se construisait et se construisait, avec Howard jonglant avec la famille, une maîtresse, encerclant des lowlifes, la star de la NBA Kevin Garnett et ce bijou énorme. À deux heures et quart, avec suffisamment de dialogues qui se chevauchent pour remplir un film trois fois plus longtemps, le film a été tourné intimement avec des appareils photo portables, tandis que le montage rapide et saccadé a aspiré les dernières poches d’air. Le résultat a été un thriller qui a frappé et puni les téléspectateurs. et a été d’autant plus exaltant pour cela.
2. Parasite
(Crédit d’image: Curzon)
Le chef-d’œuvre de mélange de genres de Bong Joon-ho cette année a ajouté les Oscars du meilleur film et du meilleur réalisateur pour accompagner la Palme d’or 2019, et a remporté la somme colossale de 258 millions de dollars au box-office mondial. Il n’est pas difficile de comprendre pourquoi: Bong a parfaitement mélangé les émotions du public avec les commentaires sociaux pour façonner un film rare qui jouerait aussi bien dans les cinémas de répertoire que dans les multiplexes, alors que la famille Kim misérablement pauvre a élaboré une stratégie comme des maîtres d’échecs pour infiltrer la maison des riches Parks, seulement pour une torsion à mi-chemin de la mâchoire pour lancer toutes les pièces du tableau en l’air et les regarder cliqueter sur le sol dans un chaos suprêmement orchestré.
Bong lui-même a travaillé comme tuteur pendant ses études universitaires et a déclaré qu’il avait l’impression d ‘«espionner cette riche famille». L’idée a ensuite grandi en lui pendant des décennies, «comme un parasite». Et quel film glissant cela s’est avéré être, se tordant et se retournant pour rendre les spectateurs spasmes sous le choc.
1. Principe
(Crédit d’image: Warner Bros.)
Il faut admirer le courage de Christopher Nolan. Non seulement lui et Warner Bros se sont engagés à sortir son blockbuster de plus de 200 millions de dollars en salles alors que des héros tels que James Bond, Wonder Woman et Maverick étaient tous recroquevillés derrière le canapé, mais il nous a également frappé avec son plus grand brouilleur d’esprit depuis Memento: un actioner sci-spy avec physique et philosophie pour aller avec ses costumes sexy et ses poursuites en voiture kamikaze.
À un certain niveau, c’était un truc standard, en tant qu’agent de la CIA que nous connaissons seulement en tant que protagoniste (John David Washington) a rejoint une autre équipe d’espionnage encore plus secrète pour parcourir le monde (Inde, Oslo, Italie, Russie) en un effort pour conjurer une menace terroriste, ou peut-être même sauver le monde. Le galant du protagoniste l’a mis en contact avec un officier du renseignement britannique (Robert Pattinson), un marchand d’armes indien (Dimple Kapadia) et un oligarque anglo-russe ignoble (Kenneth Branagh) avec une femme triste, belle, mais si capable. (Elizabeth Debicki). Mais ces tropes de genre ont agi comme des mains courantes indispensables étant donné que le monde (la construction) dans Tenet devait tourner si loin de son axe qu’il a fait que cette ferraille de couloir basculant dans Inception ressemble à une promenade dans le parc.
Comme chacun le sait à présent, l’atout de Tenet était son concept d ’« inversion du temps », par lequel des objets peuvent être renvoyés du futur vers le présent. Pour ceux qui veulent comprendre ce que cela signifiait exactement, il y avait une pléthore de guides Time Inversion For Idiots publiés après la sortie du film, ce qui signifie que nous pourrions tous commencer à laisser tomber des phrases telles que «entropie inversée» et «effet suivi de cause» comme nous le savions de quoi nous parlions. Les scientifiques ont été cooptés par les sites de cinéma pour nous assurer que tout avait un sens, en quelque sorte, et Nolan lui-même a déclaré: «Pour que l’ambiguïté résonne, le public doit sentir qu’il y a une vérité sous-jacente.»
Certains téléspectateurs n’arrivaient pas à comprendre – Tenet était plus source de division que la trilogie Dark Knight de Nolan, bien sûr. Mais suivez les conseils du scientifique de ClÉmence PoÉsy («N’essayez pas de le comprendre. Ressentez-le») et ce que vous aviez était un blockbuster avant-gardiste, métaphysique, hyper-suspensif qui a bondi avec un élan impitoyable alors même que Un 747 a glissé dans la direction opposée dans un barrage de décors temporels et tournoyants éclairés par des explosions et des implosions.
«Audacieux, je vais bien, j’avais peur que vous alliez dire fou», a déclaré un personnage joué par Himesh Patel qui aide le protagoniste et Neil à écraser un avion dans un aéroport d’Oslo. Eh bien, Tenet est audacieux et fou, et le meilleur film de 2020.
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